29.MSTT: A dance for washing mashine and a mother
„A dance for washing mashine and a mother”
Tańczę dla pralki i dla Ciebie, bo nie pamiętam żadnej z naszych rozmów. Nawet nie wiem, czy w ogóle jakieś były. Ludzie mówią, że mnie kochałaś. Ale ja nie pamiętam – ani bycia z tobą, ani twojego głosu, ani twojego dotyku. Mam tylko stare zdjęcia. Patrzę na nie, widzę twoją smutną twarz i wracam do jedynego wspomnienia z tobą. I zaczynam się bać, bo może nawet to, co pamiętam, nigdy się nie wydarzyło. Dlatego tańczę. Tańczę dla Ciebie. Bo nigdy już nie porozmawiamy, ale może jeszcze możemy razem zatańczyć.
„Jakie jest twoje pierwsze wspomnienie o matce?” – takie banalne pytanie, a dla niektórych zupełnie obce. W świecie, w którym matki są albo boginiami, albo potworami z piekła rodem, brak jakiegokolwiek obrazu matki wydaje się nie do pomyślenia. Jak złożyć ten portret? Czy w ogóle trzeba? Jak żyć bez żadnego wyobrażenia o własnej matce?
W 2018 roku Greta Grinevičiūtė rozpoczęła pracę nad tryptykiem od spektaklu „Taniec dla odkurzacza i ojca”. Teraz prezentuje jego drugą część, w której kontynuuje analizę więzi rodzinnych. Jej współpraca z twórcą tańca współczesnego, performerem i wykładowcą Andriusem Katinasem, który w spektaklu pojawia się na nagraniach wideo lub jako głos w rozmowie telefonicznej, nie tylko podtrzymała ideę spektaklu przy życiu, ale nadała jej nową formę, która koresponduje również z relacją Grety z ojcem.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Tańczę dla pralki i dla Ciebie, bo nie pamiętam żadnej z naszych rozmów. Nawet nie wiem, czy w ogóle jakieś były. Ludzie mówią, że mnie kochałaś. Ale ja nie pamiętam – ani bycia z tobą, ani twojego głosu, ani twojego dotyku. Mam tylko stare zdjęcia. Patrzę na nie, widzę twoją smutną twarz i wracam do jedynego wspomnienia z tobą. I zaczynam się bać, bo może nawet to, co pamiętam, nigdy się nie wydarzyło. Dlatego tańczę. Tańczę dla Ciebie. Bo nigdy już nie porozmawiamy, ale może jeszcze możemy razem zatańczyć.
„Jakie jest twoje pierwsze wspomnienie o matce?” – takie banalne pytanie, a dla niektórych zupełnie obce. W świecie, w którym matki są albo boginiami, albo potworami z piekła rodem, brak jakiegokolwiek obrazu matki wydaje się nie do pomyślenia. Jak złożyć ten portret? Czy w ogóle trzeba? Jak żyć bez żadnego wyobrażenia o własnej matce?
W 2018 roku Greta Grinevičiūtė rozpoczęła pracę nad tryptykiem od spektaklu „Taniec dla odkurzacza i ojca”. Teraz prezentuje jego drugą część, w której kontynuuje analizę więzi rodzinnych. Jej współpraca z twórcą tańca współczesnego, performerem i wykładowcą Andriusem Katinasem, który w spektaklu pojawia się na nagraniach wideo lub jako głos w rozmowie telefonicznej, nie tylko podtrzymała ideę spektaklu przy życiu, ale nadała jej nową formę, która koresponduje również z relacją Grety z ojcem.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: After All
„After All” to spektakl o śmierci. To celebracja naszej kruchej i odważnej egzystencji, która – za pomocą tańca, teatru, opowieści i komedii – zadaje pytanie: jak radzimy sobie z końcem?
Badając różne obrzędy żałobne – te, które praktykujemy, te, które utraciliśmy, i te, które dopiero powstaną – choreografka Solène Weinachter mierzy się wprost z naszym przejściem między światami. „After All” to pełna nadziei próba przywołania lepszej przestrzeni do bycia ze stratą i wspólnego namysłu nad skończonością naszego życia.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 65 min
Badając różne obrzędy żałobne – te, które praktykujemy, te, które utraciliśmy, i te, które dopiero powstaną – choreografka Solène Weinachter mierzy się wprost z naszym przejściem między światami. „After All” to pełna nadziei próba przywołania lepszej przestrzeni do bycia ze stratą i wspólnego namysłu nad skończonością naszego życia.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 65 min
29.MSTT: Akana Sweet Banana
„Akanana, Sweet Banana” to autobiograficzny spektakl, w którym artystka mierzy się z dorastaniem w środowisku wielokulturowym – między różnymi ludźmi, miejscami i instytucjami. To podróż w stronę samopoznania i akceptacji. Na scenie artystka wciela się w postaci, które ją ukształtowały – i przygląda temu, co w niej poruszyły.
Spektakl czerpie z jej korzeni w stylach street dance i technice whacking – część wystąpienia powstaje w pełni improwizacyjnie.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Spektakl czerpie z jej korzeni w stylach street dance i technice whacking – część wystąpienia powstaje w pełni improwizacyjnie.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: Dance Makes the Floor
Jeśli parkiet płonie — czym go podsycić? Trzy osoby performujące pracują z interaktywną oprawą dźwiękową, która uruchamia muzykę tylko wtedy, gdy parkiet jest w ruchu. To zapraszający do zabawy performans, w którym publiczność może najpierw się przyglądać, a potem dołączyć do tworzenia – „dokładając do ognia” własne ciała i taneczne ruchy. Powstał we współpracy z artystą audiowizualnym Cameronem Howardem: kamera internetowa łączy ruch na żywo z prędkością muzyki. Osoby performujące skaczą, kołyszą się i roztańczają podłogę aż do czerwoności, aż leje się pot. Ten projekt to nieustannie pisany list miłosny do tańca społecznego, do wspólnot i do mocy tańca, która potrafi tworzyć przestrzeń.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: EXIST & EXIT
Tytułowa gra słów EXIST & EXIT ma skłaniać do zastanowienia się nad tym, jak powstaje historia, co istnieje w rzeczywistości, a co jest tylko iluzją… Czy kultura i sztuka przyczyniają się do rozwoju społeczeństwa, czy też są w stanie niszczyć jako narzędzia propagandy?
Żyjemy w czasach, w których tworzone mity o wielkości narodu i kultury zderzają się z prawdziwymi wartościami ludzkiego życia i wolności. Czy kultura jest w stanie przełamać impas i pomóc przezwyciężyć kryzys?
Spektakl EXI(S)T jest oparty na prawdziwych wydarzeniach z życia jednej rodziny, ale takich historii w Ukrainie są dziesiątki tysięcy. To historia pełna bólu, ale też siły, pewności siebie i miłości.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 40 min
Żyjemy w czasach, w których tworzone mity o wielkości narodu i kultury zderzają się z prawdziwymi wartościami ludzkiego życia i wolności. Czy kultura jest w stanie przełamać impas i pomóc przezwyciężyć kryzys?
Spektakl EXI(S)T jest oparty na prawdziwych wydarzeniach z życia jednej rodziny, ale takich historii w Ukrainie są dziesiątki tysięcy. To historia pełna bólu, ale też siły, pewności siebie i miłości.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 40 min
29.MSTT: Gush is great
W zawieszeniu, po cichu, przesuwa się niewidzialna linia frontu, rysując dystopijny krajobraz. Przedmioty znikają niemal niepostrzeżenie – zostają po nas tylko ślady, jak relikty obecności. To oda do powolności i prostoty, odpowiedź na lęki pokoleniowe. Powolność staje się tu wyborem – niemal gestem politycznym: próbą rozciągnięcia czasu, sprzeciwu wobec pośpiechu regulującego nasze relacje z rzeczami i ludźmi, a także ćwiczeniem oszczędności środków – tak, by ruch był pełny, prosty, pozbawiony patosu. Utwór dotyka zasadniczej tragedii naszego wieku: powietrza, które wrze.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: Młoda Generacja
Czas trwania: 60 min
Julia Buczynska
Sometimes I Hear My Voice
kreacja i wykonanie: Julia Buczynska
choreografia: Ola Komarnicka i Julia Buczynska
muzyka: Ryoji Ikeda „Luxus 1-3”; Tori Amos „Silent All This Years”
czas trwania: 6 min
But what if I'm a mermaid
In these jeans of his with her name still on it?
Hey, but I don't care
'Cause sometimes
I said sometimes
I hear my voice
And it's been
Here
Silent all these years
„Sometimes I Hear My Voice” to ruchowa próba wyzwolenia kobiecego ciała z kategorii estetycznych, kontekstów narracyjnych i legislacyjnych narzucanych przez męskie spojrzenie – wciąż dominujące w sztukach plastycznych, kulturze, popkulturze i życiu społecznym. To również osobista opowieść o walce o prawo do sprawczości oraz akceptacji i miłości do własnego ciała, bez względu na stopień sprawności i walory wizualne.
Maja Bilek
Fig Tree
muzyka: Philip Glass „Etude No.2”, Etta James „My Heart Cries”
czas trwania: 8 min
Wyobrażałam sobie, że siedzę na tym drzewie i umieram z głodu, ponieważ nie mogę w żaden sposób zdecydować się na to, którą figę zerwać. Miałam ochotę na wszystkie, na absolutnie każdą z tych fig z osobna, ale zerwanie jednej oznaczało automatycznie rezygnację z pozostałych, więc siedziałam, aż figi zaczęły się marszczyć, czernieć i jedna za drugą spadały na ziemię.
Sylwia Plath „Szklany Klosz”
Wewnętrzne zmagania… Stoję przed presją podejmowania kluczowych decyzji życiowych. Poszukuję odpowiedzi na pytania, balansując pomiędzy różnymi możliwymi ścieżkami, które mogłabym obrać. Staję naprzeciw własnej opowieści…
Maja Strokoń
(un)controlled flow
choreografia i taniec: Maja Strokoń
czas trwania: 2 min
„(un)controlled flow” to podróż przez momenty, w których ruch balansuje na granicy improwizacji i precyzji, instynktu i świadomej decyzji. Swoboda splata się z formą w nieustannym przepływie.
Ciało porusza się jak rzeka – chwilami płynie spokojnie i łagodnie, a zaraz potem porywa je rwący nurt emocji. Przepływ ruchu jest świadomą decyzją, ale ciało ulega siłom grawitacji, rytmowi oddechu i emocjom.
Marina Sato
Escape room
czas trwania: 2 min
Inspiracją do stworzenia tej choreografii była seria filmów o tym samym tytule. Głównym założeniem jest dotarcie do celu poprzez pokonanie przeszkód, znajdujących się w poszczególnych pokojach. Podążając za tą myślą, żaden ruch nie jest przypadkowy i jest odzwierciedleniem elementu gry.
Sebastian Olczyk
Samiec Gamma
wykonanie: Sebastian Olczyk
choreografia: Izabela Zawadzka
muzyka: Kompromat
czas trwania: 1 min 49 sek.
Choreograficzny portret męskości niehierarchicznej. Postać outsidera, który wymyka się regułom gry i balansuje na krawędzi – zawieszony między sprzeciwem a pragnieniem – otwiera przestrzeń dla innego sposobu bycia. Ciało nie szuka tu dominacji, lecz wolności – ruch staje się sprzeciwem wobec schematów i opowieścią o sile rodzącej się z inności.
Oskar Kusiołek, Karolina Klasa, Nicola Gremplica
Nikt znikąd
czas trwania: 8 min 38 sek
Obraz przedstawiający historię trojga ludzi, którzy szukają prawdy o samych sobie we współczesnym świecie. Łączy ich wspólny cel, ale każdy z nich chce go osiągnąć w inny sposób. To moment, w którym zachodzi potrzeba zaufania pozostałym. Muszą nauczyć się współpracować i wspierać się nawzajem. „Nikt” czyli wizerunek człowieka, który nie znaczy nic dla społeczeństwa jako indywidualna jednostka. Dopiero w momencie nawiązania współpracy z innymi odkrywa tak naprawdę, kim jest.
Teatr Tańca Zmysł
Utkane (fragment spektaklu)
wykonanie: tancerki Teatru Tańca Zmysł
reżyseria i choreografia: Adrianna Sawczak
muzyka: Michał Nazimek i muzycy
czas trwania: 13 min
Człowiek zawsze pozostaje w relacji – z kimś, do czegoś. Uwikłany w sieci więzi: jednych luźnych, innych nierozerwalnych; jednych bolesnych, innych kruchych. W jego życiu wciąż przeplatają się inni ludzie – czasem przypadkiem, czasem z pełnym zamiarem.
Solo na strunie
Zuzanna Fit
czas trwania: 2 min
Ciało tancerza – jest jak instrument: codziennie nastrajane, szarpane, poddawane wibracjom, uderzeniom, nagłym uniesieniom i zmianom nastroju. Jeśli chcesz zobaczyć muzykę – popatrz na taniec.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Julia Buczynska
Sometimes I Hear My Voice
kreacja i wykonanie: Julia Buczynska
choreografia: Ola Komarnicka i Julia Buczynska
muzyka: Ryoji Ikeda „Luxus 1-3”; Tori Amos „Silent All This Years”
czas trwania: 6 min
But what if I'm a mermaid
In these jeans of his with her name still on it?
Hey, but I don't care
'Cause sometimes
I said sometimes
I hear my voice
And it's been
Here
Silent all these years
„Sometimes I Hear My Voice” to ruchowa próba wyzwolenia kobiecego ciała z kategorii estetycznych, kontekstów narracyjnych i legislacyjnych narzucanych przez męskie spojrzenie – wciąż dominujące w sztukach plastycznych, kulturze, popkulturze i życiu społecznym. To również osobista opowieść o walce o prawo do sprawczości oraz akceptacji i miłości do własnego ciała, bez względu na stopień sprawności i walory wizualne.
Maja Bilek
Fig Tree
muzyka: Philip Glass „Etude No.2”, Etta James „My Heart Cries”
czas trwania: 8 min
Wyobrażałam sobie, że siedzę na tym drzewie i umieram z głodu, ponieważ nie mogę w żaden sposób zdecydować się na to, którą figę zerwać. Miałam ochotę na wszystkie, na absolutnie każdą z tych fig z osobna, ale zerwanie jednej oznaczało automatycznie rezygnację z pozostałych, więc siedziałam, aż figi zaczęły się marszczyć, czernieć i jedna za drugą spadały na ziemię.
Sylwia Plath „Szklany Klosz”
Wewnętrzne zmagania… Stoję przed presją podejmowania kluczowych decyzji życiowych. Poszukuję odpowiedzi na pytania, balansując pomiędzy różnymi możliwymi ścieżkami, które mogłabym obrać. Staję naprzeciw własnej opowieści…
Maja Strokoń
(un)controlled flow
choreografia i taniec: Maja Strokoń
czas trwania: 2 min
„(un)controlled flow” to podróż przez momenty, w których ruch balansuje na granicy improwizacji i precyzji, instynktu i świadomej decyzji. Swoboda splata się z formą w nieustannym przepływie.
Ciało porusza się jak rzeka – chwilami płynie spokojnie i łagodnie, a zaraz potem porywa je rwący nurt emocji. Przepływ ruchu jest świadomą decyzją, ale ciało ulega siłom grawitacji, rytmowi oddechu i emocjom.
Marina Sato
Escape room
czas trwania: 2 min
Inspiracją do stworzenia tej choreografii była seria filmów o tym samym tytule. Głównym założeniem jest dotarcie do celu poprzez pokonanie przeszkód, znajdujących się w poszczególnych pokojach. Podążając za tą myślą, żaden ruch nie jest przypadkowy i jest odzwierciedleniem elementu gry.
Sebastian Olczyk
Samiec Gamma
wykonanie: Sebastian Olczyk
choreografia: Izabela Zawadzka
muzyka: Kompromat
czas trwania: 1 min 49 sek.
Choreograficzny portret męskości niehierarchicznej. Postać outsidera, który wymyka się regułom gry i balansuje na krawędzi – zawieszony między sprzeciwem a pragnieniem – otwiera przestrzeń dla innego sposobu bycia. Ciało nie szuka tu dominacji, lecz wolności – ruch staje się sprzeciwem wobec schematów i opowieścią o sile rodzącej się z inności.
Oskar Kusiołek, Karolina Klasa, Nicola Gremplica
Nikt znikąd
czas trwania: 8 min 38 sek
Obraz przedstawiający historię trojga ludzi, którzy szukają prawdy o samych sobie we współczesnym świecie. Łączy ich wspólny cel, ale każdy z nich chce go osiągnąć w inny sposób. To moment, w którym zachodzi potrzeba zaufania pozostałym. Muszą nauczyć się współpracować i wspierać się nawzajem. „Nikt” czyli wizerunek człowieka, który nie znaczy nic dla społeczeństwa jako indywidualna jednostka. Dopiero w momencie nawiązania współpracy z innymi odkrywa tak naprawdę, kim jest.
Teatr Tańca Zmysł
Utkane (fragment spektaklu)
wykonanie: tancerki Teatru Tańca Zmysł
reżyseria i choreografia: Adrianna Sawczak
muzyka: Michał Nazimek i muzycy
czas trwania: 13 min
Człowiek zawsze pozostaje w relacji – z kimś, do czegoś. Uwikłany w sieci więzi: jednych luźnych, innych nierozerwalnych; jednych bolesnych, innych kruchych. W jego życiu wciąż przeplatają się inni ludzie – czasem przypadkiem, czasem z pełnym zamiarem.
Solo na strunie
Zuzanna Fit
czas trwania: 2 min
Ciało tancerza – jest jak instrument: codziennie nastrajane, szarpane, poddawane wibracjom, uderzeniom, nagłym uniesieniom i zmianom nastroju. Jeśli chcesz zobaczyć muzykę – popatrz na taniec.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: Moving Cloud & The Flock
„Moving Cloud & The Flock”
Sztandarowy szkocki zespół tańca współczesnego – Scottish Dance Theatre – rozpali scenę dwoma ze swoich najodważniejszych i najbardziej dynamicznych spektakli. W „The Flock” tancerki i tancerze wyruszają w akrobatyczną podróż inspirowaną epicką migracją ptaków. W „Moving Cloud” taniec współczesny zderza się z tradycyjną muzyką celtycką – w potężnej, radosnej fuzji.
„The Flock” w choreografii Roser López Espinosy miało brytyjską premierę w 2023 roku na scenie Dundee Rep, ukazując fascynację ptasimi migracjami. To przygoda wspólnego ruchu i wspólnego celu: lot przez bezkresne krajobrazy, przez rozległe niebo. Ta hipnotyzująca podróż przywraca nas zwierzęcej naturze ciała – wysiłkowi, wytrwałości, odporności, pracy zespołowej, pięknu i duchowi wolności.
„Moving Cloud” to ekscytujące spotkanie współczesnego tańca i tradycyjnej muzyki. Nowej choreografii autorstwa uznanej na całym świecie choreografki Sofii Nappi towarzyszy zachwycająca ścieżka dźwiękowa składająca się z ludowej muzyki szkockiej, skomponowanej przez TRIP, LYRE LYRE, Cormaca Byrne'a, Grega Lawsona, Charliego Stewarta i Innesa White'a.
Czas trwania: 80 min z przerwą
Bilety w cenie:
I kategoria 120 zł
II kategoria 100 zł /
bilety z Kartą Taniec to My - 20% zniżki od każdej kategorii (96 zł/ 80 zł) - rezerwacja i zakup tylko w kasie CK
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Sztandarowy szkocki zespół tańca współczesnego – Scottish Dance Theatre – rozpali scenę dwoma ze swoich najodważniejszych i najbardziej dynamicznych spektakli. W „The Flock” tancerki i tancerze wyruszają w akrobatyczną podróż inspirowaną epicką migracją ptaków. W „Moving Cloud” taniec współczesny zderza się z tradycyjną muzyką celtycką – w potężnej, radosnej fuzji.
„The Flock” w choreografii Roser López Espinosy miało brytyjską premierę w 2023 roku na scenie Dundee Rep, ukazując fascynację ptasimi migracjami. To przygoda wspólnego ruchu i wspólnego celu: lot przez bezkresne krajobrazy, przez rozległe niebo. Ta hipnotyzująca podróż przywraca nas zwierzęcej naturze ciała – wysiłkowi, wytrwałości, odporności, pracy zespołowej, pięknu i duchowi wolności.
„Moving Cloud” to ekscytujące spotkanie współczesnego tańca i tradycyjnej muzyki. Nowej choreografii autorstwa uznanej na całym świecie choreografki Sofii Nappi towarzyszy zachwycająca ścieżka dźwiękowa składająca się z ludowej muzyki szkockiej, skomponowanej przez TRIP, LYRE LYRE, Cormaca Byrne'a, Grega Lawsona, Charliego Stewarta i Innesa White'a.
Czas trwania: 80 min z przerwą
Bilety w cenie:
I kategoria 120 zł
II kategoria 100 zł /
bilety z Kartą Taniec to My - 20% zniżki od każdej kategorii (96 zł/ 80 zł) - rezerwacja i zakup tylko w kasie CK
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: reality warping
„reality warping” to najnowsze dzieło Jasmine Ellis, którego premiera odbyła się w czerwcu w Monachium, a następnie zostało pokazane na festiwalu Sommerszene 2023 w Salzburgu.
W świecie, w którym nasze zdolności adaptacyjne muszą zmierzyć się ze sztuczną inteligencją i cyfrowym wizerunkiem nas samych – tańczymy, śpiewamy, wchodzimy w interakcję z rozszerzoną rzeczywistością... Dysonans pomiędzy realnością, percepcją i konstruktem społecznym zostaje zakwestionowany przez dziecięce zdziwienie i figlarność. Praca Jasmine Ellis – mocno oddziałująca sensorycznie, immersyjna i wciągająca – wzywa publiczność do przyjrzenia się naszej relacji z cyfrowym światem i ze sobą nawzajem.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 60 min
W świecie, w którym nasze zdolności adaptacyjne muszą zmierzyć się ze sztuczną inteligencją i cyfrowym wizerunkiem nas samych – tańczymy, śpiewamy, wchodzimy w interakcję z rozszerzoną rzeczywistością... Dysonans pomiędzy realnością, percepcją i konstruktem społecznym zostaje zakwestionowany przez dziecięce zdziwienie i figlarność. Praca Jasmine Ellis – mocno oddziałująca sensorycznie, immersyjna i wciągająca – wzywa publiczność do przyjrzenia się naszej relacji z cyfrowym światem i ze sobą nawzajem.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 60 min
29.MSTT: Second practice
„Second practice”
W dzisiejszej rzeczywistości obowiązki opiekuńcze wciąż w dużej mierze spoczywają na kobietach. Jednocześnie jesteśmy zanurzeni w wirtualnych pseudoprawdach, opiniach i niekończącej się ilości docierających do nas informacji. Wielu z nas żyje w stanie permanentnego zmęczenia. W takim kontekście prosty gest zatrzymania się, wsłuchania w siebie oraz podążania za własnym ciałem i pragnieniami może stać się aktem politycznym. Prywatne jest polityczne.
Z tymi doświadczeniami na scenę wychodzi Martina Hajdyla Lacová – kobieta, tancerka i matka trójki małych dzieci. Jej niemal czterdziestoletnie ciało niesie w sobie wiele historii – zarówno publicznych, jak i prywatnych. „Second practice”, czerpiąc z trzydziestu lat doświadczenia zawodowego i cielesno-tanecznych wspomnień, tworzy przestrzeń powrotu do tego, co dla niej najistotniejsze – uznania swojej historii tańca i ciała, wsłuchania się w siebie poprzez taniec oraz odnalezienia przyjemności w ruchu. Spektakl zaprasza także publiczność do wspólnej podróży przez migawki z przeszłości i teraźniejszości.
Przedstawienie dotyka pragnienia tancerki, kobiety i matki, by zanurzyć się głęboko w sobie poprzez praktykę, która wśród codziennych obowiązków, chaosu, zmęczenia i nieustannych rozproszeń stała się drugorzędna – praktykę uważnego tańca tu i teraz.
Solo Martiny Hajdyli Lacovej, stworzone we współpracy z choreografką Renatą Piotrowską-Auffret, otwiera więc nie tylko osobistą historię, lecz także szerszy obraz tego, czego dzisiejszemu społeczeństwu brakuje, czego potrzebuje lub co samo poddaje w wątpliwość.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 50 min
W dzisiejszej rzeczywistości obowiązki opiekuńcze wciąż w dużej mierze spoczywają na kobietach. Jednocześnie jesteśmy zanurzeni w wirtualnych pseudoprawdach, opiniach i niekończącej się ilości docierających do nas informacji. Wielu z nas żyje w stanie permanentnego zmęczenia. W takim kontekście prosty gest zatrzymania się, wsłuchania w siebie oraz podążania za własnym ciałem i pragnieniami może stać się aktem politycznym. Prywatne jest polityczne.
Z tymi doświadczeniami na scenę wychodzi Martina Hajdyla Lacová – kobieta, tancerka i matka trójki małych dzieci. Jej niemal czterdziestoletnie ciało niesie w sobie wiele historii – zarówno publicznych, jak i prywatnych. „Second practice”, czerpiąc z trzydziestu lat doświadczenia zawodowego i cielesno-tanecznych wspomnień, tworzy przestrzeń powrotu do tego, co dla niej najistotniejsze – uznania swojej historii tańca i ciała, wsłuchania się w siebie poprzez taniec oraz odnalezienia przyjemności w ruchu. Spektakl zaprasza także publiczność do wspólnej podróży przez migawki z przeszłości i teraźniejszości.
Przedstawienie dotyka pragnienia tancerki, kobiety i matki, by zanurzyć się głęboko w sobie poprzez praktykę, która wśród codziennych obowiązków, chaosu, zmęczenia i nieustannych rozproszeń stała się drugorzędna – praktykę uważnego tańca tu i teraz.
Solo Martiny Hajdyli Lacovej, stworzone we współpracy z choreografką Renatą Piotrowską-Auffret, otwiera więc nie tylko osobistą historię, lecz także szerszy obraz tego, czego dzisiejszemu społeczeństwu brakuje, czego potrzebuje lub co samo poddaje w wątpliwość.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 50 min
29.MSTT: staubkinder
Spektakl zespołu cie. toula limnaios wyrasta z muzyki Gustava Mahlera i poświęcony jest „dzieciom kurzu” – nam samym. Ich ślad głęboko osadza się w naszej pamięci, zarówno indywidualnej, jak i zbiorowej.
W „staubkinder” (dzieci kurzu) pozwalamy porwać się w absurdalny, dezorientujący świat – do złudzenia podobny do naszego: z krytycznymi aspektami teraźniejszości, dzisiejszą złożonością i tą niepewną przestrzenią zwaną przyszłością. Dzieci kurzu szukają oparcia; ziemia pod ich stopami jest im obca. Niepokojące i poetyckie zarazem…
„Obraz Paula Klee zatytułowany «Angelus Novus» przedstawia anioła, który wygląda, jakby miał właśnie oddalić się od czegoś, na co spogląda […] Najchętniej zatrzymałby się, przywrócił zmarłych do życia i scalił to, co zostało rozbite. Ale z raju nadciąga burza, która wplątała się w jego skrzydła i jest tak potężna, że anioł nie może ich złożyć. Burza ta popycha go niepowstrzymanie w stronę przyszłości, do której jest zwrócony plecami, podczas gdy przed nim piętrzy się stos ruin, sięgający nieba. To, co nazywamy postępem, jest właśnie tą burzą.”
O, człowieku! Miej się na baczności!
Co mówi głos najgłębszej północy?
Spałem – i śniłem –,
Z najgłębszego snu zbudziłem się – i słyszę:
świat jest głęboki,
głębszy, niż zdoła odczytać dzień.
Głęboki jest jego ból –,
lecz radość – głębsza jeszcze niż może być cierpienie.
Ból mówi: „Precz! Idź!”
Lecz wszystkie radości pragną wieczności –
– pragną wieczności bezdennej.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
W „staubkinder” (dzieci kurzu) pozwalamy porwać się w absurdalny, dezorientujący świat – do złudzenia podobny do naszego: z krytycznymi aspektami teraźniejszości, dzisiejszą złożonością i tą niepewną przestrzenią zwaną przyszłością. Dzieci kurzu szukają oparcia; ziemia pod ich stopami jest im obca. Niepokojące i poetyckie zarazem…
„Obraz Paula Klee zatytułowany «Angelus Novus» przedstawia anioła, który wygląda, jakby miał właśnie oddalić się od czegoś, na co spogląda […] Najchętniej zatrzymałby się, przywrócił zmarłych do życia i scalił to, co zostało rozbite. Ale z raju nadciąga burza, która wplątała się w jego skrzydła i jest tak potężna, że anioł nie może ich złożyć. Burza ta popycha go niepowstrzymanie w stronę przyszłości, do której jest zwrócony plecami, podczas gdy przed nim piętrzy się stos ruin, sięgający nieba. To, co nazywamy postępem, jest właśnie tą burzą.”
O, człowieku! Miej się na baczności!
Co mówi głos najgłębszej północy?
Spałem – i śniłem –,
Z najgłębszego snu zbudziłem się – i słyszę:
świat jest głęboki,
głębszy, niż zdoła odczytać dzień.
Głęboki jest jego ból –,
lecz radość – głębsza jeszcze niż może być cierpienie.
Ból mówi: „Precz! Idź!”
Lecz wszystkie radości pragną wieczności –
– pragną wieczności bezdennej.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: Taranto Aleatorio
„Taranto Aleatorio”
Dwie kobiety jedzą pestki słonecznika – w parku, przed domem, na podwórku.
Dzielą wspólną codzienną przestrzeń, rozmowę, intymność ciszy.
Nagle śpiew i taniec przerywają zwyczajność i wprowadzają magię.
W zawieszonym, enigmatycznym czasie rodzi się choreografia – najpierw jako subtelny wir, który z czasem staje się tornadem.
Dźwięk stukania obcasów narzeka i śmieje się w pętli.
Pieśń, która nie ustaje, wzbija się ku górze i oplata przestrzeń.
Taranto, jako styl flamenco, wywodzi się z górniczych terenów Almeríi. W swojej pierwotnej formie to cante – śpiew prosty, surowy, pozbawiony akompaniamentu gitarowego, zrodzony z potrzeby wolności i nieskrępowanego wyrazu.
W tym sceniczno-badawczym utworze tancerce Maríi del Mar Suárez / LaChachi oraz wokalistce Lola Dolores towarzyszy nagość – symboliczna i dosłowna – z którą eksperymentują. Z szacunkiem dla struktury tradycyjnego tablao poszukują możliwości spotkania tańca i cante, by oddać przestrzeń przypadkowości i przekształceniu. Z ciszy, bez instrumentów, rodzi się rozmowa między głosem a ciałem, w której to, co nieplanowane, staje się częścią języka.
Wezwanie do tańca współbrzmi z quejíos (zawodzeniami) taranto, pozwalając choreografii przekształcać się „przez zarażenie” i chłonąć wszystko, co rodzi się z tańca i śpiewu. W języku scenicznym, wpisanym w nowe dramaturgie, artystki badają ciało i zaskoczenie nagim cante. Nie szukając niczego ostatecznego, pojawiają się gesty niepokorne, humor i przypadek. Taniec i cante ulegają zmianie, nie pękając; integrują te przesunięcia – jak w życiu – by tańczyć dalej.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Dwie kobiety jedzą pestki słonecznika – w parku, przed domem, na podwórku.
Dzielą wspólną codzienną przestrzeń, rozmowę, intymność ciszy.
Nagle śpiew i taniec przerywają zwyczajność i wprowadzają magię.
W zawieszonym, enigmatycznym czasie rodzi się choreografia – najpierw jako subtelny wir, który z czasem staje się tornadem.
Dźwięk stukania obcasów narzeka i śmieje się w pętli.
Pieśń, która nie ustaje, wzbija się ku górze i oplata przestrzeń.
Taranto, jako styl flamenco, wywodzi się z górniczych terenów Almeríi. W swojej pierwotnej formie to cante – śpiew prosty, surowy, pozbawiony akompaniamentu gitarowego, zrodzony z potrzeby wolności i nieskrępowanego wyrazu.
W tym sceniczno-badawczym utworze tancerce Maríi del Mar Suárez / LaChachi oraz wokalistce Lola Dolores towarzyszy nagość – symboliczna i dosłowna – z którą eksperymentują. Z szacunkiem dla struktury tradycyjnego tablao poszukują możliwości spotkania tańca i cante, by oddać przestrzeń przypadkowości i przekształceniu. Z ciszy, bez instrumentów, rodzi się rozmowa między głosem a ciałem, w której to, co nieplanowane, staje się częścią języka.
Wezwanie do tańca współbrzmi z quejíos (zawodzeniami) taranto, pozwalając choreografii przekształcać się „przez zarażenie” i chłonąć wszystko, co rodzi się z tańca i śpiewu. W języku scenicznym, wpisanym w nowe dramaturgie, artystki badają ciało i zaskoczenie nagim cante. Nie szukając niczego ostatecznego, pojawiają się gesty niepokorne, humor i przypadek. Taniec i cante ulegają zmianie, nie pękając; integrują te przesunięcia – jak w życiu – by tańczyć dalej.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
29.MSTT: Terytorium
„Terytorium” to spektakl o potrzebie definiowania swojej tożsamości w perspektywie czasu i przestrzeni. Na scenie zobaczymy dwie kobiety, które nie tylko rywalizują o uwagę widza, ale także zmagają się z własnym obrazem doskonałości, który przemija, lub któremu nie mogą sprostać. To historia o tych z nas, które nieustannie poddają się presji pytań o to, co i kiedy powinny zrobić, aby poczuć się „odpowiednie”. W odpowiedzi na pytanie „Kiedy…?” odnajdujemy siebie w morderczych ćwiczeniach, nieustannych nadgodzinach w pracy, kompulsywnych zakupach, seksie, restrykcyjnych dietach lub w ciastkach, którymi się objadamy, kiedy nikt nie patrzy. To także opowieść o szaleństwie, o które się ocieramy, będąc pomiędzy kontrolą i dyscypliną a nieograniczoną wolnością i zachłannością. „Terytorium” podejmuje zagadnienie kruchości istoty ludzkiej wobec czasu i przemijania. Ponad wszystko jest to historia o pragnieniu poczucia sensu swojego istnienia
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 55 min
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 55 min
29.MSTT: Through Warm Temperatures
„through warm temperatures” przywołuje dziedzictwo oleju rycynowego – jako naturalnego remedium, eliksiru i historycznego surowca przenikającego granice. Spektakl zaprasza w podróż do ponownego połączenia z naturą i z własnym ciałem.
Splatając wokal i taniec, praca przechodzi od medytacyjnych gestów do nieskrępowanej ekspresji, prowadząc ku samoakceptacji.
Choreografia i głos Mele Broomes łączą się z wiolonczelą na żywo Simone Seales oraz elektronicznymi pejzażami dźwiękowymi; wykonawczynie przechodzą od wykonań indywidualnych i duetów do ruchu zbiorowego – w stronę ciepła, z zaproszeniem do rozluźnienia.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 60 min
Splatając wokal i taniec, praca przechodzi od medytacyjnych gestów do nieskrępowanej ekspresji, prowadząc ku samoakceptacji.
Choreografia i głos Mele Broomes łączą się z wiolonczelą na żywo Simone Seales oraz elektronicznymi pejzażami dźwiękowymi; wykonawczynie przechodzą od wykonań indywidualnych i duetów do ruchu zbiorowego – w stronę ciepła, z zaproszeniem do rozluźnienia.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 60 min
29.MSTT: Until the Tongue Speaks
Widoczność kobiet – widoczność ich historii – pozostaje problemem nierozwiązywalnym nawet w świecie nowoczesnych technologii. Kobiety, które niegdyś zniknęły z przestrzeni publicznych, dziś zdają się do nich powracać – do przestrzeni, do których nigdy nie należały; jednak w tle stale doświadczanej presji społecznej niezmiennie pozostaje pytanie istotne także dla historii sztuki: czego w rzeczywistości doświadczają kobiety, poza samowyznaczonym porządkiem własnego życia?
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 35 min
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTEKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Czas trwania: 35 min
29.MSTT: Within a thousand suns
Wywodzący się z wyczynowego łyżwiarstwa figurowego Oktawia Ścibior i Samory Ba tworzą eksperymentalne prace choreograficzne i wizualne. „Within A Thousand Suns” to ich duet choreograficzny rozwijany przez cztery lata radykalnych eksperymentów z łyżworolkami i kulami. Wychodząc od wyjątkowej mechaniki ślizgu, spektakl odsłania hybrydowy język tańca kształtowany przez nietypową mobilność wykonawców.
Zbudowany jako choreograficzny tryptyk, spektakl podejmuje refleksję nad świadomymi i nieświadomymi siłami, które kształtują ludzkie zachowania i relacje. Praca kwestionuje nasze uwarunkowania i bada relację między wolnością a determinizmem, przyglądając się nieuchwytnej granicy, która je rozdziela.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Zbudowany jako choreograficzny tryptyk, spektakl podejmuje refleksję nad świadomymi i nieświadomymi siłami, które kształtują ludzkie zachowania i relacje. Praca kwestionuje nasze uwarunkowania i bada relację między wolnością a determinizmem, przyglądając się nieuchwytnej granicy, która je rozdziela.
PROMOCJA W KASIE CK:
PRZY ZAKUPIE MIN. 2 BILETÓW NA DOWOLNY SPEKTAKL 29. MSTT, KAŻDY KOLEJNY BILET W CENIE 30 ZŁ!! NIE DOTYCZY SPEKTAKLU Scottish Dance Theatre W CSK!
Ben nie ma lekko
W życiu 12-letniego Bena, który śpiewa w zespole rockowym, tryska dobrym humorem i kocha gotować, nadchodzi rewolucja. Nie dość, że zakochuje się w koleżance z klasy, to jeszcze postanawia schudnąć.
Bogini Partenope
Porywająca wizualnym pięknem i urzekająca nastrojem, oda do życia, miłości, wolności i niepowtarzalnego Neapolu.
Kipiąca zmysłowością opowieść o kobiecie, która świadoma swojej oszałamiającej urody, nad podziw i uwielbienie mężczyzn przedkłada własną wolność i ciekawość świata.
Przyjście na świat małej Partenope jest jak narodziny bogini. Na pięknej wyspie Capri objawia się kobieta idealna, która swą niezwykłą urodą zniewala mężczyzn, jednocześnie wymykając się ich żądzom. Ambitna, ogromnie ciekawa świata, nade wszystko ceni sobie wolność i szukanie własnej drogi przez życie. Od spotkanych na niej mężczyzn, amerykańskiego pisarza, lubieżnego biskupa czy zakochanego w niej do szaleństwa przyjaciela z młodości, uczy się patrzeć na świat pod różnymi kątami. Zanurzona w tętniącym żywiole neapolitańskiej codzienności nigdy nie daje się zdefiniować i ujarzmić.
Kipiąca zmysłowością opowieść o kobiecie, która świadoma swojej oszałamiającej urody, nad podziw i uwielbienie mężczyzn przedkłada własną wolność i ciekawość świata.
Przyjście na świat małej Partenope jest jak narodziny bogini. Na pięknej wyspie Capri objawia się kobieta idealna, która swą niezwykłą urodą zniewala mężczyzn, jednocześnie wymykając się ich żądzom. Ambitna, ogromnie ciekawa świata, nade wszystko ceni sobie wolność i szukanie własnej drogi przez życie. Od spotkanych na niej mężczyzn, amerykańskiego pisarza, lubieżnego biskupa czy zakochanego w niej do szaleństwa przyjaciela z młodości, uczy się patrzeć na świat pod różnymi kątami. Zanurzona w tętniącym żywiole neapolitańskiej codzienności nigdy nie daje się zdefiniować i ujarzmić.
Cyberiada
„Cyberiada”, uznana przez samego Stanisława Lema za jego opus magnum, to arcydzieło na przecięciu baśni, powiastki filozoficznej, satyry i brawurowego eksperymentu językowego. Adaptacji wybranych historii z tej kultowej książki podjął się reżyser Daniel Adamczyk.
Spektakl jest adaptacją wybranych przez twórców historii, opowiadających o perypetiach dwóch wybitnych konstruktorów: Trurla i Klapaucjusza. Podczas swoich kosmicznych podróży po wszechświecie zamieszkałym przez (bardzo ludzkie: myślące, czujące, posiadające indywidualne tożsamości) roboty i maszyny, dwóch prześcigających się w pomysłach przyjaciół podejmuje misję rozwikłania problemów trawiących państwa-planety, ich władców i mieszkańców. Przygody kosmicznych podróżników mogą wywoływać u widzów zarówno sporo rozbawienia jak i namysłu. W adaptacji do pełnego głosu dochodzi Lemowski język skrzący się neologizmami, archaizmami i nadzwyczajnymi grami słownymi. To nieposkromiony żywioł niespotykany nigdy wcześniej ani później w polskiej literaturze.
Niemal 60 lat po wydaniu „Cyberiady” Lem wciąż pozostaje wybitnym wizjonerem, który przewidział, do czego może doprowadzić gwałtowny rozwój technologiczny; dostrzeżemy więc w opowieściach choćby zwiastuny powstania Internetu, sztucznej inteligencji czy wirtualnej rzeczywistości – ze wszystkimi tego konsekwencjami. Spektakl stawia przed widzem wiecznie istotne pytania o władzę, wolną wolę, informację i zagrożenia wynikające z jej nadmiaru.
Dzieła Lema powstające w czasach komunizmu zawsze były naznaczone śladem historii – dzisiaj nie tracą jednak na aktualności, a nawet obrastają w nowe znaczenia.
Spektakl dla widzów dorosłych, rekomendowany dla osób od 11. roku życia.
reżyseria: Daniel Adamczyk; adaptacja: Daniel Adamczyk, Aleksandra Kanar; scenografia i kostiumy: Marta Góźdź; muzyka: Szczepan Pospieszalski; wizualizacje: Marta Góźdź, Anna Żur-Falkendorf, Jacek Wierzchoś; światło: Michał Mirgos; dźwięk: Tomasz Kraśkiewicz; projekcje: Rafał Kędra; produkcja: Małgorzata Lisowska-Źrebiec; występują: Przemysław Buksiński, Michał Czyż, Natalia Świniarska, Jarosław Tomica, Mateusz Matejko
Spektakl jest adaptacją wybranych przez twórców historii, opowiadających o perypetiach dwóch wybitnych konstruktorów: Trurla i Klapaucjusza. Podczas swoich kosmicznych podróży po wszechświecie zamieszkałym przez (bardzo ludzkie: myślące, czujące, posiadające indywidualne tożsamości) roboty i maszyny, dwóch prześcigających się w pomysłach przyjaciół podejmuje misję rozwikłania problemów trawiących państwa-planety, ich władców i mieszkańców. Przygody kosmicznych podróżników mogą wywoływać u widzów zarówno sporo rozbawienia jak i namysłu. W adaptacji do pełnego głosu dochodzi Lemowski język skrzący się neologizmami, archaizmami i nadzwyczajnymi grami słownymi. To nieposkromiony żywioł niespotykany nigdy wcześniej ani później w polskiej literaturze.
Niemal 60 lat po wydaniu „Cyberiady” Lem wciąż pozostaje wybitnym wizjonerem, który przewidział, do czego może doprowadzić gwałtowny rozwój technologiczny; dostrzeżemy więc w opowieściach choćby zwiastuny powstania Internetu, sztucznej inteligencji czy wirtualnej rzeczywistości – ze wszystkimi tego konsekwencjami. Spektakl stawia przed widzem wiecznie istotne pytania o władzę, wolną wolę, informację i zagrożenia wynikające z jej nadmiaru.
Dzieła Lema powstające w czasach komunizmu zawsze były naznaczone śladem historii – dzisiaj nie tracą jednak na aktualności, a nawet obrastają w nowe znaczenia.
Spektakl dla widzów dorosłych, rekomendowany dla osób od 11. roku życia.
reżyseria: Daniel Adamczyk; adaptacja: Daniel Adamczyk, Aleksandra Kanar; scenografia i kostiumy: Marta Góźdź; muzyka: Szczepan Pospieszalski; wizualizacje: Marta Góźdź, Anna Żur-Falkendorf, Jacek Wierzchoś; światło: Michał Mirgos; dźwięk: Tomasz Kraśkiewicz; projekcje: Rafał Kędra; produkcja: Małgorzata Lisowska-Źrebiec; występują: Przemysław Buksiński, Michał Czyż, Natalia Świniarska, Jarosław Tomica, Mateusz Matejko
Droga do Vermiglio
„Droga do Vermiglio” to poruszająca rodzinna saga, uhonorowana Wielką Nagrodą Jury na festiwalu w Wenecji oraz 6 statuetkami prestiżowej nagrody David di Donatello – włoskiego odpowiednika Oscara. Ten oszałamiający wizualnie dramat stał się jednym z największych wydarzeń włoskiego kina ostatnich lat. Reżyserka Maura Delpero – czerpiąc inspirację z historii własnej rodziny – tworzy intymną, ale uniwersalną opowieść o miłości, zdradzie, przemijaniu i nadziei. Osadzony w surowym, a zarazem przepięknym krajobrazie włoskich Alp film przenosi widzów do roku 1944, ukazując życie zamkniętej społeczności w cieniu wielkiej historii.
Ostatnie miesiące II wojny światowej. Spokojne życie mieszkającej w górskiej wiosce Vermiglio rodziny zakłóca pojawienie się młodego żołnierza, który dezerteruje z armii i szuka schronienia z dala od wojennego frontu. Mężczyzna nawiązuje romans z najstarszą córką miejscowego nauczyciela. Ich związek staje się katalizatorem przemian, zarówno w samej rodzinie, jak i w lokalnej społeczności, ujawniając długo skrywane emocje, tajemnice i konflikty.
„Droga do Vermiglio” jest jak pocztówka wysłana w przyszłość, gdzie pod śniegiem, kostiumem i pieczołowicie oddanymi detalami surowej egzystencji kryje się porywająca, żywa i przejmująca historia o tym, jak odległe zdarzenia i decyzje wpływają na nas tu i teraz. Dzięki zniuansowanym postaciom, wyjątkowym zdjęciom ukazującym zapierające dech w piersi alpejskie krajobrazy oraz subtelnej narracji Delpero tworzy kino, które zapada głęboko w pamięć – ciche, ale niezwykle mocne. Rytm zmieniającej się przyrody oddają towarzyszące bohaterom nokturny Fryderyka Chopina oraz „Cztery pory roku” Vivaldiego. Ta subtelnie zrealizowana opowieść jest emocjonalną podróżą przez ludzkie wybory i ich konsekwencje, które definiują nasze życie.
Ostatnie miesiące II wojny światowej. Spokojne życie mieszkającej w górskiej wiosce Vermiglio rodziny zakłóca pojawienie się młodego żołnierza, który dezerteruje z armii i szuka schronienia z dala od wojennego frontu. Mężczyzna nawiązuje romans z najstarszą córką miejscowego nauczyciela. Ich związek staje się katalizatorem przemian, zarówno w samej rodzinie, jak i w lokalnej społeczności, ujawniając długo skrywane emocje, tajemnice i konflikty.
„Droga do Vermiglio” jest jak pocztówka wysłana w przyszłość, gdzie pod śniegiem, kostiumem i pieczołowicie oddanymi detalami surowej egzystencji kryje się porywająca, żywa i przejmująca historia o tym, jak odległe zdarzenia i decyzje wpływają na nas tu i teraz. Dzięki zniuansowanym postaciom, wyjątkowym zdjęciom ukazującym zapierające dech w piersi alpejskie krajobrazy oraz subtelnej narracji Delpero tworzy kino, które zapada głęboko w pamięć – ciche, ale niezwykle mocne. Rytm zmieniającej się przyrody oddają towarzyszące bohaterom nokturny Fryderyka Chopina oraz „Cztery pory roku” Vivaldiego. Ta subtelnie zrealizowana opowieść jest emocjonalną podróżą przez ludzkie wybory i ich konsekwencje, które definiują nasze życie.
Festiwal Korelacje w Lublinie – Klątwa Doliny Węży z autorską narracją Łony - rozpoczęcie Lubelskiego Festiwalu Filmowego 2025
Pogranicze laotańsko-wietnamskie, listopad 1954. Na skraju dżungli ląduje ostrzelany przez partyzantów helikopter. Pilot Bernard Traven, poszukując wody, trafia do buddyjskiej świątyni, skąd rabuje drogocenną szkatułkę. Mnich rzuca klątwę… Sorbona, trzydzieści lat później. Wykład prowadzi Jan Tarnas, specjalista od starych tajskich rękopisów. Nieoczekiwanie pojawia się Traven, prosząc profesora o rozszyfrowanie manuskryptu z tajskiej szkatuły. Podczas jego rozcinania w laboratorium nieoczekiwanie gaśnie światło i pojawiają się węże.
Film z lektorem i napisami dla osób niesłyszących i niedosłyszących (SDH).
Festiwal Korelacje prezentuje sztukę filmową w nowatorskiej formule: filmy wzbogacone są nieszablonową narracją – autorskim komentarzem zaproszonych do projektu mistrzów słowa - pisarek, pisarzy, artystów i artystki różnych dziedzin. To nowy sposób doświadczania kultury, dostępny także dla osób ze szczególnymi potrzebami.
Film z lektorem i napisami dla osób niesłyszących i niedosłyszących (SDH).
Festiwal Korelacje prezentuje sztukę filmową w nowatorskiej formule: filmy wzbogacone są nieszablonową narracją – autorskim komentarzem zaproszonych do projektu mistrzów słowa - pisarek, pisarzy, artystów i artystki różnych dziedzin. To nowy sposób doświadczania kultury, dostępny także dla osób ze szczególnymi potrzebami.
Filmoterapia z Inspirą : Magia Podlasia, Szeptuchy
Kim tak naprawdę są szeptunki i szeptuni? Dlaczego w dzisiejszym cywilizowanym świecie nadal sięgamy po metody i środki leczenia ciała i duszy stosowane przez naszych dziadków? Jak współczesna psychologia postrzega podlaskie zamowy?
Opowieść o Podlasiu z perspektywy współczesnej medycyny ludowej zakorzenionej w tradycji szeptania tj. tradycji zamów w języku starocerkiewnych przekazywanej z pokolenia na pokolenie. Film zadaje wiele pytań, na które szuka odpowiedzi u ekspertów z różnych dziedzin terapeutów/psychologów, antropologów, etnografów ale także mieszkańców Podlasia.
Autorką filmu jest reżyserka filmowa i teatralna Małgorzata Szyszka - absolwentka wiedzy o teatrze, Akademia Teatralna im. Aleksandra Zelwerowicza w Warszawie, Zarządzania w mediach - Akademia Leona Koźmińskiego w Warszawie, ekspert programów radiowych i telewizyjnych. Stypendysta - Minister Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Polski Instytut Sztuki Filmowej, Miasta stołecznego Warszawa, Funduszu Popierania Twórczości Stowarzyszenia Autorów ZAiKS.
Opowieść o Podlasiu z perspektywy współczesnej medycyny ludowej zakorzenionej w tradycji szeptania tj. tradycji zamów w języku starocerkiewnych przekazywanej z pokolenia na pokolenie. Film zadaje wiele pytań, na które szuka odpowiedzi u ekspertów z różnych dziedzin terapeutów/psychologów, antropologów, etnografów ale także mieszkańców Podlasia.
Autorką filmu jest reżyserka filmowa i teatralna Małgorzata Szyszka - absolwentka wiedzy o teatrze, Akademia Teatralna im. Aleksandra Zelwerowicza w Warszawie, Zarządzania w mediach - Akademia Leona Koźmińskiego w Warszawie, ekspert programów radiowych i telewizyjnych. Stypendysta - Minister Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Polski Instytut Sztuki Filmowej, Miasta stołecznego Warszawa, Funduszu Popierania Twórczości Stowarzyszenia Autorów ZAiKS.
Filmoterapia z Inspirą: Miłość
Film opowiada o uczuciach w erze cyfrowej, gdzie podjęcie jakiegokolwiek zobo¬wiązania nie wydaje się wcale takie oczywiste. Haugerud zastanawia się nie tylko nad problemem komunikacji mię¬dzy ludźmi, ale i nad tym, jakie dzisiaj stawiamy wobec siebie oczekiwania.
Czterdziestokilkuletnia lekarka Marianne (w tej roli gwiazda norweskiego kina Andrea Bræin Hovig), podobnie jak pracujący na co dzień jako pielęgniarz Tor (Tayo Cittadella Jacobsen), zdecydowanie lepiej odnajduje się w życiu zawodowym niż prywatnym. Wbrew normom społecznym oboje szukają intymności poza granicami konwencjonalnych relacji. Pewnego wieczoru Marianne i Tor przypadkowo trafiają na siebie na promie. Wracająca do domu kobieta szybko przekonuje się, że dla bohatera „rejsy” po Oslo to rodzaj częstej nocnej rutyny. Poznani za pomocą aplikacji randkowych mężczyźni stają się dla niego szansą na przelotną znajomość i chwile spontanicznej intymności. Zaintrygowana jego perspektywą Marianne zaczyna się zastanawiać, czy taka forma relacji może być również opcją dla niej.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Czterdziestokilkuletnia lekarka Marianne (w tej roli gwiazda norweskiego kina Andrea Bræin Hovig), podobnie jak pracujący na co dzień jako pielęgniarz Tor (Tayo Cittadella Jacobsen), zdecydowanie lepiej odnajduje się w życiu zawodowym niż prywatnym. Wbrew normom społecznym oboje szukają intymności poza granicami konwencjonalnych relacji. Pewnego wieczoru Marianne i Tor przypadkowo trafiają na siebie na promie. Wracająca do domu kobieta szybko przekonuje się, że dla bohatera „rejsy” po Oslo to rodzaj częstej nocnej rutyny. Poznani za pomocą aplikacji randkowych mężczyźni stają się dla niego szansą na przelotną znajomość i chwile spontanicznej intymności. Zaintrygowana jego perspektywą Marianne zaczyna się zastanawiać, czy taka forma relacji może być również opcją dla niej.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Filmoterapia z Inspirą: Siostrzeństwo świętej sauny
W bujnym, zielonym lesie w południowej Estonii grupa kobiet zbiera się w tradycyjnej saunie, żeby wspólnie dzielić najgłębsze sekrety, przemyślenia i czerpać z siły swojej wspólnoty. Otoczone dymem i żarem obnażają nie tylko ciała, ale i emocje. Wypędzają z siebie lęki i wstyd, żeby odzyskać siłę i energię do życia. Film portretuje ten intymny rytuał, który odbywa się w ciasnej i ciemnej przestrzeni nasyconej oddechem i parą. Gorąc i pot są tu namacalne równie mocno, jak cielesność. Obserwujemy ciała i twarze skąpane w mroku w procesie wspólnotowego oczyszczania. Dowiadujemy się, czego doświadczyły w swoim życiu.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Flow
Kot zazwyczaj chadza własnymi ścieżkami. Tu futrzasty czworonóg musi jednak połączyć siły z innymi zwierzętami, żeby wraz z nimi przetrwać na pokładzie drewnianej łodzi wielką powódź.
W zazwyczaj spokojnym lesie coś wisi w powietrzu. Sprawcą całego zamieszania jest szybko podnoszący się poziom wody, przed którym ucieka także dość nieufny kot. Zwierzę wskakuje na zniszczoną żaglówkę, rozpoczynając wielki rejs. Na jej pokładzie dochodzi do międzygatunkowego spotkania. Każdy rozbitek jest inny: labradora roznosi energia, lemur głównie gromadzi rzeczy, a kapibara – jak to kapibara! – spędza czas na wypoczynku. Aby stawić czoła zagrożeniu, bohaterowie będą musieli nauczyć się współpracować i rozumieć swoje potrzeby. Bezdialogowy film animowany łotewskiego wizjonera animacji to porywająca wizualna odyseja.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
W zazwyczaj spokojnym lesie coś wisi w powietrzu. Sprawcą całego zamieszania jest szybko podnoszący się poziom wody, przed którym ucieka także dość nieufny kot. Zwierzę wskakuje na zniszczoną żaglówkę, rozpoczynając wielki rejs. Na jej pokładzie dochodzi do międzygatunkowego spotkania. Każdy rozbitek jest inny: labradora roznosi energia, lemur głównie gromadzi rzeczy, a kapibara – jak to kapibara! – spędza czas na wypoczynku. Aby stawić czoła zagrożeniu, bohaterowie będą musieli nauczyć się współpracować i rozumieć swoje potrzeby. Bezdialogowy film animowany łotewskiego wizjonera animacji to porywająca wizualna odyseja.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Franz Kafka
Długo oczekiwana, międzynarodowa produkcja to poruszający portret Franza Kafki – jednej z najważniejszych postaci literatury XX w. Film ukazuje wrażliwego człowieka, którego wewnętrzne rozterki i lęki są zaskakująco aktualne. Kafka jawi się jako młody idealista uwięziony w świecie biurokracji i społecznych oczekiwań.
Jego życie, pełne sprzeczności i samotności, staje się metaforą współczesnego człowieka poszukującego sensu. Reżyserka z niezwykłą subtelnością łączy realizm z poetycką wizją, tworząc film o uniwersalnym przesłaniu.
To nie tylko biografia pisarza, lecz także refleksja nad ludzką naturą i ceną autentyczności. Holland pokazuje Kafkę jako postać kruchą, ale zarazem silną w swojej wrażliwości. Dzięki temu jej film staje się głosem dla tych, którzy czują się zagubieni w świecie zdominowanym przez chaos i obojętność.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Jego życie, pełne sprzeczności i samotności, staje się metaforą współczesnego człowieka poszukującego sensu. Reżyserka z niezwykłą subtelnością łączy realizm z poetycką wizją, tworząc film o uniwersalnym przesłaniu.
To nie tylko biografia pisarza, lecz także refleksja nad ludzką naturą i ceną autentyczności. Holland pokazuje Kafkę jako postać kruchą, ale zarazem silną w swojej wrażliwości. Dzięki temu jej film staje się głosem dla tych, którzy czują się zagubieni w świecie zdominowanym przez chaos i obojętność.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Harvest
Ta wioska, żyjąca w swoim rytmie, zdaje się nie potrzebować światła. Jednak Historia nie zna litości: arystokraci, pragnący modernizacji, zbliżają się, gotowi odebrać naturę, która jednocześnie karmi i zadaje ból. Walter Thirsk (wspaniała, niemal eteryczna kreacja Caleba Landry'ego Jonesa), dobry duch tej społeczności i zarządca wyznaczony przez zdziecinniałego lorda (Harry Melling), stara się mediować z przedstawicielami władzy – tłumaczy im cykl życia swojego mikroświata, który zapewnia mieszkańcom kruchą harmonię. Jednak zmiana jest nieunikniona. "Harvest" w reżyserii Athiny Rachel Tsangari, zaprezentowany w konkursie głównym ostatniego festiwalu w Wenecji, przywodzi na myśl malarskie wizje Pietera Bruegla. Film nakręcony na taśmie 16 mm urzeka zdjęciami Seana Price’a Williamsa (współpracownika m.in. z Alexem Rossą Perry’m i braćmi Safdie), meandrującą narracją rodem z baśni braci Grimm oraz bezwzględnym szacunkiem dla ludzi związanych z ziemią – w dobrych i złych czasach.
Kąpiel w dźwiękach - koncert gongów i mis Rimy Sadurskiej
Zapraszamy na niezwykły koncert gongów i mis śpiewających, który poprowadzi Rima Sadurska.
Kąpiel w dźwiękach jest unikalnym doświadczeniem, podczas którego artystka wykorzystuje harmoniczne wibracje gongów i mis śpiewających do wywołania głębokiego stanu relaksu i medytacji.
Prowadząca: Rima Sadurska – mistrzyni naturopatii, artystka.
Od 2017 roku zajmuje się dźwiękiem i sztuką performatywną, prowadzi kąpiele w dźwiękach oraz śpiewa pieśni tradycyjne. Od 2011 roku praktykuje bioenergoterapię i medytację. Ukończyła studia na kierunku Terapie naturalne oraz liczne szkolenia z zakresu dźwiękoterapii, medytacji, uzdrawiania i pracy z głosem. Jest absolwentką Akademii Praktyk Teatralnych w Gardzienicach oraz studiów podyplomowych Instytutu Sztuki PAN. Prowadzi indywidualną praktykę, wspierając procesy osobistej transformacji oraz oprawę artystyczną uroczystości rodzinnych.
Bilety przedsprzedaż 30 zł ulgowy/40 zł normalny
Bilety w dniu wydarzenia 40 zł ulgowy/50 zł normalny
UWAGA: Prosimy o przyniesienia dla siebie maty, koca i poduszki. Kąpiel w dźwiękach jest wydarzeniem przeznaczonym do odbioru na leżąco, w relaksie z zamkniętymi oczami.
Kąpiel w dźwiękach jest unikalnym doświadczeniem, podczas którego artystka wykorzystuje harmoniczne wibracje gongów i mis śpiewających do wywołania głębokiego stanu relaksu i medytacji.
Prowadząca: Rima Sadurska – mistrzyni naturopatii, artystka.
Od 2017 roku zajmuje się dźwiękiem i sztuką performatywną, prowadzi kąpiele w dźwiękach oraz śpiewa pieśni tradycyjne. Od 2011 roku praktykuje bioenergoterapię i medytację. Ukończyła studia na kierunku Terapie naturalne oraz liczne szkolenia z zakresu dźwiękoterapii, medytacji, uzdrawiania i pracy z głosem. Jest absolwentką Akademii Praktyk Teatralnych w Gardzienicach oraz studiów podyplomowych Instytutu Sztuki PAN. Prowadzi indywidualną praktykę, wspierając procesy osobistej transformacji oraz oprawę artystyczną uroczystości rodzinnych.
Bilety przedsprzedaż 30 zł ulgowy/40 zł normalny
Bilety w dniu wydarzenia 40 zł ulgowy/50 zł normalny
UWAGA: Prosimy o przyniesienia dla siebie maty, koca i poduszki. Kąpiel w dźwiękach jest wydarzeniem przeznaczonym do odbioru na leżąco, w relaksie z zamkniętymi oczami.
Kino 5 zmysłów: Droga do Vermiglio
„Droga do Vermiglio” to poruszająca rodzinna saga, uhonorowana Wielką Nagrodą Jury na festiwalu w Wenecji oraz 6 statuetkami prestiżowej nagrody David di Donatello – włoskiego odpowiednika Oscara. Ten oszałamiający wizualnie dramat stał się jednym z największych wydarzeń włoskiego kina ostatnich lat. Reżyserka Maura Delpero – czerpiąc inspirację z historii własnej rodziny – tworzy intymną, ale uniwersalną opowieść o miłości, zdradzie, przemijaniu i nadziei. Osadzony w surowym, a zarazem przepięknym krajobrazie włoskich Alp film przenosi widzów do roku 1944, ukazując życie zamkniętej społeczności w cieniu wielkiej historii.
Ostatnie miesiące II wojny światowej. Spokojne życie mieszkającej w górskiej wiosce Vermiglio rodziny zakłóca pojawienie się młodego żołnierza, który dezerteruje z armii i szuka schronienia z dala od wojennego frontu. Mężczyzna nawiązuje romans z najstarszą córką miejscowego nauczyciela. Ich związek staje się katalizatorem przemian, zarówno w samej rodzinie, jak i w lokalnej społeczności, ujawniając długo skrywane emocje, tajemnice i konflikty.
„Droga do Vermiglio” jest jak pocztówka wysłana w przyszłość, gdzie pod śniegiem, kostiumem i pieczołowicie oddanymi detalami surowej egzystencji kryje się porywająca, żywa i przejmująca historia o tym, jak odległe zdarzenia i decyzje wpływają na nas tu i teraz. Dzięki zniuansowanym postaciom, wyjątkowym zdjęciom ukazującym zapierające dech w piersi alpejskie krajobrazy oraz subtelnej narracji Delpero tworzy kino, które zapada głęboko w pamięć – ciche, ale niezwykle mocne. Rytm zmieniającej się przyrody oddają towarzyszące bohaterom nokturny Fryderyka Chopina oraz „Cztery pory roku” Vivaldiego. Ta subtelnie zrealizowana opowieść jest emocjonalną podróżą przez ludzkie wybory i ich konsekwencje, które definiują nasze życie.
Audiodeskrypcja – narracja opisująca, co dzieje się na ekranie, w tym między innymi wykonywane czynności, mimikę, kostiumy, scenerię oraz zmiany scen.
Napisy rozszerzone – mają za zadanie przedstawić w formie tekstu informację przekazaną w ścieżce dźwiękowej. Od zwykłych napisów różnią się tym, że oprócz wypowiadanych kwestii zawierają również opis wszelkich istotnych dźwięków.
Uwaga: Dla widzów, którzy chcą skorzystać z audiodeskrypcji dostępne będą odbiorniki. Ze względów higienicznych zachęcamy do przyniesienia własnych słuchawek.
Ostatnie miesiące II wojny światowej. Spokojne życie mieszkającej w górskiej wiosce Vermiglio rodziny zakłóca pojawienie się młodego żołnierza, który dezerteruje z armii i szuka schronienia z dala od wojennego frontu. Mężczyzna nawiązuje romans z najstarszą córką miejscowego nauczyciela. Ich związek staje się katalizatorem przemian, zarówno w samej rodzinie, jak i w lokalnej społeczności, ujawniając długo skrywane emocje, tajemnice i konflikty.
„Droga do Vermiglio” jest jak pocztówka wysłana w przyszłość, gdzie pod śniegiem, kostiumem i pieczołowicie oddanymi detalami surowej egzystencji kryje się porywająca, żywa i przejmująca historia o tym, jak odległe zdarzenia i decyzje wpływają na nas tu i teraz. Dzięki zniuansowanym postaciom, wyjątkowym zdjęciom ukazującym zapierające dech w piersi alpejskie krajobrazy oraz subtelnej narracji Delpero tworzy kino, które zapada głęboko w pamięć – ciche, ale niezwykle mocne. Rytm zmieniającej się przyrody oddają towarzyszące bohaterom nokturny Fryderyka Chopina oraz „Cztery pory roku” Vivaldiego. Ta subtelnie zrealizowana opowieść jest emocjonalną podróżą przez ludzkie wybory i ich konsekwencje, które definiują nasze życie.
Audiodeskrypcja – narracja opisująca, co dzieje się na ekranie, w tym między innymi wykonywane czynności, mimikę, kostiumy, scenerię oraz zmiany scen.
Napisy rozszerzone – mają za zadanie przedstawić w formie tekstu informację przekazaną w ścieżce dźwiękowej. Od zwykłych napisów różnią się tym, że oprócz wypowiadanych kwestii zawierają również opis wszelkich istotnych dźwięków.
Uwaga: Dla widzów, którzy chcą skorzystać z audiodeskrypcji dostępne będą odbiorniki. Ze względów higienicznych zachęcamy do przyniesienia własnych słuchawek.
Listy z Wilczej
W centrum Warszawy, na ulicy Wilczej, Arjun Talwar – reżyser pochodzący z Indii – wciąż zmaga się z poczuciem obcości, mimo że mieszka tu już od dekady. Chcąc lepiej zrozumieć swoje otoczenie, zaczyna filmować sąsiadów i ich codzienne życie. Jego kamera staje się narzędziem obserwacji, ale też katalizatorem emocji, które wystawiają relacje z mieszkańcami na próbę. Wilcza, z pozoru zwyczajna ulica, zaczyna odsłaniać swoje sekrety i ludzkie dramaty.
Z pomocą Mo – dawnej koleżanki ze studiów, również imigrantki i reżyserki – Arjun odkrywa złożony świat ludzi, którzy, podobnie jak on, próbują odnaleźć się między dawnym a nowym domem. Poznaje listonosza, który rozdaje recepty na samotność, Syryjczyka z Damaszku odtwarzającego z pamięci utracone miasto oraz wędrującą orkiestrę dętą, niosącą muzykę ponad granicami. Każda z tych postaci dodaje ulicy własny rytm i barwę.
Z biegiem czasu Arjun dostrzega, że jego film nie jest tylko dokumentem, ale też próbą zrozumienia siebie i innych. Ulica Wilcza staje się przestrzenią spotkania różnych kultur, języków i wspomnień. W tym zderzeniu przeszłości z teraźniejszością rodzi się nowa wspólnota – krucha, ale prawdziwa.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Z pomocą Mo – dawnej koleżanki ze studiów, również imigrantki i reżyserki – Arjun odkrywa złożony świat ludzi, którzy, podobnie jak on, próbują odnaleźć się między dawnym a nowym domem. Poznaje listonosza, który rozdaje recepty na samotność, Syryjczyka z Damaszku odtwarzającego z pamięci utracone miasto oraz wędrującą orkiestrę dętą, niosącą muzykę ponad granicami. Każda z tych postaci dodaje ulicy własny rytm i barwę.
Z biegiem czasu Arjun dostrzega, że jego film nie jest tylko dokumentem, ale też próbą zrozumienia siebie i innych. Ulica Wilcza staje się przestrzenią spotkania różnych kultur, języków i wspomnień. W tym zderzeniu przeszłości z teraźniejszością rodzi się nowa wspólnota – krucha, ale prawdziwa.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Międzynarodowy Dzień Animacji
Idea Międzynarodowego Dnia Animacji zrodziła się na początku XXI wieku dla upamiętnienia pierwszego publicznego pokazu animacji Theatre Optique Emile’a Reynauda, który odbył się 28 października 1892 roku w Grevin Museum w Paryżu. Powszechnie uznaje się to wydarzenie za symboliczny początek nowożytnej historii animacji. Od 2002 roku MDA jest flagowym wydarzeniem organizowanym na całym świecie przez - obchodzące w tym roku 65 lat istnienia - Międzynarodowe Stowarzyszenie Twórców Filmu Animowanego (Association Internationale du Film d’Animation – ASIFA), we współpracy z licznymi organizacjami i festiwalami, w tym z Festiwalem O!PLA.
NAJLEPSZE ŻYCZENIA Z OKAZJI MOJEJ PODRÓŻY / BONVOYAGE POUR MONVOYAGE (Indie, 2024, 05:00), reż. Akshit Kumar,
Eksperymentalny animowany reportaż podróżniczy, w którym autor przedstawia swoje doświadczenia z podróży do różnych indyjskich miast. Indie, znane z bogatej różnorodności
kulturowej, oferują szeroki wachlarz doświadczeń, które zostają tu wyrażone za pomocą różnych technik animacji. To bardzo osobisty film, który nie tylko ukazuje to, co twórca zobaczył, ale także oddaje jego emocje, w tym szczęście, samotność, poczucie spełnienia i przynależności.
LAUREAT BRĄZOWGO OSCARA NA STUDENT ACADEMY AWARDS 2024
SPLECIONA / BRAIDED (USA, 2023, 6:19), reż. Chenxi Zhang,
Mama zawsze tak mocno zaplatała mi włosy w warkocze. Pewnego dnia obcięła mi je. Od czasu do czasu czuję delikatne, ale głębokie szarpnięcie. Dotykam naszej nierozerwalnej więzi na ścieżce i drodze kobiecego rozwoju, na którą nie jesteśmy przygotowane.
CIEMNY POMARAŃCZOWY / DARK ORANGE (Iran, 2024, 06:01), reż. Zahra Azadpour,
Film opowiada o młodej parze, która pozornie wiedzie spokojne życie, ale w ich związku pojawiają się poważne problemy. Kobieta cierpi z powodu jednostronnego związku emocjonalnego i dokłada wszelkich starań, aby go poprawić. On ignoruje jednak jej uczucia, traktuje ją przedmiotowo, jednocześnie uważa się za feministę i obrońcę praw kobiet. Krytykuje przemoc fizyczną i uczestniczy w Międzynarodowym Dniu Przemocy wobec Kobiet.
DESI OON (Indie, 2025, 07:03), reż. Suresh Eriyat,
Film przedstawia głęboką więź między wełną dekańską, ziemią i jej mieszkańcami, podkreślając jej kulturowe, duchowe i ekologiczne znaczenie. Zagłębia się w odporność owiec dekańskich, tradycje pasterskie i świętą rolę wełny w życiu codziennym. Poprzez historię Balu Mamy i jego czczonego stada, film kontrastuje bogate dziedzictwo z współczesnym zaniedbaniem rodzimego indyjskiego przemysłu owczarskiego i wełnianego. W obliczu jego upadku, stawia przejmujące pytanie – czy mądrość przeszłości może zainspirować przyszłość, w której pasterstwo i tradycje pasterskie znów będą cenione?
EKS (naciśnij wewnętrzne ja i wielokrotne ponowne przeżywanie)POZYCJA / EX(press inner self and multiple re-experience re-ex)HIBITION (Tajwan, 2024, 07:48), reż. Wan-Qi Peng
Sztuka jest odbiciem naszego wewnętrznego „ja”. Czy poprzez powrót do dawnych prac możemy odkryć głębszą ścieżkę do zrozumienia naszego wewnętrznego świata i rozwiązania długotrwałych konfliktów?
STRACHLIWA RYBAAA / FearISH (Iran, 2024, 04:00), reż. Soheila Madadi
Głodna ryba szuka pożywienia w swoim akwarium, ale jej świat zostaje nagle zakłócony, gdy spotyka ją coś nieoczekiwanego...
NIE WIEM CO ROBIĆ / I DON'T KNOW WHAT TO DO (Hiszpania, 2024, 04:30), reż. Akshita Tyagi,
Leyla Belarbi, Lia Macruz
Historia małej dziewczynki o imieniu Lizzie, która spędza popołudnie bawiąc się z jaszczurką znalezioną w swoim ogrodzie. W pewnym momencie dochodzi jednak do wypadku...
NIEKOMPLETNY / IMMATURE (Niderlandy, Tajwan, 2024, 06:00), reż. Eddy Wu, St. Joost
Animowany dokument, który zgłębia płynność i złożoność tożsamości płciowej przez pryzmat wizerunku ciała. Film zagłębia się w ewoluujące doświadczenia transpłciowego, homoseksualnego mężczyzny, ukazując niuanse jego autoeksploracji. Podkreślając piękno w ciągłym procesie
stawania się, kwestionując normy społeczne i konwencjonalne ramy płciowe. Film odzwierciedla wrażliwość, odporność i siłę, które wiążą się z akceptacją swojego prawdziwego „ja”. Oferuje
świeżą perspektywę na powiązanie tożsamości płciowej z wizerunkiem ciała, zachęcając widzów do ponownego przemyślenia relacji między ciałem, tożsamością a postrzeganiem siebie.
GRZYB, ZIEMNIAK I RYBA / MUSHROOM POTATO FISH (USA, 2025, 03:35), reż. Yusi Tao,
Mały, pulchny człowieczek Ziemniak, wędrując po nadmorskich klifach, znajduje grzyby. Postanawia zjeść kilka i od razu zachwyca się ich smakiem. Przemieszcza się więc z miejsca na miejsce, chcąc zebrać ich jak najwięcej. Podczas gdy on nieustannie zbiera grzyby, drapieżna ryba podąża za zarodnikami grzyba, licząc na znalezienie kolejnego posiłku...
SKRFF (USA/Austria, 2024, 07:03), reż. Corrie Francis Parks, Daniel Nuderscher
40-letnia ściana z graffiti staje się stanowiskiem archeologicznym i obrazem sgraffito, gdy dawno zapomniane warstwy farby zostają odsłonięte i przekształcone w fajerwerki kolorów i kształtów. Połączenie animacji poklatkowej z przejmującymi dźwiękami kompresuje dekady artystycznej, politycznej i kulturowej ekspresji w nowy wymiar audiowizualny. Kierowani frustracją związaną z globalnym wzrostem toksycznych ideologii, artyści stworzyli tę metaforę sztuki ulicznej, próbując
poznać i zrozumieć przeszłość i teraźniejszość.
STADO ZAPOMNIANYCH TWARZY / THE FLOCK OF FORGOTTEN FACES (USA 2025, 05:40), reż. A.B. Osborne, Emily McBrayer Hogue,
Dziewczyna o imieniu Lacuna, przypominająca ptaka, trafia do tajemniczego pociągu, którego pasażerowie noszą maski. Odkrywając pod maskami wyjątkowe twarze, Lacuna zwraca na siebie uwagę autorytarnego Konduktora...
GLINIANE LALKI / THÓO-KONG-Á (Tajwan, 2025, 06:00), reż. Tzu-Yun Huang, Chaoyang
Film zgłębia tradycyjny tajwański rytuał zbierania kości. Historia opowiada o młodym mężczyźnie wychowanym przez dziadka, kolekcjonera kości. Po śmierci dziadka, bohater osobiście odprawia dla niego ów rytuał. W miarę trwania ceremonii, poprzez fragmenty wspomnień, przypomina sobie
łączącą ich więź. Film porusza tematy rodziny, straty i kulturowej wartości tradycji pogrzebowych – ujawniając, że ten zanikający rytuał nie dotyczy tylko śmierci, ale jest potężnym aktem miłości i
pamięci.
DZIKIE ZWIERZĘ / WILD ANIMAL (USA 2024, 12:36), reż. Tianyun Lyu
Mieszkający w surowej, odległej wiosce myśliwy uważa, że jego syn jest zbyt słaby na dziką przyrodę. W przeciwieństwie do ojca, który nie okazuje zwierzętom litości, syn nie chce ich krzywdzić. Gdy pewnego razu próbuje pomóc szczenięciu wilka, przerażone szczenię gryzie go, a on odrzuca je ze strachu. Poczucie winy sprawia jednak, że, pomimo burzy śnieżnej, zawraca, by
uratować młodego wilka. Kiedy ojciec zdaje sobie sprawę, że jego syn zaginął, wpada w panikę.
ZWYCIĘŻCZYNI ASIFA STUDEN AWARD 2025
NAJLEPSZE ŻYCZENIA Z OKAZJI MOJEJ PODRÓŻY / BONVOYAGE POUR MONVOYAGE (Indie, 2024, 05:00), reż. Akshit Kumar,
Eksperymentalny animowany reportaż podróżniczy, w którym autor przedstawia swoje doświadczenia z podróży do różnych indyjskich miast. Indie, znane z bogatej różnorodności
kulturowej, oferują szeroki wachlarz doświadczeń, które zostają tu wyrażone za pomocą różnych technik animacji. To bardzo osobisty film, który nie tylko ukazuje to, co twórca zobaczył, ale także oddaje jego emocje, w tym szczęście, samotność, poczucie spełnienia i przynależności.
LAUREAT BRĄZOWGO OSCARA NA STUDENT ACADEMY AWARDS 2024
SPLECIONA / BRAIDED (USA, 2023, 6:19), reż. Chenxi Zhang,
Mama zawsze tak mocno zaplatała mi włosy w warkocze. Pewnego dnia obcięła mi je. Od czasu do czasu czuję delikatne, ale głębokie szarpnięcie. Dotykam naszej nierozerwalnej więzi na ścieżce i drodze kobiecego rozwoju, na którą nie jesteśmy przygotowane.
CIEMNY POMARAŃCZOWY / DARK ORANGE (Iran, 2024, 06:01), reż. Zahra Azadpour,
Film opowiada o młodej parze, która pozornie wiedzie spokojne życie, ale w ich związku pojawiają się poważne problemy. Kobieta cierpi z powodu jednostronnego związku emocjonalnego i dokłada wszelkich starań, aby go poprawić. On ignoruje jednak jej uczucia, traktuje ją przedmiotowo, jednocześnie uważa się za feministę i obrońcę praw kobiet. Krytykuje przemoc fizyczną i uczestniczy w Międzynarodowym Dniu Przemocy wobec Kobiet.
DESI OON (Indie, 2025, 07:03), reż. Suresh Eriyat,
Film przedstawia głęboką więź między wełną dekańską, ziemią i jej mieszkańcami, podkreślając jej kulturowe, duchowe i ekologiczne znaczenie. Zagłębia się w odporność owiec dekańskich, tradycje pasterskie i świętą rolę wełny w życiu codziennym. Poprzez historię Balu Mamy i jego czczonego stada, film kontrastuje bogate dziedzictwo z współczesnym zaniedbaniem rodzimego indyjskiego przemysłu owczarskiego i wełnianego. W obliczu jego upadku, stawia przejmujące pytanie – czy mądrość przeszłości może zainspirować przyszłość, w której pasterstwo i tradycje pasterskie znów będą cenione?
EKS (naciśnij wewnętrzne ja i wielokrotne ponowne przeżywanie)POZYCJA / EX(press inner self and multiple re-experience re-ex)HIBITION (Tajwan, 2024, 07:48), reż. Wan-Qi Peng
Sztuka jest odbiciem naszego wewnętrznego „ja”. Czy poprzez powrót do dawnych prac możemy odkryć głębszą ścieżkę do zrozumienia naszego wewnętrznego świata i rozwiązania długotrwałych konfliktów?
STRACHLIWA RYBAAA / FearISH (Iran, 2024, 04:00), reż. Soheila Madadi
Głodna ryba szuka pożywienia w swoim akwarium, ale jej świat zostaje nagle zakłócony, gdy spotyka ją coś nieoczekiwanego...
NIE WIEM CO ROBIĆ / I DON'T KNOW WHAT TO DO (Hiszpania, 2024, 04:30), reż. Akshita Tyagi,
Leyla Belarbi, Lia Macruz
Historia małej dziewczynki o imieniu Lizzie, która spędza popołudnie bawiąc się z jaszczurką znalezioną w swoim ogrodzie. W pewnym momencie dochodzi jednak do wypadku...
NIEKOMPLETNY / IMMATURE (Niderlandy, Tajwan, 2024, 06:00), reż. Eddy Wu, St. Joost
Animowany dokument, który zgłębia płynność i złożoność tożsamości płciowej przez pryzmat wizerunku ciała. Film zagłębia się w ewoluujące doświadczenia transpłciowego, homoseksualnego mężczyzny, ukazując niuanse jego autoeksploracji. Podkreślając piękno w ciągłym procesie
stawania się, kwestionując normy społeczne i konwencjonalne ramy płciowe. Film odzwierciedla wrażliwość, odporność i siłę, które wiążą się z akceptacją swojego prawdziwego „ja”. Oferuje
świeżą perspektywę na powiązanie tożsamości płciowej z wizerunkiem ciała, zachęcając widzów do ponownego przemyślenia relacji między ciałem, tożsamością a postrzeganiem siebie.
GRZYB, ZIEMNIAK I RYBA / MUSHROOM POTATO FISH (USA, 2025, 03:35), reż. Yusi Tao,
Mały, pulchny człowieczek Ziemniak, wędrując po nadmorskich klifach, znajduje grzyby. Postanawia zjeść kilka i od razu zachwyca się ich smakiem. Przemieszcza się więc z miejsca na miejsce, chcąc zebrać ich jak najwięcej. Podczas gdy on nieustannie zbiera grzyby, drapieżna ryba podąża za zarodnikami grzyba, licząc na znalezienie kolejnego posiłku...
SKRFF (USA/Austria, 2024, 07:03), reż. Corrie Francis Parks, Daniel Nuderscher
40-letnia ściana z graffiti staje się stanowiskiem archeologicznym i obrazem sgraffito, gdy dawno zapomniane warstwy farby zostają odsłonięte i przekształcone w fajerwerki kolorów i kształtów. Połączenie animacji poklatkowej z przejmującymi dźwiękami kompresuje dekady artystycznej, politycznej i kulturowej ekspresji w nowy wymiar audiowizualny. Kierowani frustracją związaną z globalnym wzrostem toksycznych ideologii, artyści stworzyli tę metaforę sztuki ulicznej, próbując
poznać i zrozumieć przeszłość i teraźniejszość.
STADO ZAPOMNIANYCH TWARZY / THE FLOCK OF FORGOTTEN FACES (USA 2025, 05:40), reż. A.B. Osborne, Emily McBrayer Hogue,
Dziewczyna o imieniu Lacuna, przypominająca ptaka, trafia do tajemniczego pociągu, którego pasażerowie noszą maski. Odkrywając pod maskami wyjątkowe twarze, Lacuna zwraca na siebie uwagę autorytarnego Konduktora...
GLINIANE LALKI / THÓO-KONG-Á (Tajwan, 2025, 06:00), reż. Tzu-Yun Huang, Chaoyang
Film zgłębia tradycyjny tajwański rytuał zbierania kości. Historia opowiada o młodym mężczyźnie wychowanym przez dziadka, kolekcjonera kości. Po śmierci dziadka, bohater osobiście odprawia dla niego ów rytuał. W miarę trwania ceremonii, poprzez fragmenty wspomnień, przypomina sobie
łączącą ich więź. Film porusza tematy rodziny, straty i kulturowej wartości tradycji pogrzebowych – ujawniając, że ten zanikający rytuał nie dotyczy tylko śmierci, ale jest potężnym aktem miłości i
pamięci.
DZIKIE ZWIERZĘ / WILD ANIMAL (USA 2024, 12:36), reż. Tianyun Lyu
Mieszkający w surowej, odległej wiosce myśliwy uważa, że jego syn jest zbyt słaby na dziką przyrodę. W przeciwieństwie do ojca, który nie okazuje zwierzętom litości, syn nie chce ich krzywdzić. Gdy pewnego razu próbuje pomóc szczenięciu wilka, przerażone szczenię gryzie go, a on odrzuca je ze strachu. Poczucie winy sprawia jednak, że, pomimo burzy śnieżnej, zawraca, by
uratować młodego wilka. Kiedy ojciec zdaje sobie sprawę, że jego syn zaginął, wpada w panikę.
ZWYCIĘŻCZYNI ASIFA STUDEN AWARD 2025
Miłość
Film opowiada o uczuciach w erze cyfrowej, gdzie podjęcie jakiegokolwiek zobo¬wiązania nie wydaje się wcale takie oczywiste. Haugerud zastanawia się nie tylko nad problemem komunikacji mię¬dzy ludźmi, ale i nad tym, jakie dzisiaj stawiamy wobec siebie oczekiwania.
Czterdziestokilkuletnia lekarka Marianne (w tej roli gwiazda norweskiego kina Andrea Bræin Hovig), podobnie jak pracujący na co dzień jako pielęgniarz Tor (Tayo Cittadella Jacobsen), zdecydowanie lepiej odnajduje się w życiu zawodowym niż prywatnym. Wbrew normom społecznym oboje szukają intymności poza granicami konwencjonalnych relacji. Pewnego wieczoru Marianne i Tor przypadkowo trafiają na siebie na promie. Wracająca do domu kobieta szybko przekonuje się, że dla bohatera „rejsy” po Oslo to rodzaj częstej nocnej rutyny. Poznani za pomocą aplikacji randkowych mężczyźni stają się dla niego szansą na przelotną znajomość i chwile spontanicznej intymności. Zaintrygowana jego perspektywą Marianne zaczyna się zastanawiać, czy taka forma relacji może być również opcją dla niej.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Czterdziestokilkuletnia lekarka Marianne (w tej roli gwiazda norweskiego kina Andrea Bræin Hovig), podobnie jak pracujący na co dzień jako pielęgniarz Tor (Tayo Cittadella Jacobsen), zdecydowanie lepiej odnajduje się w życiu zawodowym niż prywatnym. Wbrew normom społecznym oboje szukają intymności poza granicami konwencjonalnych relacji. Pewnego wieczoru Marianne i Tor przypadkowo trafiają na siebie na promie. Wracająca do domu kobieta szybko przekonuje się, że dla bohatera „rejsy” po Oslo to rodzaj częstej nocnej rutyny. Poznani za pomocą aplikacji randkowych mężczyźni stają się dla niego szansą na przelotną znajomość i chwile spontanicznej intymności. Zaintrygowana jego perspektywą Marianne zaczyna się zastanawiać, czy taka forma relacji może być również opcją dla niej.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Ostatni wiking
Po czternastu latach odsiadki Anker wychodzi z więzienia z jednym celem: odzyskać zrabowaną fortunę. Problem w tym, że łup ukrył jego brat – Manfred, który dziś przedstawia się jako John Lennon i dryfuje we własnym świecie zaburzonej tożsamości. Dla brutalnego, impulsywnego Ankera krucha psychika Manfreda to pole minowe – a zarazem jedyna droga do celu.
Na tropie zaginionych pieniędzy bracia trafiają na ekipę osobliwych wyrzutków, którzy zamiast pomóc, tylko komplikują sprawy. Aby odzyskać fortunę, Anker musi reaktywować legendarny zespół The Beatles – bo tylko John Lennon zna miejsce ukrycia łupu.
„Ostatni wiking” to szalona, pełna absurdu jazda bez trzymanki przez przeszłość, popękaną psychikę, braterską lojalność i świat, w którym logika przestała obowiązywać.
Nagrodzony Oscarem reżyser Anders Thomas Jensen po raz kolejny udowadnia, że w duecie z Madsem Mikkelsenem tworzy filmy kultowe.
Na tropie zaginionych pieniędzy bracia trafiają na ekipę osobliwych wyrzutków, którzy zamiast pomóc, tylko komplikują sprawy. Aby odzyskać fortunę, Anker musi reaktywować legendarny zespół The Beatles – bo tylko John Lennon zna miejsce ukrycia łupu.
„Ostatni wiking” to szalona, pełna absurdu jazda bez trzymanki przez przeszłość, popękaną psychikę, braterską lojalność i świat, w którym logika przestała obowiązywać.
Nagrodzony Oscarem reżyser Anders Thomas Jensen po raz kolejny udowadnia, że w duecie z Madsem Mikkelsenem tworzy filmy kultowe.
Prawdziwy ból
Prawdziwy ból to historia kuzynów Davida i Benji'ego, którzy razem wybierają się do Polski, aby uczcić pamięć ukochanej babci. Podczas tej podróży, odkrywają nie tylko nieznane dotąd miejsca oraz fakty z historii ich rodziny, ale próbują też odbudować trudne i pełne napięć relacje.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Pragniemy przypomnieć, że w Kinie CK obowiązuje hasło „Kino, nie popcorn”, które oznacza, że stawiamy na seanse bez wszechobecnych chrupiących przekąsek oraz bloków reklamowych. Godziny seansów w naszym kinie są więc równoznaczne z rozpoczęciem projekcji filmowej. Prosimy o punktualne przybycie.
Sceny, które nie weszły
Sceny, które nie weszły to zupełnie nowa forma stworzona przez grupę Oł Maj Gad. Najbardziej rozpoznawalne sceny z kultowego już filmu "Titanic" zostały przez nich pokazane w nowy, zabawny sposób. Wyobraźmy sobie sytuację, że reżyser z wielkim ego i operator kamery gapa dostali propozycję życia - mają nakręcić sceny z filmu Jamesa Camerona w nowej, polskiej odsłonie, a następnie wysłać do Hollywood. Nic jednak nie idzie po ich myśli i to powoduje mnóstwo wpadek, z których nie da się nie śmiać. Miłość, którą pokazano w filmie traci nieco na powadze i ukazuje swoje różne oblicza. To spektakl-widowisko, które sprawdzi się w każdych warunkach, rozśmieszy widza i da potrzebny nam wszystkim oddech
Szkoda, że nareszcie
Film przedstawia postać Jacka „Budynia” Szymkiewicza – nietuzinkowego, utalentowanego artysty i osobowości scenicznej, znanego z wyjątkowych, poetyckich tekstów i pasji do muzyki. Postać Budynia ukazana jest bez kategoryzacji, specjalnych ubarwień i ustalonej tezy. Był twórcą niebanalnym, trudnym do uchwycenia, czułym i empatycznym, ale także nieoczekiwanie szalonym i kontrowersyjnym. To opowieść o relacjach międzyludzkich, zdrowiu psychicznym i uzależnieniach, a wszystko dzieje się na tle społecznego przełomu lat 90. ubiegłego wieku.
Teatr seniora - Fredro Rock
Jedyna w swoim rodzaju kompilacja najciekawszych tekstów polskiego mistrza komedii – Aleksandra Fredry, w wykonaniu aktorów Teatru Seniora, w rytm klasycznych rockowych hitów!
Michał Zgiet wybrał sceny komedii Aleksandra Fredry i umieścił je w nieoczywistej stylistyce lat 60. XX wieku. To kolejny dowód na to, że perypetie opisane w dziełach jednego z naszych najwybitniejszych komediopisarzy są ponadczasowe.
Reżyseria: Michał Zgiet
Obsada: Teresa Chojnacka-Gajkoś, Grażyna Czarnota, Milena Galicka, Zenobia Kotuła, Elżbieta Kurpińska, Anna Kuszneruk, Maria Lipiec, Jadwiga Miszczuk, Zofia Wronko-Mitrut, Leszek Jędruszak, Jerzy Kałduś, Andrzej Samborski, Henryk Szuba
Michał Zgiet wybrał sceny komedii Aleksandra Fredry i umieścił je w nieoczywistej stylistyce lat 60. XX wieku. To kolejny dowód na to, że perypetie opisane w dziełach jednego z naszych najwybitniejszych komediopisarzy są ponadczasowe.
Reżyseria: Michał Zgiet
Obsada: Teresa Chojnacka-Gajkoś, Grażyna Czarnota, Milena Galicka, Zenobia Kotuła, Elżbieta Kurpińska, Anna Kuszneruk, Maria Lipiec, Jadwiga Miszczuk, Zofia Wronko-Mitrut, Leszek Jędruszak, Jerzy Kałduś, Andrzej Samborski, Henryk Szuba
Together
Uczucie łączące Millie i Tima zaczyna przybierać niepokojącą formę. Ich związek, życie i ciała wkrótce ulegną przerażającej transformacji.
Wizjonerski horror, który zachwyci fanów „SUBSTANCJI” przesuwając jeszcze dalej granice niewyobrażalnego.
Bezkompromisowa wizja miłości, która przeistacza się w przerażającą, toksyczną pułapkę. Film, który wdziera się do historii kina, tworząc nowy gatunek Hor-rom-com!
Zakochani Millie i Tim wprowadzają się do pięknego domu w idyllicznej małej miejscowości. Wszystko wskazuje na to, że tu ich uczucie będzie mogło w pełni rozkwitnąć. Jednak na skutek pewnego pozornie drobnego incydentu wszystko, co ich łączy zaczyna przybierać niepokojącą formę. Ich związek, ich życie, ich ciała wkrótce ulegną przerażającej transformacji.
Wizjonerski horror, który zachwyci fanów „SUBSTANCJI” przesuwając jeszcze dalej granice niewyobrażalnego.
Bezkompromisowa wizja miłości, która przeistacza się w przerażającą, toksyczną pułapkę. Film, który wdziera się do historii kina, tworząc nowy gatunek Hor-rom-com!
Zakochani Millie i Tim wprowadzają się do pięknego domu w idyllicznej małej miejscowości. Wszystko wskazuje na to, że tu ich uczucie będzie mogło w pełni rozkwitnąć. Jednak na skutek pewnego pozornie drobnego incydentu wszystko, co ich łączy zaczyna przybierać niepokojącą formę. Ich związek, ich życie, ich ciała wkrótce ulegną przerażającej transformacji.
Życie dla początkujących
Przewrotna komedia o tym, że wampirów nie trzeba się bać.
Introwertyczna Monia (pierwsza główna rola Magdaleny Maścianicy) jest wampirzycą. Zatrudnienie w domu spokojnej starości pozwala jej żywić się pobieraną niezauważenie krwią od zmarłych pacjentów, a kontakty międzyludzkie ograniczać do rozmów z dotkniętymi demencją seniorami. Czuje się bezpiecznie i pewnie mogłaby jeszcze tak długo funkcjonować, gdyby na jej drodze nie stanął pewien śmiertelnik – Czarek (Michał Sikorski).
Chłopak jest pierwszą osobą, która odkrywa sekret Moni, ale nikomu go nie ujawnia. W tym samym czasie w ośrodku zaczynają dziać się niepokojące rzeczy. Na ciele zmarłych pacjentów zostają znalezione ślady ugryzień. Czyżby Monia zapomniała o środkach ostrożności i postanowiła pójść na całość?
Pełnometrażowy debiut Pawła Podolskiego rzuca nowe światło na polskie kino wampiryczne. Oryginalne poczucie humoru w połączeniu z refleksją na temat kruchości życia i brakiem zgody na przemijanie tworzy prawdziwą mieszankę wybuchową.
Introwertyczna Monia (pierwsza główna rola Magdaleny Maścianicy) jest wampirzycą. Zatrudnienie w domu spokojnej starości pozwala jej żywić się pobieraną niezauważenie krwią od zmarłych pacjentów, a kontakty międzyludzkie ograniczać do rozmów z dotkniętymi demencją seniorami. Czuje się bezpiecznie i pewnie mogłaby jeszcze tak długo funkcjonować, gdyby na jej drodze nie stanął pewien śmiertelnik – Czarek (Michał Sikorski).
Chłopak jest pierwszą osobą, która odkrywa sekret Moni, ale nikomu go nie ujawnia. W tym samym czasie w ośrodku zaczynają dziać się niepokojące rzeczy. Na ciele zmarłych pacjentów zostają znalezione ślady ugryzień. Czyżby Monia zapomniała o środkach ostrożności i postanowiła pójść na całość?
Pełnometrażowy debiut Pawła Podolskiego rzuca nowe światło na polskie kino wampiryczne. Oryginalne poczucie humoru w połączeniu z refleksją na temat kruchości życia i brakiem zgody na przemijanie tworzy prawdziwą mieszankę wybuchową.