Windą na szafot
Film po rekonstrukcji cyfrowej.
Paryż w rytmie jazzu, zbrodnia w rytmie serca.
„Windą na szafot” (Ascenseur pour l’échafaud) z 1958 roku to nie tylko debiut fabularny Louisa Malle’a, ale kamień milowy, który przetarł szlaki dla francuskiej Nowej Fali. Legendarne dzieło niepokornego twórcy znad Sekwany to stylowy kryminał noir, w którym melancholijna atmosfera paryskich ulic być może jest nawet ważniejsza od fabularnej intrygi. W centrum historii jest zbrodnia popełniona przez Juliana Taverniera na mężu swojej kochanki. Może to morderstwo byłoby doskonałe, gdyby nie „drobny” szczegół, który powoduje, że Julian musi wrócić na miejsce zbrodni.
„Windą na szafot” to przede wszystkim nastrojowe kino osiągnięte pionierskim zastosowaniem małych kamer, swobodną konstrukcją, pięknymi zdjęciami i niezapomnianą, stworzoną w ciągu doby, legendarną muzyką geniusza jazzu – Milesa Daviesa. To także pierwszy film w którym mogła odsłonić swój talent przyszła ikona francuskiego kina – Jeanne Moreau.
Paryż w rytmie jazzu, zbrodnia w rytmie serca.
„Windą na szafot” (Ascenseur pour l’échafaud) z 1958 roku to nie tylko debiut fabularny Louisa Malle’a, ale kamień milowy, który przetarł szlaki dla francuskiej Nowej Fali. Legendarne dzieło niepokornego twórcy znad Sekwany to stylowy kryminał noir, w którym melancholijna atmosfera paryskich ulic być może jest nawet ważniejsza od fabularnej intrygi. W centrum historii jest zbrodnia popełniona przez Juliana Taverniera na mężu swojej kochanki. Może to morderstwo byłoby doskonałe, gdyby nie „drobny” szczegół, który powoduje, że Julian musi wrócić na miejsce zbrodni.
„Windą na szafot” to przede wszystkim nastrojowe kino osiągnięte pionierskim zastosowaniem małych kamer, swobodną konstrukcją, pięknymi zdjęciami i niezapomnianą, stworzoną w ciągu doby, legendarną muzyką geniusza jazzu – Milesa Daviesa. To także pierwszy film w którym mogła odsłonić swój talent przyszła ikona francuskiego kina – Jeanne Moreau.
16. Lublin Jazz Festiwal: Forever Ahead: ECHOES OF UNION: BIŽYS / STEPANAVIČIUS / KUREK / RYBICKI (LT/PL) / prapremiera!
Projekt oparty na spotkaniu dwóch muzycznych światów i dwóch narodowości – polskiej i litewskiej – zjednoczonych we wspólnym języku improwizacji i brzmienia. Artyści poruszają się pomiędzy free jazzem, muzyką elektroakustyczną, współczesną i eksperymentalną, tworząc żywy organizm dźwiękowy oparty na dialogu, intuicji i wzajemnym słuchaniu. Preparowana perkusja, klarnety, saksofon i live electronics splatają się w wielowarstwowe struktury pełne napięcia, przestrzeni i spontaniczności. Echoes of Union to muzyczna unia – spotkanie różnych doświadczeń, estetyk i wrażliwości, które wspólnie budują nowe brzmienie.
16. Lublin Jazz Festiwal: Forever Ahead: ANTONIO RAIA (IT) – [Σ] SIGMA / premiera!
Antonio Raia - Σ [sigma] to całkowicie akustyczne dzieło oparte na brzmieniu saksofonu barytonowego i altowego, koshi oraz głosu. To muzyka traktowana jako rytuał – ciało złożone z fragmentów, które w zestawieniu generują moment olśnienia. Nie chodzi o jedność, lecz o sakralną akumulację tego, co niewidzialne i ulotne. Koncepcja projektu wyrasta z praktyki improwizacji, muzyki współczesnej i działań interdyscyplinarnych, w których dźwięk, gest i przestrzeń tworzą zmienne sytuacje percepcyjne. Materiał dźwiękowy podlega ciągłym przekształceniom, rozpada się i rekonfiguruje, budując żywy, organiczny język słuchania.
16. Lublin Jazz Festiwal: Forever Ahead: CZEŚĆTET (PL)
Grzegorz Tarwid - keyboardy, fortepian, głos / Marek Pospieszalski - saksofon, sprzężenie zwrotne, głos / Julek Płoski – komputer / Bartosz Weber - gitara, gitara basowa, elektronika, głos / Szymon Gąsiorek - perkusja, elektronika, głos
16. Lublin Jazz Festiwal: Forever Ahead: STEINBRICH/MIARCZYŃSKI/RODAKOWSKI (PL)
Czasy są surowe i jako trio poruszają się na styku jazzu, free jazzu i punkowej energii. Zespół tworzy autorskie kompozycje, które naturalnie otwierają się na swobodną improwizację, preparacje oraz elektronikę, budując intensywne i nieprzewidywalne brzmienie. Słuchacze mogą spodziewać się muzyki opartej na napięciu, spontaniczności i kolektywnym dialogu: od swobodnej improwizacji, przez transowe struktury, po gwałtowne, punkowe eksplozje energii. Jedyną stałą jest filozofia zespołu: “go with the bow, or something”.
Maciej Rodakowski – saksofony tenorowy i barytonowy / Jacek Steinbrich – bas, elektronika / Jakub Miarczyński – perkusja
Maciej Rodakowski – saksofony tenorowy i barytonowy / Jacek Steinbrich – bas, elektronika / Jakub Miarczyński – perkusja
16. Lublin Jazz Festiwal: Forever Ahead: ŚWIĘTO OSY (PL) / premiera!
Cyryl Lewczuk – saksofon / Jan Maciejowski - fortepian / Kajetan Skoneczny / Kacper Kałuża – perkusja / Jan Dudek - kontrabas
16. Lublin Jazz Festiwal: Forever Ahead: TENTNO (PL) / premiera!
Trójmiejski kwartet (trzech muzyków i twórczyni wizualna) nie tylko łączy wpływy zaczerpnięte z wielu gatunków – od jazzu przez współczesną muzykę poważną po metal – ale również działa na poziomie interdyscyplinarnym, nawiązując do polskich animacji z lat 70., malarstwa schyłku średniowiecza i niszowych internetowych trendów. To wyjątkowe artystyczne przedsięwzięcie, na czele którego stoi wybitny gitarzysta młodego pokolenia, Krzysztof Hadrych, dotąd znany przede wszystkim z kwintetu Tomasza Chyły.
31 Konfrontacje Teatralne : Szpieg z krainy Głuchych
Dokumentalny esej teatralny, który traktuje komunikację jako strukturę polityczną, a nie neutralny akt wymiany informacji. Spektakl oparty na ruchu, polskim języku migowym (PJM), języku fonicznym oraz kompozycji dźwiękowej i wizualnej zaprasza do spojrzenia na słyszenie nie jako uniwersalny stan, lecz jedną z wielu kulturowych perspektyw. Zamiast reprezentować doświadczenie osób g/Głuchych, podważa założenia świata słyszących. Łącząc eksperymentalną choreografię, dramaturgię wizualną i wielojęzyczną strukturę, proponuje doświadczenie angażujące całe ciało. Libretto inspirowane jest historią Głuchego lektora PJM i performera Marka Śmietany oraz fragmentami książki Anny Goc „Głusza”.
koncepcja, reżyseria i dramaturgia: Lukas Wojcicki / performance: Edyta Kozub, Marek Śmietana, Lukas Wójcicki / muzyka: Mikołaj Poncyljusz / muzyka na żywo: Mikołaj Poncyljusz, Dominik Ossowski / kostiumy, scenografia, wizualizacje: Mo Tomaszewska / światła: Grzegorz Podbiegłowski / tłumaczenie z PJM na polski język foniczny: Weronika Szymańska-Gątarek / osoby w wideo: Magdalena Troszczyńska, Monika Kozub, Paweł Kozub, Iain Scott-Burdon, Anna Butkiewicz, Mateusz Molenda
koncepcja, reżyseria i dramaturgia: Lukas Wojcicki / performance: Edyta Kozub, Marek Śmietana, Lukas Wójcicki / muzyka: Mikołaj Poncyljusz / muzyka na żywo: Mikołaj Poncyljusz, Dominik Ossowski / kostiumy, scenografia, wizualizacje: Mo Tomaszewska / światła: Grzegorz Podbiegłowski / tłumaczenie z PJM na polski język foniczny: Weronika Szymańska-Gątarek / osoby w wideo: Magdalena Troszczyńska, Monika Kozub, Paweł Kozub, Iain Scott-Burdon, Anna Butkiewicz, Mateusz Molenda
31. Konfrontacje Teatralne : Die Duch
Performans taneczny, który rozwija się jako rytualna podróż przez kolejne warstwy cielesnego doświadczenia: od narodzin i ukształtowania pragnień, przez konfrontację z normami społecznymi i kulturowymi, aż po doświadczenie przemiany i oswajania śmierci jako procesu, a nie końca. Projekt wyrasta z pracy czterech performerek wywodzących się z różnych praktyk ruchowych (taniec współczesny, voguing, pole dance, praktyki somatyczne). Ciało traktowane jest tu nie jako indywidualny nośnik ekspresji, lecz jako dynamiczna materia relacyjna – podatna na wpływy, przepływy afektywne i zmienne warunki otoczenia.
Nazwa Die Duch pochodzi od ukraińskiego diducha – symbolu ducha przodków i obfitości – z wyróżnionym żeńskim, niemieckim rodzajnikiem „die”, splatając w sobie siły kobiece, pradawne, ziemskie i duchowe.
obsada: Nataliia Hrytsyna, Alina Senik, Valeria Putylia, Nataliia Hubrii
Nazwa Die Duch pochodzi od ukraińskiego diducha – symbolu ducha przodków i obfitości – z wyróżnionym żeńskim, niemieckim rodzajnikiem „die”, splatając w sobie siły kobiece, pradawne, ziemskie i duchowe.
obsada: Nataliia Hrytsyna, Alina Senik, Valeria Putylia, Nataliia Hubrii
31. Konfrontacje Teatralne : Dziewczyny
Kim jesteś, gdy nikt z zewnątrz nie patrzy? Cztery dziewczyny z licealnej drużyny cheerleaderek zatrzaskują się w szatni przed swoim ostatnim występem. Próba funkcjonowania w zamkniętej przestrzeni obnaża dysfunkcyjną naturę grupy.
Spektakl podejmuje temat kobiecych relacji uwikłanych w skryte fantazje i otwarte konflikty. Poszukuje prawdziwego siostrzeństwa w rzeczywistości, w której tresura ciała i umysłu jest codziennością, a pozwolenie na gniew i sprzeciw jest tylko dla wybranych. „Dziewczyny” balansują na granicy teatru dramatycznego i slapsticku, czerpią z kiczu i estetyki lat 2000, pogrążając bohaterki w coraz głębsze wymiary absurdu.
Spektakl został wyróżniony Nagrodą Grand Prix festiwalu Studencka Wiosna Teatralna 2026.
scenariusz i reżyseria: Oliwia Kurlej / współpraca choreograficzna: Natalia Jaeschke, Tomasz Koszański / współpraca merytoryczna: Kuba Zalasa / producent: Studio Sztuki Teatralno-Aktorskiej STA Poznań / obsada: Maja Murzynowska, Wera Chyła, Matylda Śliwińska, Agata Krupińska
Spektakl podejmuje temat kobiecych relacji uwikłanych w skryte fantazje i otwarte konflikty. Poszukuje prawdziwego siostrzeństwa w rzeczywistości, w której tresura ciała i umysłu jest codziennością, a pozwolenie na gniew i sprzeciw jest tylko dla wybranych. „Dziewczyny” balansują na granicy teatru dramatycznego i slapsticku, czerpią z kiczu i estetyki lat 2000, pogrążając bohaterki w coraz głębsze wymiary absurdu.
Spektakl został wyróżniony Nagrodą Grand Prix festiwalu Studencka Wiosna Teatralna 2026.
scenariusz i reżyseria: Oliwia Kurlej / współpraca choreograficzna: Natalia Jaeschke, Tomasz Koszański / współpraca merytoryczna: Kuba Zalasa / producent: Studio Sztuki Teatralno-Aktorskiej STA Poznań / obsada: Maja Murzynowska, Wera Chyła, Matylda Śliwińska, Agata Krupińska
31. Konfrontacje Teatralne : Kofman. Podwójne wiązanie
Profesorka Sorbony Sarah Kofman mimo imponującego dorobku naukowego nigdy nie zdobyła należnego jej miejsca w gronie najwybitniejszych postaci światowej filozofii. Ważnym elementem jej pracy był jednak pionierski gest wprowadzenia kobiecej perspektywy do wielkich, męskocentrycznych systemów filozoficznych.
Dopiero pod koniec życia odważyła się opowiedzieć o sobie. O swoim dzieciństwie, rozpiętym między dwiema matkami: biologiczną, żydowskiego pochodzenia, oraz przybraną, Francuzką, u której ukrywała się podczas wojny. Kofman opisała swoje doświadczenia z dystansem, jaki zdobyła wobec przeszłości. Sztuczna, wytworzona na lata tożsamość nie tylko pozwoliła jej uniknąć śmierci, ale także umożliwiła refleksję nad tym, co najgłębiej tkwiło w jej własnym „ja”.
reżyseria: Katarzyna Kalwat / tekst: Janusz Margański, Monika Muskała / sceniczne opracowanie tekstu: Monika Muskała / scenografia: Zbigniew Libera / muzyka: Wojtek Blecharz / reżyseria światła, zdjęcia do filmu: Marcin Koszałka / kostiumy: Katarzyna Kalwat, Saskia Hellmann / obsada: Maria Maj, Małgorzata Hajewska-Krzysztofik, Maja Ostaszewska, Jacek Poniedziałek, Alicja Strojek, Kamila Wąsik-Janiak
W spektaklu występują temat wojny, wulgaryzmy, papierosy, seks, nagość, temat śmierci samobójczej, opisy przemocy, w tym przemocy wobec dzieci
Dopiero pod koniec życia odważyła się opowiedzieć o sobie. O swoim dzieciństwie, rozpiętym między dwiema matkami: biologiczną, żydowskiego pochodzenia, oraz przybraną, Francuzką, u której ukrywała się podczas wojny. Kofman opisała swoje doświadczenia z dystansem, jaki zdobyła wobec przeszłości. Sztuczna, wytworzona na lata tożsamość nie tylko pozwoliła jej uniknąć śmierci, ale także umożliwiła refleksję nad tym, co najgłębiej tkwiło w jej własnym „ja”.
reżyseria: Katarzyna Kalwat / tekst: Janusz Margański, Monika Muskała / sceniczne opracowanie tekstu: Monika Muskała / scenografia: Zbigniew Libera / muzyka: Wojtek Blecharz / reżyseria światła, zdjęcia do filmu: Marcin Koszałka / kostiumy: Katarzyna Kalwat, Saskia Hellmann / obsada: Maria Maj, Małgorzata Hajewska-Krzysztofik, Maja Ostaszewska, Jacek Poniedziałek, Alicja Strojek, Kamila Wąsik-Janiak
W spektaklu występują temat wojny, wulgaryzmy, papierosy, seks, nagość, temat śmierci samobójczej, opisy przemocy, w tym przemocy wobec dzieci
31. Konfrontacje Teatralne : Płomienie
Spektakl inspirowany powieścią Stanisława Brzozowskiego – dziełem, które podejmuje temat polskości, wolności, buntu i odpowiedzialności za kształt wspólnoty. Ten genialny myśliciel zostawił czytelnikom ciągle bardzo nowoczesne refleksje: jak wyzwolić się z polskości „zdziecinniałej”, z polskości płytkiego katolicyzmu, wreszcie z polskości nacjonalistycznej. Chociaż tekst powstał w 1906 roku, aktualność problemów zawartych w powieści jest porażająca.
Historia Michała Kaniowskiego oraz związanych z nim rewolucjonistek i rewolucjonistów staje się punktem wyjścia do refleksji nad ceną walki o wolność i powracającymi w historii aktami poświęcenia. Janusz Opryński, sięgając po tekst Brzozowskiego, konfrontuje jego idee ze współczesnością. Spektakl jest dedykowany ludziom walczącym o wolność na całym świecie.
autor: Stanisław Brzozowski / reżyseria i adaptacja: Janusz Opryński / scenografia, kostiumy, światło: Justyna Łagowska / wizualizacje: Tomek Michalczewski / muzyka: Rafał Rozmus / obsada: Irmina Liszkowska, Dorota Bzdyla, Katarzyna Lis, Ewa Domańska, Modest Ruciński, Szymon Kuśmider, Paweł Krucz, Sławomir Grzymkowski, Maksymilian Rogacki, Krystian Modzelewski, Andrzej Seweryn (wideo)
Historia Michała Kaniowskiego oraz związanych z nim rewolucjonistek i rewolucjonistów staje się punktem wyjścia do refleksji nad ceną walki o wolność i powracającymi w historii aktami poświęcenia. Janusz Opryński, sięgając po tekst Brzozowskiego, konfrontuje jego idee ze współczesnością. Spektakl jest dedykowany ludziom walczącym o wolność na całym świecie.
autor: Stanisław Brzozowski / reżyseria i adaptacja: Janusz Opryński / scenografia, kostiumy, światło: Justyna Łagowska / wizualizacje: Tomek Michalczewski / muzyka: Rafał Rozmus / obsada: Irmina Liszkowska, Dorota Bzdyla, Katarzyna Lis, Ewa Domańska, Modest Ruciński, Szymon Kuśmider, Paweł Krucz, Sławomir Grzymkowski, Maksymilian Rogacki, Krystian Modzelewski, Andrzej Seweryn (wideo)
31. Konfrontacje Teatralne : Pola Nireńska. Próba otwarta.
Spektakl inspirowany życiem i twórczością Poli Nireńskiej – jednej z najwybitniejszych polskich tancerek i choreografek XX wieku. Jej biografia splata się z doświadczeniem XX wieku: Zagładą, uchodźstwem, migracją i życiem pomiędzy kulturami. Twórcy, czerpiąc z jej historii, przyglądają się pamięci zapisanej w ciele oraz sile sztuki, która pozwala ocalać ślady przeszłości. Na scenie spotykają się aktorka i tancerka, tworząc opowieść o pasji i konieczności tańczenia, utracie, wykluczeniu oraz walce o realizację własnej drogi. Ruch staje się tu językiem pamięci, gdy słowa okazują się niewystarczające. Spektakl stawia pytanie o to, czy sztuka może uchronić ludzką historię przed zapomnieniem.
koncepcja: Agnieszka Przepiórska / reżyseria: Maja Kleczewska / tekst: Piotr Rowicki / muzyka: Cezary Duchnowski / obsada: Agnieszka Przepiórska, Anna Krysiak
W spektaklu pojawiają się treści dotyczące samobójstwa.
koncepcja: Agnieszka Przepiórska / reżyseria: Maja Kleczewska / tekst: Piotr Rowicki / muzyka: Cezary Duchnowski / obsada: Agnieszka Przepiórska, Anna Krysiak
W spektaklu pojawiają się treści dotyczące samobójstwa.
31. Konfrontacje Teatralne : Proces Eligiusza Niewiadomskiego
16 grudnia 1922 roku w warszawskiej „Zachęcie” padły trzy strzały, które wstrząsnęły rodzącą się II Rzeczpospolitą. Zaledwie pięć dni po objęciu urzędu zginął pierwszy prezydent niepodległej Polski – Gabriel Narutowicz. Zabójcą okazał się Eligiusz Niewiadomski – malarz, krytyk sztuki, działacz związany ze skrajną prawicą, przekonany, że w imię „ratowania ojczyzny” ma prawo zabić.
Spektakl jest teatralną rekonstrukcją procesu Niewiadomskiego – nie tylko sądowego, ale także procesu idei, języka i emocji, które uczyniły z artysty mordercę. Jest też współczesnym sądem nad mitem „wielkiej Polski” i fantazmatami, które wciąż ożywiają narodowe emocje.
reżyseria: Bartosz Szydłowski / adaptacja: Łukasz Drewniak / scenografia i kostiumy: Jerzy Basiura / światło: Paweł Labe / muzyka na żywo: Dominik Strycharski / reżyseria obrazu: Peter Fick / charakteryzacja: Ludmiła Pilecka, Agnieszka Wysocka / ruch sceniczny: Marta Wołowiec / obsada: Przemysław Bluszcz, Maciej Charyton, Adam Ferency, Krzysztof Głuchowski, Maciej Jackowski, Barbara Jonak, Andrzej Kłak, Anna Oberc, Paweł Smagała, Artur Święs, Błażej Wójcik, Krzysztof Zarzecki, (wideo) Andrzej Seweryn
Spektakl jest teatralną rekonstrukcją procesu Niewiadomskiego – nie tylko sądowego, ale także procesu idei, języka i emocji, które uczyniły z artysty mordercę. Jest też współczesnym sądem nad mitem „wielkiej Polski” i fantazmatami, które wciąż ożywiają narodowe emocje.
reżyseria: Bartosz Szydłowski / adaptacja: Łukasz Drewniak / scenografia i kostiumy: Jerzy Basiura / światło: Paweł Labe / muzyka na żywo: Dominik Strycharski / reżyseria obrazu: Peter Fick / charakteryzacja: Ludmiła Pilecka, Agnieszka Wysocka / ruch sceniczny: Marta Wołowiec / obsada: Przemysław Bluszcz, Maciej Charyton, Adam Ferency, Krzysztof Głuchowski, Maciej Jackowski, Barbara Jonak, Andrzej Kłak, Anna Oberc, Paweł Smagała, Artur Święs, Błażej Wójcik, Krzysztof Zarzecki, (wideo) Andrzej Seweryn
31. Konfrontacje Teatralne : Przesłuchanie
Artystka estradowa Antonina Dziwisz trafia do aresztu śledczego. W trakcie kolejnych przesłuchań próbuje dowiedzieć się, jaki jest powód jej zatrzymania. Spektakl „Przesłuchanie” jest pierwszą teatralną adaptacją słynnego filmu Ryszarda Bugajskiego z lat 80. ubiegłego wieku. To konfrontacja z tematem rosyjskich represji, funkcjonowania jednostki w systemie oraz roli artysty w czasach, w których polityka dominuje życie społeczne. Tak jak Bugajski sięgnął po historyczny płaszcz powojennych represji stalinowskich, by odnieść się do czasów sobie współczesnych, tak i dziś – w obliczu powracającego zagrożenia – twórcy spektaklu ponownie sięgają po tę wstrząsającą opowieść, oddając głos współczesnym ofiarom rosyjskiej przemocy – Ukrainkom.
adaptacja i reżyseria: Michał Piotrowski / muzyka: Przemek Josef Pankiewicz / choreografia: Natalia Dinges / scenografia: Radosia Niezgoda i Juliusz Żółty / kostiumy: Kaśka Dudek / reżyseria światła i multimedia: Bartłomiej Sowa / reżyseria dźwięku: Oskar Cichoń / obsada: Nina Batovska, Kateryna Vasiukova, Artur Święs, Marcin Gaweł, Michał Hobot, (głos z offu) Kostiantyn Vasiukov
adaptacja i reżyseria: Michał Piotrowski / muzyka: Przemek Josef Pankiewicz / choreografia: Natalia Dinges / scenografia: Radosia Niezgoda i Juliusz Żółty / kostiumy: Kaśka Dudek / reżyseria światła i multimedia: Bartłomiej Sowa / reżyseria dźwięku: Oskar Cichoń / obsada: Nina Batovska, Kateryna Vasiukova, Artur Święs, Marcin Gaweł, Michał Hobot, (głos z offu) Kostiantyn Vasiukov
31. Konfrontacje Teatralne : Samotny Mężczyzna
Czy samotność ma płeć i orientację? Co właściwie znaczy być samotnym w XXI wieku? I czy życie w pojedynkę zawsze musi oznaczać samotność?
Jeden dzień z życia George’a – profesora literatury, geja, przyjaciela, sąsiada. Studium samotności, w którym widzowie wkraczają w intymną przestrzeń bohatera i przyglądają się jego próbom radzenia sobie z codziennością oraz żałobą po śmierci ukochanego partnera. Pozornie nieznaczące sytuacje i spotkania tego dnia urastają do rangi wydarzeń, które mogą zmienić sposób myślenia o współczesnym świecie i samym sobie. Spektakl powstał na motywach powieści „Samotny mężczyzna” Christophera Isherwooda. Jej głośna ekranizacja w reżyserii Toma Forda przyniosła Colinowi Firthowi główną nagrodę aktorską na Festiwalu Filmowym w Wenecji.
przekład: Jan Zieliński / adaptacja i dramaturgia: Tomasz Śpiewak / reżyseria: Wojtek Rodak / scenografia, kostiumy, światło: Katarzyna Pawelec / muzyka: Teoniki Rożynek / choreografia: Bartłomiej Gąsior / obsada: Piotr Pilitowski, Marcin Mazurek, Małgorzata Kochan, Katarzyna Tlałka, Dorota Goljasz, Alicja Starzyk, Antoni Włosowicz
Spektakl dla Widzów dorosłych.
Jeden dzień z życia George’a – profesora literatury, geja, przyjaciela, sąsiada. Studium samotności, w którym widzowie wkraczają w intymną przestrzeń bohatera i przyglądają się jego próbom radzenia sobie z codziennością oraz żałobą po śmierci ukochanego partnera. Pozornie nieznaczące sytuacje i spotkania tego dnia urastają do rangi wydarzeń, które mogą zmienić sposób myślenia o współczesnym świecie i samym sobie. Spektakl powstał na motywach powieści „Samotny mężczyzna” Christophera Isherwooda. Jej głośna ekranizacja w reżyserii Toma Forda przyniosła Colinowi Firthowi główną nagrodę aktorską na Festiwalu Filmowym w Wenecji.
przekład: Jan Zieliński / adaptacja i dramaturgia: Tomasz Śpiewak / reżyseria: Wojtek Rodak / scenografia, kostiumy, światło: Katarzyna Pawelec / muzyka: Teoniki Rożynek / choreografia: Bartłomiej Gąsior / obsada: Piotr Pilitowski, Marcin Mazurek, Małgorzata Kochan, Katarzyna Tlałka, Dorota Goljasz, Alicja Starzyk, Antoni Włosowicz
Spektakl dla Widzów dorosłych.
31. Konfrontacje Teatralne : Smutna rzeka
Kiedy w 2022 r. doszło do katastrofy ekologicznej, podczas której w wyniku zatrucia Odry zginęła większość żyjących w niej ryb, ówczesny komendant główny policji ogłosił, że osoba, która wskaże winnego, otrzyma milion złotych nagrody. Po nagrodę zgłosiliśmy się my – Instytut Prawa Performatywnego. W marcu 2025 r. Sąd Okręgowy w Warszawie zasądził wypłatę na rzecz IPP. Sprawa jest w toku.
„Smutna rzeka” jest połączeniem performansu w wykonaniu aktorki Barbary Wysockiej i muzyka Dominika Strycharskiego z ekscytującym śledztwem, które odsłania przed publicznością brudne związki władzy z biznesem w Polsce, korupcję i brak poszanowania dla środowiska naturalnego jako dobra wspólnego. Kto odpowiada za największą katastrofę ekologiczną ostatnich lat?
Spektakl jest produkcją Centrali we współpracy z Greenpeace Polska i Kancelarią Dubois & Wspólnicy.
reżyseria: Michał Zadara / scenariusz: Maksymilian Nowak, Hanna Stacewicz, Gabriela Tokarska, Barbara Wysocka, Michał Zadara / koordynator projektu: Filip Płuciennik / nagrania dźwięków Odry: Michał Zygmunt / obsada: Dominik Strycharski, Barbara Wysocka
„Smutna rzeka” jest połączeniem performansu w wykonaniu aktorki Barbary Wysockiej i muzyka Dominika Strycharskiego z ekscytującym śledztwem, które odsłania przed publicznością brudne związki władzy z biznesem w Polsce, korupcję i brak poszanowania dla środowiska naturalnego jako dobra wspólnego. Kto odpowiada za największą katastrofę ekologiczną ostatnich lat?
Spektakl jest produkcją Centrali we współpracy z Greenpeace Polska i Kancelarią Dubois & Wspólnicy.
reżyseria: Michał Zadara / scenariusz: Maksymilian Nowak, Hanna Stacewicz, Gabriela Tokarska, Barbara Wysocka, Michał Zadara / koordynator projektu: Filip Płuciennik / nagrania dźwięków Odry: Michał Zygmunt / obsada: Dominik Strycharski, Barbara Wysocka
31. Konfrontacje Teatralne : Strach zżera duszę
Melodramatyczna tragifarsa inspirowana twórczością Rainera Wernera Fassbindera. Spektakl rozgrywa się na tle coraz bardziej skomplikowanej sytuacji społeczno-politycznej i opowiada kameralną historię o samotności, potrzebie bliskości i miłości, która przekracza społeczne granice, uprzedzenia i lęk.
Jędrzej Piaskowski i Hubert Sulima, wielokrotnie nagradzany duet twórczy, przenoszą akcję na współczesny Śląsk. Z charakterystycznym dla siebie humorem, dystansem i wrażliwością analizują aktualne społeczne napięcia i nastroje. Twórcy czerpią z estetyki kampu i karykatury, które pojawiają się w twórczości Fassbindera, by w przewrotny sposób opowiedzieć o walce o niezależność, godność i ukojenie, a zarazem zadać pytania o nasze własne lęki i ich wpływ na relacje z innymi.
W spektaklu wykorzystywane są dym i głośna muzyka. Używane są wulgaryzmy, prezentowana jest nagość.
reżyseria: Jędrzej Piaskowski / tekst i dramaturgia: Hubert Sulima / scenografia: Anna Maria Karczmarska, Mikołaj Małek / kostiumy: Rafał Domagała / światło: Klaudyna Schubert; muzyka: Jacek Sotomski / obsada: Nina Batovska, Dorota Chaniecka, Alina Chechelska, Andrzej Dopierała, Paweł Kruszelnicki, Violetta Smolińska, Kateryna Vasiukova, Maksym Tatarchuk (wideo)
Jędrzej Piaskowski i Hubert Sulima, wielokrotnie nagradzany duet twórczy, przenoszą akcję na współczesny Śląsk. Z charakterystycznym dla siebie humorem, dystansem i wrażliwością analizują aktualne społeczne napięcia i nastroje. Twórcy czerpią z estetyki kampu i karykatury, które pojawiają się w twórczości Fassbindera, by w przewrotny sposób opowiedzieć o walce o niezależność, godność i ukojenie, a zarazem zadać pytania o nasze własne lęki i ich wpływ na relacje z innymi.
W spektaklu wykorzystywane są dym i głośna muzyka. Używane są wulgaryzmy, prezentowana jest nagość.
reżyseria: Jędrzej Piaskowski / tekst i dramaturgia: Hubert Sulima / scenografia: Anna Maria Karczmarska, Mikołaj Małek / kostiumy: Rafał Domagała / światło: Klaudyna Schubert; muzyka: Jacek Sotomski / obsada: Nina Batovska, Dorota Chaniecka, Alina Chechelska, Andrzej Dopierała, Paweł Kruszelnicki, Violetta Smolińska, Kateryna Vasiukova, Maksym Tatarchuk (wideo)
31. Konfrontacje Teatralne : VHS
Opowieść o mężczyźnie, którego perypetie splatają się z przemianami ustrojowymi i gospodarczymi lat 80. i 90. w Polsce. Bohater sztuki postanawia wziąć los w swoje ręce i wpada na pomysł własnego interesu. Zamierza wykorzystać magnetowid ukradziony z transportu towarów wiezionych na Zachód oraz pirackie kasety VHS. Podróżuje po kraju i organizuje w remizach oraz wiejskich domach kultury pokazy zagranicznych filmów. Dla mieszkańców stają się one namiastką Zachodu i symbolem otwierającego się świata, dla bohatera – realizacją własnego „American dream”. Spektakl Sławomira Narlocha, utrzymany w komediowej konwencji, przywołuje klimat transformacji, a jednocześnie przygląda się współczesnemu pragnieniu sukcesu i potrzebie „bycia kimś”.
autor: Marcin Bałczewski / reżyseria: Sławomir Narloch / scenografia i kostiumy: Maks Mac / muzyka: Jakub Gawlik / reżyseria światła: Karolina Gębska / wideo: Sebastian Jasnoch / obsada: Sebastian Jasnoch, Zuzanna Glądys (trąbka)
autor: Marcin Bałczewski / reżyseria: Sławomir Narloch / scenografia i kostiumy: Maks Mac / muzyka: Jakub Gawlik / reżyseria światła: Karolina Gębska / wideo: Sebastian Jasnoch / obsada: Sebastian Jasnoch, Zuzanna Glądys (trąbka)
Asterix i Obeliks. Misja Kleopatra
Piramidalnie śmieszna komedia powraca w nowej wersji odrestaurowanej 4K z oryginalnym, kultowym polskim dubbingiem! Starożytna Aleksandria. Kleopatra (Monica Bellucci) zakłada się z Juliuszem Cezarem, że Egipcjanie w trzy miesiące wybudują mu wielki pałac. Architektem powołanym do tego niemożliwego zadania jest niepozorny Numernabis (Jamel Debbouze) – jeśli zawiedzie, stanie się pożywką dla krokodyli. Pomoc dla budowniczych może nadejść tylko z jednej strony: od mieszającego magiczną miksturę Panoramiksa oraz jego druhów, Asteriksa (Christian Clavier) i Obeliksa (Gérard Depardieu). Czy wspólnie wygrają oni z czasem, złośliwymi przeciwnikami i dumnymi Rzymianami?
Spektakularne tłumaczenie dialogów autorstwa Bartosza Wierzbięty oraz genialne głosy polskich aktorów (m.in. Cezary Pazura i Wiktor Zborowski) sprawiły, że Asterix i Obelix: Misja Kleopatra to film-fenomen, chyba najbardziej dowcipna rozrywka wszech czasów oraz dzieło-mem, do którego nawiązania nie mają końca. Zapraszamy do kin na wakacje all inclusive w starożytnym Egipcie: dla całej rodziny!
Spektakularne tłumaczenie dialogów autorstwa Bartosza Wierzbięty oraz genialne głosy polskich aktorów (m.in. Cezary Pazura i Wiktor Zborowski) sprawiły, że Asterix i Obelix: Misja Kleopatra to film-fenomen, chyba najbardziej dowcipna rozrywka wszech czasów oraz dzieło-mem, do którego nawiązania nie mają końca. Zapraszamy do kin na wakacje all inclusive w starożytnym Egipcie: dla całej rodziny!
Chłopiec na krańcach świata
Omul, jedenastoletni chłopiec mieszkający w nadmorskiej wiosce, potrafi rozmawiać ze zwierzętami, lecz nie umie porozumieć się z własnym bratem. Gdy mityczna morska istota Sadumea wykrada duszę jego młodszej siostry, bracia muszą wyruszyć na niebezpieczną wyprawę na kraniec świata. W towarzystwie psa Teli przemierzają lodowe pustkowia i Archipelag Ognia, mierząc się nie tylko z magią i potworami, ale przede wszystkim z własnymi emocjami.
Chłopiec na krańcach świata to zapierająca dech w piersiach animacja o sile empatii i odwadze, która rodzi się z miłości do najbliższych. Za reżyserię filmu odpowiada duet: Grzegorz Wacławek i Marta Szymańska, którzy połączyli epicki rozmach baśniowej wyprawy z kameralną historią o relacjach rodzinnych, dorastaniu i odpowiedzialności.
Po seansie zapraszamy do Sali Jasnej na warsztaty kreatywne, na których porozmawiamy o emocjach i wykonamy artefakt, który będzie nam przypominał o opiekowaniu się nimi
Chłopiec na krańcach świata to zapierająca dech w piersiach animacja o sile empatii i odwadze, która rodzi się z miłości do najbliższych. Za reżyserię filmu odpowiada duet: Grzegorz Wacławek i Marta Szymańska, którzy połączyli epicki rozmach baśniowej wyprawy z kameralną historią o relacjach rodzinnych, dorastaniu i odpowiedzialności.
Po seansie zapraszamy do Sali Jasnej na warsztaty kreatywne, na których porozmawiamy o emocjach i wykonamy artefakt, który będzie nam przypominał o opiekowaniu się nimi
Ghost in the Shell
Zanim „Matrix” nauczył nas kwestionować rzeczywistość, był „Ghost in the Shell”. Kultowe anime Mamoru Oshii z 1995 roku, oparte na mandze Masamune Shirowa, przenosi widzów do cyberpunkowej przyszłości. To świat spełnionych marzeń o poszerzeniu ludzkich możliwości. Ciała można ulepszać niczym komputerowy hardware, a granica między człowiekiem i maszyną staje się coraz bardziej płynna.
Gdy cyborg Major Motoko Kusanagi z Sekcji 9 rusza tropem hakera znanego jako Władca Marionetek, kryminalna intryga szybko zamienia się w fascynującą opowieść o tożsamości i świadomości. Pojawiają się filozoficzne pytania: co właściwie czyni nas ludźmi? I czy(m) jest „duch w skorupie”?
Gdy cyborg Major Motoko Kusanagi z Sekcji 9 rusza tropem hakera znanego jako Władca Marionetek, kryminalna intryga szybko zamienia się w fascynującą opowieść o tożsamości i świadomości. Pojawiają się filozoficzne pytania: co właściwie czyni nas ludźmi? I czy(m) jest „duch w skorupie”?
Góra mocy
Taranaki to wulkaniczna góra dobrze znana z legend wszystkim mieszkańcom Nowej Zelandii. To właśnie ona staje się celem podróży trójki dzieci, z których każde ma inny powód, aby wejść na jej szczyt. Zmagająca się z nowotworem Sam wierzy w uzdrowicielską siłę góry, Mallory bardzo chciałby znaleźć przyjaciół, a Bronco od zawsze chciał podbić Taranaki, którą jego przodkowie darzą wielkim szacunkiem. Droga nie będzie łatwa – nie dość, że czeka ich starcie z dziką naturą, to paczka podróżników musi także uniknąć poszukujących ich rodziców. Wspólna wędrówka okaże się czymś więcej niż tylko wyprawą pełną przygód. Czy góra da im to, czego naprawdę potrzebują?
Hot Spot
Agnieszka Smoczyńska powraca z nowym filmem do kina gatunkowego z energią, fantazją i bezczelnością, które uczyniły z „Córek dancingu” jeden z najbardziej kultowych polskich debiutów XXI wieku.
„Hot Spot” to futurystyczny thriller science-fiction, którego akcja rozgrywa się w niedalekiej przyszłości, gdzie porządek społeczny wyznacza świadoma sztuczna inteligencja. Prywatny detektyw prowadzi śledztwo w sprawie morderstwa i trafia na grupę rebeliantów zdolnych podważyć władzę cyfrowego systemu. Im głębiej wnika w sprawę, tym bardziej przekonuje się, że w świecie zarządzanym przez algorytmy nic nie jest tym, czym się wydaje.
W międzynarodowej obsadzie „Hot Spot” znaleźli się Andrzej Konopka („LARP. Miłość, trolle i inne questy”, „Córki dancingu”), Noomi Rapace („Dziewczyna z tatuażem”, „Prometeusz”) oraz Reika Kirishima („Drive My Car”, „Norwegian Wood”).
Agnieszka Smoczyńska to jedna z najbardziej oryginalnych reżyserek współczesnego kina europejskiego – twórczyni nagradzanych „Córek dancingu”, „Fugi” i „The Silent Twins”. „Hot Spot” będzie kolejnym efektem współpracy jej nieokiełznanej wyobraźni z wyjątkowym talentem Roberta Bolesty do opowiadania oryginalnych historii. Jego scenariusze m.in. „Ostatniej rodziny”, czy właśnie „Córek dancingu”, należą do najbardziej wyrazistych zjawisk w panoramie współczesnego polskiego kina.
„Hot Spot”, pomimo międzynarodowego charakteru, w większości powstał dzięki pracy w kluczowych pionach produkcji uznanych specjalistów polskiej branży filmowej, którzy odpowiadali za kluczowe piony produkcyjne. Autorem zdjęć jest wieloletni współpracownik reżyserki Jakub Kijowski, montażu – Beata Liszewska, udźwiękowienia – Marcin Lenarczyk. Muzykę skomponowali Marcin Macuk i Zuzanna Wrońska. Efekty specjalne powstały w Polsce pod nadzorem Szymona Kani z PFX. Za warstwę wizualną filmu odpowiadają również Anna Anosowicz i Katarzyna Lewińska, autorki odpowiednio scenografii i kostiumów.
Światowa premiera „Hot Spot” odbyła się na Fantasia International Film Festival w Kanadzie, gdzie film zdobył Specjalne Wyróżnienie Jury. Organizowany od 1996 roku w Montrealu festiwal należy do najważniejszych i najbardziej prestiżowych wydarzeń na świecie poświęconych kinu gatunkowemu, ze szczególnym uwzględnieniem horroru, science fiction i fantasy. To właśnie tutaj swoje filmy prezentowali m.in. Bong Joon-ho, Guillermo del Toro czy Park Chan-wook.
W Polsce „Hot Spot” zawita najpierw na MFF Nowe Horyzonty oraz Festiwal Filmu i Sztuki Dwa Brzegi, a następnie zostanie zaprezentowany w Konkursie Głównym Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni, by trafić do szerokiej dystrybucji kinowej już 25 września.
„Hot Spot” to futurystyczny thriller science-fiction, którego akcja rozgrywa się w niedalekiej przyszłości, gdzie porządek społeczny wyznacza świadoma sztuczna inteligencja. Prywatny detektyw prowadzi śledztwo w sprawie morderstwa i trafia na grupę rebeliantów zdolnych podważyć władzę cyfrowego systemu. Im głębiej wnika w sprawę, tym bardziej przekonuje się, że w świecie zarządzanym przez algorytmy nic nie jest tym, czym się wydaje.
W międzynarodowej obsadzie „Hot Spot” znaleźli się Andrzej Konopka („LARP. Miłość, trolle i inne questy”, „Córki dancingu”), Noomi Rapace („Dziewczyna z tatuażem”, „Prometeusz”) oraz Reika Kirishima („Drive My Car”, „Norwegian Wood”).
Agnieszka Smoczyńska to jedna z najbardziej oryginalnych reżyserek współczesnego kina europejskiego – twórczyni nagradzanych „Córek dancingu”, „Fugi” i „The Silent Twins”. „Hot Spot” będzie kolejnym efektem współpracy jej nieokiełznanej wyobraźni z wyjątkowym talentem Roberta Bolesty do opowiadania oryginalnych historii. Jego scenariusze m.in. „Ostatniej rodziny”, czy właśnie „Córek dancingu”, należą do najbardziej wyrazistych zjawisk w panoramie współczesnego polskiego kina.
„Hot Spot”, pomimo międzynarodowego charakteru, w większości powstał dzięki pracy w kluczowych pionach produkcji uznanych specjalistów polskiej branży filmowej, którzy odpowiadali za kluczowe piony produkcyjne. Autorem zdjęć jest wieloletni współpracownik reżyserki Jakub Kijowski, montażu – Beata Liszewska, udźwiękowienia – Marcin Lenarczyk. Muzykę skomponowali Marcin Macuk i Zuzanna Wrońska. Efekty specjalne powstały w Polsce pod nadzorem Szymona Kani z PFX. Za warstwę wizualną filmu odpowiadają również Anna Anosowicz i Katarzyna Lewińska, autorki odpowiednio scenografii i kostiumów.
Światowa premiera „Hot Spot” odbyła się na Fantasia International Film Festival w Kanadzie, gdzie film zdobył Specjalne Wyróżnienie Jury. Organizowany od 1996 roku w Montrealu festiwal należy do najważniejszych i najbardziej prestiżowych wydarzeń na świecie poświęconych kinu gatunkowemu, ze szczególnym uwzględnieniem horroru, science fiction i fantasy. To właśnie tutaj swoje filmy prezentowali m.in. Bong Joon-ho, Guillermo del Toro czy Park Chan-wook.
W Polsce „Hot Spot” zawita najpierw na MFF Nowe Horyzonty oraz Festiwal Filmu i Sztuki Dwa Brzegi, a następnie zostanie zaprezentowany w Konkursie Głównym Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni, by trafić do szerokiej dystrybucji kinowej już 25 września.
Kandydaci śmierci
Trzech chłopaków wraz z tatą jednego z nich od ponad 15 lat co roku wyjeżdża wspólnie na wakacje, by nakręcić kolejny horror w niezwykłych plenerach i tajemniczych miejscach Polski. Czy ich przyjaźń przetrwa do końca świata?
Kilkanaście lat temu Maciej zabrał swojego syna i dwóch jego kolegów na wakacje, podczas których wspólnie nakręcili horror. Chciał w ten sposób odciągnąć chłopców od komputerów. Nie przypuszczał wtedy, że przerodzi się to w jedną z największych przygód jego życia i że razem stworzą nie tylko unikalną, ale z pewnością jedyną w swoim rodzaju serię horrorów zatytułowaną „Kandydaci Śmierci”. Dziś chłopcy mają prawie 30 lat. Bardzo się zmienili, a każdy z nich szuka własnej drogi. „Kandydaci Śmierci” to zapis ich filmowych przygód na przestrzeni kilkunastu lat. To film o nich samych, o dorastaniu, pytaniach, lękach i marzeniach, a przede wszystkim o potędze wieloletniej przyjaźni.
Kilkanaście lat temu Maciej zabrał swojego syna i dwóch jego kolegów na wakacje, podczas których wspólnie nakręcili horror. Chciał w ten sposób odciągnąć chłopców od komputerów. Nie przypuszczał wtedy, że przerodzi się to w jedną z największych przygód jego życia i że razem stworzą nie tylko unikalną, ale z pewnością jedyną w swoim rodzaju serię horrorów zatytułowaną „Kandydaci Śmierci”. Dziś chłopcy mają prawie 30 lat. Bardzo się zmienili, a każdy z nich szuka własnej drogi. „Kandydaci Śmierci” to zapis ich filmowych przygód na przestrzeni kilkunastu lat. To film o nich samych, o dorastaniu, pytaniach, lękach i marzeniach, a przede wszystkim o potędze wieloletniej przyjaźni.
Katedra
Dla jednych idealista wiedziony żarliwą wiarą, dla innych szaleniec i człowiek grzeszący pychą - 60 lat temu Justo Gallego Martínez rozpoczął wznoszenie katedry w hiszpańskim Mejorada del Campo. Bez uprawnień, projektu i wykształcenia budowlanego. Własnymi środkami i niemal wyłącznie za pomocą własnych rąk. Wielu trudno zrozumieć to przedsięwzięcie – zwłaszcza w wielokulturowym i sekularyzującym się świecie. Z udziałem archiwaliów i współczesnych obserwacji film rejestruje proces powstawania gigantycznej budowli. Co się stanie z niedokończoną katedrą po śmierci jej budowniczego?
Kąpiel w dźwiękach - koncert gongów i mis Rimy Sadurskiej
Zapraszamy na niezwykły koncert gongów i mis śpiewających, który poprowadzi Rima Sadurska.
Kąpiel w dźwiękach jest unikalnym doświadczeniem, podczas którego artystka wykorzystuje harmoniczne wibracje gongów i mis śpiewających do wywołania głębokiego stanu relaksu i medytacji.
Prowadząca: Rima Sadurska – mistrzyni naturopatii, artystka.
Od 2017 roku zajmuje się dźwiękiem i sztuką performatywną, prowadzi kąpiele w dźwiękach oraz śpiewa pieśni tradycyjne. Od 2011 roku praktykuje bioenergoterapię i medytację. Ukończyła studia na kierunku Terapie naturalne oraz liczne szkolenia z zakresu dźwiękoterapii, medytacji, uzdrawiania i pracy z głosem. Jest absolwentką Akademii Praktyk Teatralnych w Gardzienicach oraz studiów podyplomowych Instytutu Sztuki PAN. Prowadzi indywidualną praktykę, wspierając procesy osobistej transformacji oraz oprawę artystyczną uroczystości rodzinnych.
Bilety przedsprzedaż 40 zł ulgowy/50 zł normalny
Bilety w dniu wydarzenia 50 zł ulgowy/60 zł normalny
UWAGA: Prosimy o przyniesienia dla siebie maty, koca i poduszki. Kąpiel w dźwiękach jest wydarzeniem przeznaczonym do odbioru na leżąco, w relaksie z zamkniętymi oczami.
Kąpiel w dźwiękach jest unikalnym doświadczeniem, podczas którego artystka wykorzystuje harmoniczne wibracje gongów i mis śpiewających do wywołania głębokiego stanu relaksu i medytacji.
Prowadząca: Rima Sadurska – mistrzyni naturopatii, artystka.
Od 2017 roku zajmuje się dźwiękiem i sztuką performatywną, prowadzi kąpiele w dźwiękach oraz śpiewa pieśni tradycyjne. Od 2011 roku praktykuje bioenergoterapię i medytację. Ukończyła studia na kierunku Terapie naturalne oraz liczne szkolenia z zakresu dźwiękoterapii, medytacji, uzdrawiania i pracy z głosem. Jest absolwentką Akademii Praktyk Teatralnych w Gardzienicach oraz studiów podyplomowych Instytutu Sztuki PAN. Prowadzi indywidualną praktykę, wspierając procesy osobistej transformacji oraz oprawę artystyczną uroczystości rodzinnych.
Bilety przedsprzedaż 40 zł ulgowy/50 zł normalny
Bilety w dniu wydarzenia 50 zł ulgowy/60 zł normalny
UWAGA: Prosimy o przyniesienia dla siebie maty, koca i poduszki. Kąpiel w dźwiękach jest wydarzeniem przeznaczonym do odbioru na leżąco, w relaksie z zamkniętymi oczami.
Kokuho
Nominowana do Oscara, monumentalna opowieść o poświęceniu, pasji i dążeniu do doskonałości w przepięknej oprawie wizualnej. Wygodne życie nastoletniego syna przywódcy yakuzy kończy się, gdy jego rodzice giną w zamachu. Trafia pod opiekę słynnego aktora (Ken Watanabe, znany z Ostatniego samuraja i Incepcji), który dostrzega jego sceniczny talent. Rozpoczyna się katorżniczy trening i braterska rywalizacja z synem mentora w drodze na szczyt.
Kokuho to przepiękna i wzruszająca historia życia człowieka pochłanianego przez własne ambicje, która zachwyciła miliony widzów na całym świecie. Powalająca pięknem dialogów i krajobrazów podróż przez drugą połowę XX wieku. Film miał premierę na MFF w Cannes, został okrzyknięty japońskim filmem roku, a także wybrany tamtejszym kandydatem do Oscara
Kokuho to przepiękna i wzruszająca historia życia człowieka pochłanianego przez własne ambicje, która zachwyciła miliony widzów na całym świecie. Powalająca pięknem dialogów i krajobrazów podróż przez drugą połowę XX wieku. Film miał premierę na MFF w Cannes, został okrzyknięty japońskim filmem roku, a także wybrany tamtejszym kandydatem do Oscara
Kura
Główną bohaterką nowego filmu węgierskiego reżysera Györgya Pálfiego jest tytułowa kura. Pozornie bezbronne zwierzę ucieka z przemysłowej fermy drobiu w poszukiwaniu bezpiecznego miejsca, by wychować swoje pisklęta.
Trafia do greckiej nadmorskiej wioski, gdzie schwytana zostaje przez właściciela podupadłej restauracji i siłą rzeczy „wchodzi” do ludzkiego świata. Jest uważną obserwatorką zupełnie obcej dla niej rzeczywistości. Staje się też niemym świadkiem ludzkich dramatów, związanych z kryzysem migracyjnym, rodzinnymi konfliktami czy chciwością.
W rolę głównej bohaterki wcieliło się osiem prawdziwych węgierskich kur: Eszti, Szandi, Feri, Enci, Eti, Enikő, Nóra i Anett.
Przyjmując nieoczywistą perspektywę, Pálfi opowiada o uniwersalnych wartościach – wolności, bezpieczeństwie, macierzyństwie – jakich poszukują jak widać nie tylko ludzie. Węgierski reżyser odważnie łączy filmowe gatunki, tworząc historię, która z jednej strony może nas bawić, a z drugiej jest prawdziwie poruszająca.
Trafia do greckiej nadmorskiej wioski, gdzie schwytana zostaje przez właściciela podupadłej restauracji i siłą rzeczy „wchodzi” do ludzkiego świata. Jest uważną obserwatorką zupełnie obcej dla niej rzeczywistości. Staje się też niemym świadkiem ludzkich dramatów, związanych z kryzysem migracyjnym, rodzinnymi konfliktami czy chciwością.
W rolę głównej bohaterki wcieliło się osiem prawdziwych węgierskich kur: Eszti, Szandi, Feri, Enci, Eti, Enikő, Nóra i Anett.
Przyjmując nieoczywistą perspektywę, Pálfi opowiada o uniwersalnych wartościach – wolności, bezpieczeństwie, macierzyństwie – jakich poszukują jak widać nie tylko ludzie. Węgierski reżyser odważnie łączy filmowe gatunki, tworząc historię, która z jednej strony może nas bawić, a z drugiej jest prawdziwie poruszająca.
Lalka
Miłość, która nie zna granic i ambicja, która nie zna ceny. „Lalka” powraca jako wielka filmowa opowieść o pragnieniach, rozczarowaniach i wyborach, które definiują ludzkie życie. Marcin Dorociński, Kamila Urzędowska i Marek Kondrat spotykają się na wielkim ekranie w najbardziej wyczekiwanej premierze roku – epickiej ekranizacji kultowej powieści Bolesława Prusa.
NENE HEROINE
Nene Heroine to polski zespół muzyczny z Gdańska, który wyróżnia się unikalnym brzmieniem, łączącym jazz, rock psychodeliczny, dub i post-rock. Ich muzyka to połączenie analogowych brzmień, improwizacji i komunikatywnych, emocjonalnych melodii, tworząc niepowtarzalny klimat.
Zespół znany jest z energetycznych występów na żywo, które przyciągają szeroką publiczność. Ich uwaga zawsze koncentruje się na „tu i teraz”, co sprawia, że ich muzyka nigdy nie przestaje zaskakiwać, a każdy koncert to niepowtarzalne przeżycie. Nene Heroine to zespół, który nieustannie poszukuje nowych inspiracji i dąży do muzycznej doskonałości, zyskując coraz większe uznanie zarówno w Polsce, jak i za granicą.
Zespół znany jest z energetycznych występów na żywo, które przyciągają szeroką publiczność. Ich uwaga zawsze koncentruje się na „tu i teraz”, co sprawia, że ich muzyka nigdy nie przestaje zaskakiwać, a każdy koncert to niepowtarzalne przeżycie. Nene Heroine to zespół, który nieustannie poszukuje nowych inspiracji i dąży do muzycznej doskonałości, zyskując coraz większe uznanie zarówno w Polsce, jak i za granicą.
Niebo nad Normandią
Trzymający w napięciu film oparty na prawdziwych, nieopowiedzianych dotąd kulisach desantu wojsk alianckich w Normandii w 1944 roku. „Niebo nad Normandią” to opowieść o odpowiedzialności i o tym, jak jeden człowiek może wpłynąć na bieg historii. 72 godziny przed lądowaniem w Normandii, losy świata mają zależeć od… pogody. Wojna to nie tylko bitwy, to w szczególności strategie i decyzje, których skutki odczuć mogą miliony.
Pracujący dla brytyjskiej armii meteorolog James Stagg (Andrew Scott) musi podjąć najważniejszą decyzję w swojej karierze – prognoza, którą przedstawi, może przesądzić o sukcesie lub klęsce największej operacji wojskowej w historii. Zamknięty w atmosferze nieufności i presji ze strony najwyższych dowódców, Stagg toczy psychologiczną walkę z czasem, wspierany jedynie przez kapitan Kay Summersby (Kerry Condon). Nad wszystkim czuwa generał Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser), który musi zdecydować czy ruszyć z inwazją, czy ją opóźnić – ryzykując, że Niemcy odkryją plany aliantów.
Pracujący dla brytyjskiej armii meteorolog James Stagg (Andrew Scott) musi podjąć najważniejszą decyzję w swojej karierze – prognoza, którą przedstawi, może przesądzić o sukcesie lub klęsce największej operacji wojskowej w historii. Zamknięty w atmosferze nieufności i presji ze strony najwyższych dowódców, Stagg toczy psychologiczną walkę z czasem, wspierany jedynie przez kapitan Kay Summersby (Kerry Condon). Nad wszystkim czuwa generał Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser), który musi zdecydować czy ruszyć z inwazją, czy ją opóźnić – ryzykując, że Niemcy odkryją plany aliantów.
Niskobudżetowa Komedia Kryminalna
Na początku była zbrodnia... Ale kto kogo ten teges, to już wyniknie ze spektaklu Sceny Komedii!
Dwaj zupełnie różni detektywi, reprezentujący nie tylko inne pokolenia, ale także inny rodzaj pracy,
mówienia, podejścia do życia – spotykają się na miejscu zbrodni. Ewidentnie doszło tu do zabójstwa. Ale
żeby rozwiązać tę zagadkę, muszą przesłuchać dziwacznych świadków, podążyć tropem idiotycznych
dowodów, odróżnić prawdziwe i fałszywe poszlaki, a czasem wystąpić w konkursie tańca.
Nowa produkcja grupy Oł Maj Gad pod szyldem Sceny Komedii i Teatru Centralnego, przygotowana w
Centrum Kultury w Lublinie to pełna czarnego humoru, lekka komedia kryminalna, która nawiązuje do
kultowych filmów kina akcji, znanych dialogów, pokazująca most (a może właśnie przepaść) między
pokoleniami, które się śmieją – tylko czy z tego samego?
Scenariusz spektaklu powstał w oparciu o warsztaty teatru słowa i technik storytellingu z młodzieżą i
millenialsami. Zapraszamy na naszą niskobudżetową komedię kryminalną.
Projekt finansowany ze środków Unii Europejskiej NextGenerationEU w ramach Krajowego Planu
Odbudowy – KPO dla Kultury
Stopka z obsadą/skład zespołu:
Pomysł i reżyseria i wykonanie: Grupa Oł Maj Gad (Magdalena Stec, Przemysław Buksiński, Dariusz Jeż, Wojtek Kaproń,Paweł Ferens)
Scenariusz: Magdalena Stec
Muzyka: Karolina Hordyjewicz
Dwaj zupełnie różni detektywi, reprezentujący nie tylko inne pokolenia, ale także inny rodzaj pracy,
mówienia, podejścia do życia – spotykają się na miejscu zbrodni. Ewidentnie doszło tu do zabójstwa. Ale
żeby rozwiązać tę zagadkę, muszą przesłuchać dziwacznych świadków, podążyć tropem idiotycznych
dowodów, odróżnić prawdziwe i fałszywe poszlaki, a czasem wystąpić w konkursie tańca.
Nowa produkcja grupy Oł Maj Gad pod szyldem Sceny Komedii i Teatru Centralnego, przygotowana w
Centrum Kultury w Lublinie to pełna czarnego humoru, lekka komedia kryminalna, która nawiązuje do
kultowych filmów kina akcji, znanych dialogów, pokazująca most (a może właśnie przepaść) między
pokoleniami, które się śmieją – tylko czy z tego samego?
Scenariusz spektaklu powstał w oparciu o warsztaty teatru słowa i technik storytellingu z młodzieżą i
millenialsami. Zapraszamy na naszą niskobudżetową komedię kryminalną.
Projekt finansowany ze środków Unii Europejskiej NextGenerationEU w ramach Krajowego Planu
Odbudowy – KPO dla Kultury
Stopka z obsadą/skład zespołu:
Pomysł i reżyseria i wykonanie: Grupa Oł Maj Gad (Magdalena Stec, Przemysław Buksiński, Dariusz Jeż, Wojtek Kaproń,Paweł Ferens)
Scenariusz: Magdalena Stec
Muzyka: Karolina Hordyjewicz
Powiedz mi, co czujesz
„Powiedz mi, co czujesz” to subtelna opowieść o miłości dwojga młodych artystów, dla których pierwszy poważny związek w dorosłym życiu staje się lustrem ich dawnych doświadczeń i blizn. W rolach głównych występują obiecujący aktorzy młodego pokolenia: Jan Sałasiński, Izabella Dudziak oraz Sebastian Dela. Film jest inspirowany życiem i twórczością Patryka Różyckiego oraz Karoliny Balcer i projektem artystycznym „Skup Łez” Alicji Rogalskiej i Łukasza Surowca. Bohaterowie mają po dwadzieścia lat. Ona tworzy nietypowy projekt SKUP ŁEZ, w którym płaci ludziom za ich… łzy. On - początkujący artysta - nie potrafi płakać. Ich uczucie rozwija się intensywnie i szybko, otwierając drogę do głębokiej przemiany, która okaże się jednym z najważniejszych doświadczeń w ich życiu. „Powiedz mi, co czujesz” to poruszająca historia o intymnej bliskości i miłości, która potrafi być najlepszym terapeutą.
Proces
Józef K. (w tej roli znany z “Psychozy” Anthony Perkins) to przeciętny, niewyróżniający się niczym urzędnik. Jego uporządkowane życie zaczyna się rozpadać, gdy pewnego ranka zastaje w swoim pokoju tajemniczych nieznajomych. Mężczyźni oświadczają, że został aresztowany. Tak rozpoczyna się duszny, surrealistyczny proces, w którym bohater nie poznaje nawet natury stawianych mu zarzutów…
W momencie premiery zrealizowany przez Orsona Wellesa „Proces” podzielił publiczność i krytyków. Jedni zarzucali reżyserowi zbyt śmiałe odejście od literackiego pierwowzoru, inni właśnie w tym upatrywali największy atut tej hipnotyzującej wizji. Sam Welles podkreślał w wywiadach: „To nie tyle adaptacja, ile film inspirowany książką, w której moim współpracownikiem i partnerem jest Franz Kafka”.
Obok Perkinsa na ekranie błyszczą ikony światowego kina: Jeanne Moreau, Romy Schneider oraz sam Orson Welles w roli demonicznego i wszechwładnego adwokata.
Film nigdy nie był szeroko rozpowszechniany w polskich i dopiero teraz, po 64 latach od premiery światowej, odbędzie się jego polska premiera.
W momencie premiery zrealizowany przez Orsona Wellesa „Proces” podzielił publiczność i krytyków. Jedni zarzucali reżyserowi zbyt śmiałe odejście od literackiego pierwowzoru, inni właśnie w tym upatrywali największy atut tej hipnotyzującej wizji. Sam Welles podkreślał w wywiadach: „To nie tyle adaptacja, ile film inspirowany książką, w której moim współpracownikiem i partnerem jest Franz Kafka”.
Obok Perkinsa na ekranie błyszczą ikony światowego kina: Jeanne Moreau, Romy Schneider oraz sam Orson Welles w roli demonicznego i wszechwładnego adwokata.
Film nigdy nie był szeroko rozpowszechniany w polskich i dopiero teraz, po 64 latach od premiery światowej, odbędzie się jego polska premiera.
Pucio kocha zwierzaki
Pucio wraca do kin! Tym razem obok rodziny Pucia w ważnych rolach wystąpią pies Funio, kot Mimi oraz cała ferajna zwierzaków. Przygotujcie się na mnóstwo śmiechu, wakacyjnych przygód i rodzinnych wzruszeń!
U Pucia jak zwykle dużo się dzieje. Spędza wakacje u dziadków na wsi i sadzi swoje pierwsze drzewo, a podczas spaceru w parku rusza z Misią na misję ratunkową, by odnaleźć psa sąsiada. Kiedy ich własny, ukochany Funio gorzej się czuje, rodzeństwo robi, co w ich mocy, by poprawić mu humor. Wygląda jednak na to, że czas odwiedzić weterynarza! Emocji nie zabraknie również w przedszkolu: Pucio pomoże nowej koleżance Malinie odnaleźć się w grupie i razem z kolegami odkryje, że nie trzeba tańczyć idealnie – liczy się wyobraźnia i radość z bycia razem.
U Pucia jak zwykle dużo się dzieje. Spędza wakacje u dziadków na wsi i sadzi swoje pierwsze drzewo, a podczas spaceru w parku rusza z Misią na misję ratunkową, by odnaleźć psa sąsiada. Kiedy ich własny, ukochany Funio gorzej się czuje, rodzeństwo robi, co w ich mocy, by poprawić mu humor. Wygląda jednak na to, że czas odwiedzić weterynarza! Emocji nie zabraknie również w przedszkolu: Pucio pomoże nowej koleżance Malinie odnaleźć się w grupie i razem z kolegami odkryje, że nie trzeba tańczyć idealnie – liczy się wyobraźnia i radość z bycia razem.
Wielki Łuk
Poruszająca i pełna humoru prawdziwa historia monumentalnych ambicji oraz ponadczasowego dziedzictwa z gwiazdorską obsadą. W 1982 roku prezydent Francji Francois Mitterrand zaszokował świat podczas ogłaszania wyników największego konkursu architektonicznego ostatnich dekad – na projekt „nowego Łuku Triumfalnego”, symbolu postępu, braterstwa i rodzącej się ery pokoju. Zamiast wielkich korporacji czy uznanych nazwisk wybrał projekt anonimowego Duńczyka w średnim wieku – Johanna Otto von Spreckelsena, który od zgiełku wielkiego miasta zawsze wolał w spokoju łowić ryby.
Teraz skromny wykładowca, autor ledwie kilku kościołów, na oczach całego świata będzie wykuwał swoje magnum opus. Na jego drodze stanie jednak nie tylko własna bezkompromisowość i perfekcjonizm, ale także polityczne naciski i biurokratyczna machina.
W obsadzie m.in. jedyny w swoim rodzaju Xavier Dolan, magnetyczny Swann Arlaud (adwokat z „Anatomii upadku”) i wybuchowy Claes Bang („The Square”). Obraz jest ekranizacją głośnej książki Laurence Cossé pod tym samym tytułem.
Teraz skromny wykładowca, autor ledwie kilku kościołów, na oczach całego świata będzie wykuwał swoje magnum opus. Na jego drodze stanie jednak nie tylko własna bezkompromisowość i perfekcjonizm, ale także polityczne naciski i biurokratyczna machina.
W obsadzie m.in. jedyny w swoim rodzaju Xavier Dolan, magnetyczny Swann Arlaud (adwokat z „Anatomii upadku”) i wybuchowy Claes Bang („The Square”). Obraz jest ekranizacją głośnej książki Laurence Cossé pod tym samym tytułem.
Zmartwychwstanie
Specjalna Nagroda Jury na festiwalu w Cannes. Najnowszy film Bi Gana, reżysera pamiętnej Długiej podróży dnia ku nocy, to kino totalne – wirtuozerska formalnie oda do medium filmowego, film-odyseja, film-sen, którego poszczególne segmenty odnoszą się do ludzkich zmysłów. Kino według chińskiego reżysera jest w stanie działać na każdy z nich – zachwycając i porażając. Wizja Bi Gana to futurystyczna dystopia, w której nie potrafić śnić to być nieśmiertelnym, a ci, którzy śnią (śnią kino!), są Deliriantami skazanymi na wieczną, oniryczną tułaczkę. Epicki, formalnie mistrzowski obraz zabiera nas w pięć niezwykłych podróży po historii X muzy – od ekspresjonistycznego kina niemego, przez osadzony w czasie wojny noir, buddyjską przypowieść, neorealistyczny heist movie, po milenijną, wampiryczną love story. To kino wolne, hipnotyzujące, zachwycające – popis czystej wyobraźni.