Róża
Andrzej Rusin – absolwent historii na UMCS, lubelski animator kultury, instruktor filmowy w Centrum Kultury w Lublinie, gdzie koordynuje Pracownię Kino CK. Zajmuje się pracą warsztatową z młodzieżą i organizacją pokazów filmowych. Od 2012 r. jest jurorem Unia Film Festival, w latach 2008-2019 był jurorem Lubelskiego Wyróżnienia Kulturalnego Żurawie, a w 2023 r. – członkiem jury Festiwalu Filmowego Opolskie Lamy. W latach 2012-2015 oraz 2019-2020 był konsultantem programów stypendialnych MKiDN. Jako instruktor uczestniczył w wielu filmowych projektach edukacyjnych. W ramach Lubelskiego Festiwalu Filmowego zajmuje się selekcją filmów krótkometrażowych, szczególnie interesuje się krótkim metrażem twórców z krajów Europy Wschodniej.
Dorota Monkiewicz – absolwentka historii na UMCS i filozofii teoretycznej na KUL, edukatorka i filozofka, redaktorka działu edukacji filozoficznej w czasopiśmie „Filozofuj!”. Współautorka II tomu książki „Filozofuj z dziećmi i młodzieżą” (2021). Od 2022 roku związana ze współtworzeniem przestrzeni kulturalnej Rezerwat Dzikich Dzieci. Na co dzień pracuje w Centrum Kultury w Lublinie, gdzie odpowiada m.in. za edukację filmową.
Cykl: Kulisy Historii
Historię piszą zwycięzcy, ale to kinematografia dociera poza suche fakty i odkrywa sekrety, które wpłynęły na losy świata.
Dołączcie do nowego cyklu filmowego „Kulisy historii”! Razem zajrzymy za kulisy dziejów i na podstawie poruszających filmów fabularnych otworzymy dyskusję o minionych wiekach, wielkich bohaterach i zapomnianych wydarzeniach.
Dorota Monkiewicz – absolwentka historii na UMCS i filozofii teoretycznej na KUL, edukatorka i filozofka, redaktorka działu edukacji filozoficznej w czasopiśmie „Filozofuj!”. Współautorka II tomu książki „Filozofuj z dziećmi i młodzieżą” (2021). Od 2022 roku związana ze współtworzeniem przestrzeni kulturalnej Rezerwat Dzikich Dzieci. Na co dzień pracuje w Centrum Kultury w Lublinie, gdzie odpowiada m.in. za edukację filmową.
Cykl: Kulisy Historii
Historię piszą zwycięzcy, ale to kinematografia dociera poza suche fakty i odkrywa sekrety, które wpłynęły na losy świata.
Dołączcie do nowego cyklu filmowego „Kulisy historii”! Razem zajrzymy za kulisy dziejów i na podstawie poruszających filmów fabularnych otworzymy dyskusję o minionych wiekach, wielkich bohaterach i zapomnianych wydarzeniach.
30.MSTT: AGNIETE LISICKINAITE & IGOR SHUGALEEV BE COMPANY “CLAP & SLAP”
CLAP & SLAP bada napięcia w Europie Wschodniej po inwazji Rosji na Ukrainę. Poprzez osobiste doświadczenia, artyści Agnietė i Igor próbują na scenie prowadzić dialog zawieszony między strachem a działaniem, odpowiedzialnością a geopolityczną tragedią. Spektakl skłania do refleksji politycznej i filozoficznej: jak zrównoważyć samoobronę, nie odpowiadając agresją, jak chronić wolność, nie naruszając praw innych? Wybrany do Aerowaves Twenty26 i nagrodzony na Sirenos 2025.
30.MSTT: ANTON LACHKY & ELEONORE VALERE COMPANY “noVLand”
Jest rok 3000 na Ziemi i nikt nie pamięta, że ludzie kiedyś rozmawiali, opowiadali historie... Nikt nie pamięta, że kiedyś potrafili się śmiać, tańczyć, kochać... Dzisiaj ludzie wiedzą tylko jedną rzecz: pewnego dnia pójdą do noVLand. Więc idą, raz za razem, mimo że ciągle zapominają, dlaczego idą. Mimo, że już nie wiedzą, dlaczego muszą tam dotrzeć. Ale właśnie teraz, na Ziemi, wydarzyło się coś zupełnie niespodziewanego... Wydarzenie, które może na zawsze zmienić bieg rzeczy...
30.MSTT: Compagnie Accrorap / Kader Attou „Prélude”
Prélude to intensywne spotkanie narastającej głośności muzyki Romain’a Dubois z surową fizycznością ruchu tancerzy hip-hop. Wybijając rytm, tancerze łączą się w jedno ciało napędzane wirtuozerią i impetem. Publiczność zostaje wciągnięta w pełną energii podróż przez emocje tancerzy, wspólny oddech i w finale - choreograficzną wolność.
Adres: Centrum Spotkania Kultur w Lublinie | PLAC TEATRALNY 1, 20-029 LUBLIN
Adres: Centrum Spotkania Kultur w Lublinie | PLAC TEATRALNY 1, 20-029 LUBLIN
30.MSTT: Compagnie Maguy Marin „May B”
Dzięki wynalezieniu zwięzłego języka ekspresji May B wprawia w uporządkowany ruch bezwolnie dryfującą procesję istot ludzkich, przekształcając w inną formę to, co śmieszne, gwałtowne i niepokojące. Siła tego tańca tkwi w jego zdolności do przedstawienia tajemnicy naszej obecności w świecie.
Adres: Centrum Spotkania Kultur w Lublinie | PLAC TEATRALNY 1, 20-029 LUBLIN
Adres: Centrum Spotkania Kultur w Lublinie | PLAC TEATRALNY 1, 20-029 LUBLIN
30.MSTT: La Pieuvre “Portrait”
Portrait symbolizuje pragnienie uchwycenia ulotnej tożsamości, przedstawienia jej, aby ją zachować przy życiu. Zainspirowany pracami Cindy Sherman, Franceski Woodman i Modiglianiego, podąża ścieżką, na której pojawia się i znika. Jak w muzeum selfie, bawi się czasem, szukając zmiennych stanów między tu i teraz a wiecznością, między pięknem a horrorem. Cztery postacie zwracają się zarówno ku publiczności, jak i do lustra. Ciała przechodzą od wirtualnych do kruchych jak szkło, ukazując popękane tożsamości w czarnej skrzyni camera obscura.
30.MSTT: Młoda Generacja
IN THE QUIET ROOM
Choreografia: Anastasiia Khvorost
Wykonanie: Oleksandr Ostafiichuk, Justyna Wrońska
Punktem wyjścia do choreografii jest obraz Edwarda Hoppera pt. „Room
in New York" (1932).
Inspiracją stała się atmosfera emocjonalnej izolacji oraz napięcia
obecnego pomiędzy dwojgiem ludzi znajdujących się w jednej
przestrzeni, lecz pozostających w wewnętrznym oddaleniu.
Spektakl bada stan „samotności we dwoje", ciszy gęstej od
niewypowiedzianych słów oraz moment, w którym ruch rodzi się z
bezruchu. Punktem dramaturgicznym jest motyw pojedynczego dźwięku
fortepianu – traktowanego jako gest, próba kontaktu, impuls do
powstani tańca.
Choreografia rozwija się od „niezatańczoności" – surowego, niemal
niewidocznego ruchu – ku stopniowemu zagęszczeniu relacji i fizycznej
kulminacji, która nie przynosi rozwiązania, lecz pozostawia otwartą
przestrzeń napięcia.
,,Interesting = everything x long” – FAZA Dance Company
Choreografia - Klara Twardowska
Wyk. Nela Tołwińska, Joanna Wścieklicka
Muzyka - Krzysztof Pikuła/Rzekomo
Reżyseria - Beniamin Koc
Video/foto - Małgorzata Kępa
Wszystko staje się interesujące, jeśli poświęcimy temu
wystarczająco dużo uwagi.
Podobnie w relacji, to co wspólne nabiera znaczenia, gdy trwamy przy
tym wystarczająco długo i pozwalamy kształtom wzajemnego istnienia
ujawniać się stopniowo..
Duet opowiada o wspólnym kształcie, o radości jego rozpoznania i o
ciekawości, z jaką można dostrzegać jego kolejne odsłony. To
opowieść o akceptacji formy takiej, jaką się ją widzi, i o
nieustannym poszukiwaniu jej nowych konfiguracji.
W rytmie ruchu, w kształtach i sekwencjach drzew, tancerze odnajdują
metafory relacji. Bliskości i oddalenia, napięcia między tym, co
wspólne, a tym, co osobne.
Jak zmienia się kształt, gdy jesteśmy obok siebie, a jak, gdy
patrzymy z dystansu?
Duet poszukuje odpowiedzi, pozwalając, by czas, uwaga i obecność
nadawały sens każdemu gestowi.
Mięso – akt zerowy
Choreografia i wykonanie: Jakub Samogranicki
Praca dotyczy ciała w przemyśle mięsnym. Ścieżka dźwiękowa
kompozycji w większości pochodzi z nagrań dokumentujących pracę
rzeźni, a materiał ruchowy został częściowo zaczerpnięty z
obserwacji ciał zwierząt funkcjonujących w systemie przemysłowym.
Istotnym odniesieniem pozostaje również figura Molocha z poematu
„Skowyt” Allena Ginsberga, rozumiana jako bezosobowy system
kierujący się chłodną kalkulacją. Moloch zyskuje tu rolę
wyobrażonego partnera scenicznego, który dyktuje działaniem ciała.
Zostaje ono sprowadzone do czysto biologicznej funkcji, a jego śmierć
pozbawiono zarówno symbolicznych, jak i duchowych znaczeń.
Once Upon a Dream
Choreografia i wykonanie: Aleksandra Kuś
Las nie pojawia się nagle
wcześniej musi wydarzyć się przypadek
ktoś skręca wzrokiem
ktoś zatrzymuje się o sekundę za długo
ktoś pojawia się wtedy,
kiedy powinien
i nawet nie wiadomo
czy to jeszcze przypadek
czy cierpliwa historia
układa dłonie na karku
prowadząc dalej
a pośród drzew
pojawia się znajoma obecność
jak wspomnienie
które wydarzyło się wcześniej
niż naprawdę
więc idzie dalej
sennie
nie dlatego, że musi
raczej dlatego,
że niektóre spotkania
wyglądają
jakby były komuś obiecane
"To/nie Ona" – Teatr Tańca ZMYSŁ
Tancerki: Anna Maziarczyk, Dominika Kowalczyk, Izabela Bejm, Justyna
Sierpień, Katarzyna Herba, Katarzyna Prus, Klaudia Kupis, Patrycja
Paździerska, Patrycja Saramak, Paula Korszla, Paula Prewencka, Weronika
Bratos, Weronika Czerniec, Weronika Mazurek, Weronika Tymińska
Choreografia: Adrianna Sawczak
Muzyka: Michał Nazimek
"W sukience butelkowej
Prezentuje, prostuje plecy
O minie żałobnej
Uśmiechniętej pełnej licy
Ciało to nie ona
Pod halką gorąca
Miękka skóra, dotknięta
Spragniona i chcąca
Drżenia zatrzymują pęta
Ona to nie ciało
Biel przysłania czoło
I wzrok, zagubiony
Czas zatacza koło
Obfite liche plony
Tonie ona ciało
Spektakl jest próbą ukazania procesu budowania kobiecej tożsamości w
kontekście seksualności oraz sensualności. Podejmowanym problemem są
napięcia występujące pomiędzy społecznymi normami i wewnętrznymi
potrzebami, oczekiwaniami i pragnieniami. Relację kobiety z jej ciałem
okazują się kształtować historia, systemy władzy, tradycje,
obyczaje. Kobieca seksualność oscyluje w kategoriach jednostkowości,
prywatności i intymności, jednocześnie pozostając na polu tego, co
zbiorowe i publiczne. Zamierzeniem spektaklu jest eksploracja
różnorodnych form kształtowania się relacji kobiet z ich
cielesnością i seksualnością."
„BOLD” - LTT2
Choreografia: Michał Adam Góral
Tancerki: Kornelia Cegłowska, Wiktoria Charkiewicz, Klara Cyfra, Aleksandra Ćwirta, Iga Dzieciuch, Malwina Majsak, Aleksandra Najda, Emilia Nowak
Spektakl czerpie z mitologii świętokrzyskiej Łysej Góry (wznoszącej się na wysokość 594 m n.p.m.), przekształcając dawny, patriarchalny mit o zjeździe czarownic w nowoczesny, fizyczny manifest siostrzeństwa i buntu. Młode kobiety spotykają się na szczycie, by przeprowadzić kolektywny rytuał odcięcia od społecznych oczekiwań, gorsetów i ról narzuconych przez otoczenie. Sabat nie jest tu hołdem dla zła, lecz bezpieczną przestrzenią radykalnej szczerości, zaufania i odzyskiwania własnego głosu oraz brania za niego odpowiedzialności.
Choreografia: Anastasiia Khvorost
Wykonanie: Oleksandr Ostafiichuk, Justyna Wrońska
Punktem wyjścia do choreografii jest obraz Edwarda Hoppera pt. „Room
in New York" (1932).
Inspiracją stała się atmosfera emocjonalnej izolacji oraz napięcia
obecnego pomiędzy dwojgiem ludzi znajdujących się w jednej
przestrzeni, lecz pozostających w wewnętrznym oddaleniu.
Spektakl bada stan „samotności we dwoje", ciszy gęstej od
niewypowiedzianych słów oraz moment, w którym ruch rodzi się z
bezruchu. Punktem dramaturgicznym jest motyw pojedynczego dźwięku
fortepianu – traktowanego jako gest, próba kontaktu, impuls do
powstani tańca.
Choreografia rozwija się od „niezatańczoności" – surowego, niemal
niewidocznego ruchu – ku stopniowemu zagęszczeniu relacji i fizycznej
kulminacji, która nie przynosi rozwiązania, lecz pozostawia otwartą
przestrzeń napięcia.
,,Interesting = everything x long” – FAZA Dance Company
Choreografia - Klara Twardowska
Wyk. Nela Tołwińska, Joanna Wścieklicka
Muzyka - Krzysztof Pikuła/Rzekomo
Reżyseria - Beniamin Koc
Video/foto - Małgorzata Kępa
Wszystko staje się interesujące, jeśli poświęcimy temu
wystarczająco dużo uwagi.
Podobnie w relacji, to co wspólne nabiera znaczenia, gdy trwamy przy
tym wystarczająco długo i pozwalamy kształtom wzajemnego istnienia
ujawniać się stopniowo..
Duet opowiada o wspólnym kształcie, o radości jego rozpoznania i o
ciekawości, z jaką można dostrzegać jego kolejne odsłony. To
opowieść o akceptacji formy takiej, jaką się ją widzi, i o
nieustannym poszukiwaniu jej nowych konfiguracji.
W rytmie ruchu, w kształtach i sekwencjach drzew, tancerze odnajdują
metafory relacji. Bliskości i oddalenia, napięcia między tym, co
wspólne, a tym, co osobne.
Jak zmienia się kształt, gdy jesteśmy obok siebie, a jak, gdy
patrzymy z dystansu?
Duet poszukuje odpowiedzi, pozwalając, by czas, uwaga i obecność
nadawały sens każdemu gestowi.
Mięso – akt zerowy
Choreografia i wykonanie: Jakub Samogranicki
Praca dotyczy ciała w przemyśle mięsnym. Ścieżka dźwiękowa
kompozycji w większości pochodzi z nagrań dokumentujących pracę
rzeźni, a materiał ruchowy został częściowo zaczerpnięty z
obserwacji ciał zwierząt funkcjonujących w systemie przemysłowym.
Istotnym odniesieniem pozostaje również figura Molocha z poematu
„Skowyt” Allena Ginsberga, rozumiana jako bezosobowy system
kierujący się chłodną kalkulacją. Moloch zyskuje tu rolę
wyobrażonego partnera scenicznego, który dyktuje działaniem ciała.
Zostaje ono sprowadzone do czysto biologicznej funkcji, a jego śmierć
pozbawiono zarówno symbolicznych, jak i duchowych znaczeń.
Once Upon a Dream
Choreografia i wykonanie: Aleksandra Kuś
Las nie pojawia się nagle
wcześniej musi wydarzyć się przypadek
ktoś skręca wzrokiem
ktoś zatrzymuje się o sekundę za długo
ktoś pojawia się wtedy,
kiedy powinien
i nawet nie wiadomo
czy to jeszcze przypadek
czy cierpliwa historia
układa dłonie na karku
prowadząc dalej
a pośród drzew
pojawia się znajoma obecność
jak wspomnienie
które wydarzyło się wcześniej
niż naprawdę
więc idzie dalej
sennie
nie dlatego, że musi
raczej dlatego,
że niektóre spotkania
wyglądają
jakby były komuś obiecane
"To/nie Ona" – Teatr Tańca ZMYSŁ
Tancerki: Anna Maziarczyk, Dominika Kowalczyk, Izabela Bejm, Justyna
Sierpień, Katarzyna Herba, Katarzyna Prus, Klaudia Kupis, Patrycja
Paździerska, Patrycja Saramak, Paula Korszla, Paula Prewencka, Weronika
Bratos, Weronika Czerniec, Weronika Mazurek, Weronika Tymińska
Choreografia: Adrianna Sawczak
Muzyka: Michał Nazimek
"W sukience butelkowej
Prezentuje, prostuje plecy
O minie żałobnej
Uśmiechniętej pełnej licy
Ciało to nie ona
Pod halką gorąca
Miękka skóra, dotknięta
Spragniona i chcąca
Drżenia zatrzymują pęta
Ona to nie ciało
Biel przysłania czoło
I wzrok, zagubiony
Czas zatacza koło
Obfite liche plony
Tonie ona ciało
Spektakl jest próbą ukazania procesu budowania kobiecej tożsamości w
kontekście seksualności oraz sensualności. Podejmowanym problemem są
napięcia występujące pomiędzy społecznymi normami i wewnętrznymi
potrzebami, oczekiwaniami i pragnieniami. Relację kobiety z jej ciałem
okazują się kształtować historia, systemy władzy, tradycje,
obyczaje. Kobieca seksualność oscyluje w kategoriach jednostkowości,
prywatności i intymności, jednocześnie pozostając na polu tego, co
zbiorowe i publiczne. Zamierzeniem spektaklu jest eksploracja
różnorodnych form kształtowania się relacji kobiet z ich
cielesnością i seksualnością."
„BOLD” - LTT2
Choreografia: Michał Adam Góral
Tancerki: Kornelia Cegłowska, Wiktoria Charkiewicz, Klara Cyfra, Aleksandra Ćwirta, Iga Dzieciuch, Malwina Majsak, Aleksandra Najda, Emilia Nowak
Spektakl czerpie z mitologii świętokrzyskiej Łysej Góry (wznoszącej się na wysokość 594 m n.p.m.), przekształcając dawny, patriarchalny mit o zjeździe czarownic w nowoczesny, fizyczny manifest siostrzeństwa i buntu. Młode kobiety spotykają się na szczycie, by przeprowadzić kolektywny rytuał odcięcia od społecznych oczekiwań, gorsetów i ról narzuconych przez otoczenie. Sabat nie jest tu hołdem dla zła, lecz bezpieczną przestrzenią radykalnej szczerości, zaufania i odzyskiwania własnego głosu oraz brania za niego odpowiedzialności.
30.MSTT: Moritz Ostruschnjak “Trailer Park by tanzmainz”
Dziesięciu tancerzy na pustej scenie, gdzieś pomiędzy światem cyfrowym a analogowym. Wirtuozerscy, młodzi, silni.
Spektakl Trailer Park Moritza Ostruschnjaka bada, jak rosnąca cyfryzacja życia wpływa na naszą fizyczną i społeczną zdolność do przeżywania tego, co naprawdę wydarza się w naszym życiu.
Korzystając z „kultury memów” jako metody, tancerze kopiują ruchy z filmików w mediach społecznościowych, aby stworzyć utwór, który przekłada przytłoczenie i fascynację internetem na ich własne ciała.
Adres: Centrum Spotkania Kultur w Lublinie | PLAC TEATRALNY 1, 20-029 LUBLIN
Spektakl Trailer Park Moritza Ostruschnjaka bada, jak rosnąca cyfryzacja życia wpływa na naszą fizyczną i społeczną zdolność do przeżywania tego, co naprawdę wydarza się w naszym życiu.
Korzystając z „kultury memów” jako metody, tancerze kopiują ruchy z filmików w mediach społecznościowych, aby stworzyć utwór, który przekłada przytłoczenie i fascynację internetem na ich własne ciała.
Adres: Centrum Spotkania Kultur w Lublinie | PLAC TEATRALNY 1, 20-029 LUBLIN
30.MSTT: NACH VAN VAN DANCE COMPANY “Nulle part est un endroit”
Stuk. Wysunięta klatka piersiowa. Na początku był krump – tymi słowami właśnie Nach otwiera tę taneczną konferencję, wynikającą z chęci podzielenia się swoją późno rozpoczętą drogą artystyczną, najpierw jako samouka oraz obejrzenia filmu Davida LaChapelle’a pt. Rize, który zaprezentował ‘Kingdom Radically Uplifted Mighty Praise’ (KRUMP) całemu pokoleniu we Francji.
Materiał archiwalny – od podróży do LA po walki uliczne w Paryżu – przeplata się z uaktywnianiem poprzez ciało i słowa, skierowanym do publiczności bezpośrednio i uderzeniowo. Ale krump nie mógł powstrzymać tej artystki przed skręceniem w inną stronę i jej własnym spojrzeniem na świat. Pierwszy, kolektywny rozdział kończy się tutaj. Reszta to prace samodzielne, zainspirowane podróżami, wędrówkami i odkryciami: kathakali, teatr lalek, flamenco w Andaluzji oraz intensywna praktyka butoh w Japonii, podczas rezydencji artystycznej, która głęboko odmieniła Nach. Ta introspektywna i ewoluująca prezentacja taneczna nasuwa myśl o rozkwicie Nach jako artystki i jej twórczym logo, które wciąż czeka na potwierdzenie. Jej eksperymenty z wykorzystaniem potencjału czarnego pudła sceny są najnowszym rozdziałem tej burzliwej historii o sobie samej, podróżującej po świecie od ponad pięciu lat.
Materiał archiwalny – od podróży do LA po walki uliczne w Paryżu – przeplata się z uaktywnianiem poprzez ciało i słowa, skierowanym do publiczności bezpośrednio i uderzeniowo. Ale krump nie mógł powstrzymać tej artystki przed skręceniem w inną stronę i jej własnym spojrzeniem na świat. Pierwszy, kolektywny rozdział kończy się tutaj. Reszta to prace samodzielne, zainspirowane podróżami, wędrówkami i odkryciami: kathakali, teatr lalek, flamenco w Andaluzji oraz intensywna praktyka butoh w Japonii, podczas rezydencji artystycznej, która głęboko odmieniła Nach. Ta introspektywna i ewoluująca prezentacja taneczna nasuwa myśl o rozkwicie Nach jako artystki i jej twórczym logo, które wciąż czeka na potwierdzenie. Jej eksperymenty z wykorzystaniem potencjału czarnego pudła sceny są najnowszym rozdziałem tej burzliwej historii o sobie samej, podróżującej po świecie od ponad pięciu lat.
30.MSTT: Nik Rajšek “KINK”
KINK jest pracą solową o kontroli: jej pragnieniu, oporze przeciwko niej i jej utracie. Poprzez ruch i muzykę Nik Rajšek bada napięcie między dominacją a poddaniem, gdy każde z nich nieustannie kształtuje siebie nawzajem. Bycie obserwowanym staje się zarówno groźbą, jak i ekscytacją, pokazując dyskomfort bycia na widoku obok pragnienia więzi. W KINK Nik Rajšek zaprasza widzów do przyjrzenia się drażniącej dynamice sił, gdzie kontrola jest kwestionowana, współdzielona i nieustannie redefiniowana.
30.MSTT: Rita Lira & Daria Koval “Eternal Return”
Eternal Return to duet ukraińskich artystek Rity Liry i Darii Kowal, który bada cykle występujące w przyrodzie, historii i wojnie. Łącząc współczesny taniec, idee naukowe, sztukę wizualną, materiały dokumentalne, improwizację i rytuał, dzieło jest refleksją nad powtarzalnością historii w kolejnych pokoleniach i pyta, czy ten niszczący cykl może zostać przerwany.
30.MSTT: Roosna & Flak “Even the Mountains Move”
W Even the Mountains Move Roosna i Flak odkrywają magię codzienności. Możemy w niej znaleźć ogromną przestrzeń, zawierającą całe mitologie i opowieści o bliskiej i dalekiej przeszłości. Historie, które mogą nas wspierać i dawać pocieszenie w trudnych czasach: świadomość, że życie zawsze znajduje swoją drogę, nawet gdy wydaje się nam, że nie ma już nadziei. Że to my przetrwamy.
31. Konfrontacje Teatralne : Dziewczyny
Kim jesteś, gdy nikt z zewnątrz nie patrzy? Cztery dziewczyny z licealnej drużyny cheerleaderek zatrzaskują się w szatni przed swoim ostatnim występem. Próba funkcjonowania w zamkniętej przestrzeni obnaża dysfunkcyjną naturę grupy.
Spektakl podejmuje temat kobiecych relacji uwikłanych w skryte fantazje i otwarte konflikty. Poszukuje prawdziwego siostrzeństwa w rzeczywistości, w której tresura ciała i umysłu jest codziennością, a pozwolenie na gniew i sprzeciw jest tylko dla wybranych. „Dziewczyny” balansują na granicy teatru dramatycznego i slapsticku, czerpią z kiczu i estetyki lat 2000, pogrążając bohaterki w coraz głębsze wymiary absurdu.
Spektakl został wyróżniony Nagrodą Grand Prix festiwalu Studencka Wiosna Teatralna 2026.
scenariusz i reżyseria: Oliwia Kurlej / współpraca choreograficzna: Natalia Jaeschke, Tomasz Koszański / współpraca merytoryczna: Kuba Zalasa / producent: Studio Sztuki Teatralno-Aktorskiej STA Poznań / obsada: Maja Murzynowska, Wera Chyła, Matylda Śliwińska, Agata Krupińska
Spektakl podejmuje temat kobiecych relacji uwikłanych w skryte fantazje i otwarte konflikty. Poszukuje prawdziwego siostrzeństwa w rzeczywistości, w której tresura ciała i umysłu jest codziennością, a pozwolenie na gniew i sprzeciw jest tylko dla wybranych. „Dziewczyny” balansują na granicy teatru dramatycznego i slapsticku, czerpią z kiczu i estetyki lat 2000, pogrążając bohaterki w coraz głębsze wymiary absurdu.
Spektakl został wyróżniony Nagrodą Grand Prix festiwalu Studencka Wiosna Teatralna 2026.
scenariusz i reżyseria: Oliwia Kurlej / współpraca choreograficzna: Natalia Jaeschke, Tomasz Koszański / współpraca merytoryczna: Kuba Zalasa / producent: Studio Sztuki Teatralno-Aktorskiej STA Poznań / obsada: Maja Murzynowska, Wera Chyła, Matylda Śliwińska, Agata Krupińska
31. Konfrontacje Teatralne : Kofman. Podwójne wiązanie
Profesorka Sorbony Sarah Kofman mimo imponującego dorobku naukowego nigdy nie zdobyła należnego jej miejsca w gronie najwybitniejszych postaci światowej filozofii. Ważnym elementem jej pracy był jednak pionierski gest wprowadzenia kobiecej perspektywy do wielkich, męskocentrycznych systemów filozoficznych.
Dopiero pod koniec życia odważyła się opowiedzieć o sobie. O swoim dzieciństwie, rozpiętym między dwiema matkami: biologiczną, żydowskiego pochodzenia, oraz przybraną, Francuzką, u której ukrywała się podczas wojny. Kofman opisała swoje doświadczenia z dystansem, jaki zdobyła wobec przeszłości. Sztuczna, wytworzona na lata tożsamość nie tylko pozwoliła jej uniknąć śmierci, ale także umożliwiła refleksję nad tym, co najgłębiej tkwiło w jej własnym „ja”.
reżyseria: Katarzyna Kalwat / tekst: Janusz Margański, Monika Muskała / sceniczne opracowanie tekstu: Monika Muskała / scenografia: Zbigniew Libera / muzyka: Wojtek Blecharz / reżyseria światła, zdjęcia do filmu: Marcin Koszałka / kostiumy: Katarzyna Kalwat, Saskia Hellmann / obsada: Maria Maj, Małgorzata Hajewska-Krzysztofik, Maja Ostaszewska, Jacek Poniedziałek, Alicja Strojek, Kamila Wąsik-Janiak
W spektaklu występują temat wojny, wulgaryzmy, papierosy, seks, nagość, temat śmierci samobójczej, opisy przemocy, w tym przemocy wobec dzieci
Dopiero pod koniec życia odważyła się opowiedzieć o sobie. O swoim dzieciństwie, rozpiętym między dwiema matkami: biologiczną, żydowskiego pochodzenia, oraz przybraną, Francuzką, u której ukrywała się podczas wojny. Kofman opisała swoje doświadczenia z dystansem, jaki zdobyła wobec przeszłości. Sztuczna, wytworzona na lata tożsamość nie tylko pozwoliła jej uniknąć śmierci, ale także umożliwiła refleksję nad tym, co najgłębiej tkwiło w jej własnym „ja”.
reżyseria: Katarzyna Kalwat / tekst: Janusz Margański, Monika Muskała / sceniczne opracowanie tekstu: Monika Muskała / scenografia: Zbigniew Libera / muzyka: Wojtek Blecharz / reżyseria światła, zdjęcia do filmu: Marcin Koszałka / kostiumy: Katarzyna Kalwat, Saskia Hellmann / obsada: Maria Maj, Małgorzata Hajewska-Krzysztofik, Maja Ostaszewska, Jacek Poniedziałek, Alicja Strojek, Kamila Wąsik-Janiak
W spektaklu występują temat wojny, wulgaryzmy, papierosy, seks, nagość, temat śmierci samobójczej, opisy przemocy, w tym przemocy wobec dzieci
31. Konfrontacje Teatralne : Pola Nireńska. Próba otwarta.
Spektakl inspirowany życiem i twórczością Poli Nireńskiej – jednej z najwybitniejszych polskich tancerek i choreografek XX wieku. Jej biografia splata się z doświadczeniem XX wieku: Zagładą, uchodźstwem, migracją i życiem pomiędzy kulturami. Twórcy, czerpiąc z jej historii, przyglądają się pamięci zapisanej w ciele oraz sile sztuki, która pozwala ocalać ślady przeszłości. Na scenie spotykają się aktorka i tancerka, tworząc opowieść o pasji i konieczności tańczenia, utracie, wykluczeniu oraz walce o realizację własnej drogi. Ruch staje się tu językiem pamięci, gdy słowa okazują się niewystarczające. Spektakl stawia pytanie o to, czy sztuka może uchronić ludzką historię przed zapomnieniem.
koncepcja: Agnieszka Przepiórska / reżyseria: Maja Kleczewska / tekst: Piotr Rowicki / muzyka: Cezary Duchnowski / obsada: Agnieszka Przepiórska, Anna Krysiak
W spektaklu pojawiają się treści dotyczące samobójstwa.
koncepcja: Agnieszka Przepiórska / reżyseria: Maja Kleczewska / tekst: Piotr Rowicki / muzyka: Cezary Duchnowski / obsada: Agnieszka Przepiórska, Anna Krysiak
W spektaklu pojawiają się treści dotyczące samobójstwa.
Baranek Shaun i kudłata bestia
Włos (i wełna) zjeży Wam się na głowie! Zbierzcie swoje stado, bo nadciąga „Baranek Shaun i Kudłata Bestia”! Zobacz zwiastun najnowszego filmu z uwielbianej serii, który czyta nie kto inny, tylko sam Szymon Majewski! W tej przezabawnej kinowej przygodzie najsłynniejszy baranek świata zamienia się w… szalonego naukowca. Co może pójść nie tak? „Baranek Shaun i Kudłata Bestia” tylko w kinach od 16 października!
W wieczór Halloween na farmie Mossy Bottom ekscytacja przeradza się w przerażenie, gdy niezdarny Farmer niszczy pole dyniowe. Shaun próbuje naprawić to za pomocą eksperymentów naukowych, ale sytuacja wymyka się spod kontroli, gdy w lesie pojawia się dzika bestia...
W wieczór Halloween na farmie Mossy Bottom ekscytacja przeradza się w przerażenie, gdy niezdarny Farmer niszczy pole dyniowe. Shaun próbuje naprawić to za pomocą eksperymentów naukowych, ale sytuacja wymyka się spod kontroli, gdy w lesie pojawia się dzika bestia...
Everytime
Ella, jej córka Melli oraz nastoletni Lux – chłopak, którego obecność w tym rodzinnym gronie budzi podskórne napięcie – próbują odnaleźć spokój w rajskim kurorcie na Teneryfie. Jednak wakacyjna idylla szybko ustępuje miejsca hipnotyzującej podróży w głąb siebie. Pod wpływem szumu fal, cyfrowych wspomnień i niewypowiedzianej tęsknoty, czas na wyspie zaczyna płynąć inaczej.
Uznana reżyserka Sandra Wollner zabiera widzów w intymną, emocjonalnie rozdzierającą podróż przez rzeczywistość, w której granica między przeszłością a teraźniejszością zaczyna się zacierać, a najlepszym terapeutą okazuje się... gra Minecraft. Kojącą serca każdego, kto doświadczył w życiu utraty, audiowizualną ucztę dopełniają wybitne zdjęcia Gregory'ego Oke, operatora kultowego Aftersun. Dajcie się ponieść magii.
Uznana reżyserka Sandra Wollner zabiera widzów w intymną, emocjonalnie rozdzierającą podróż przez rzeczywistość, w której granica między przeszłością a teraźniejszością zaczyna się zacierać, a najlepszym terapeutą okazuje się... gra Minecraft. Kojącą serca każdego, kto doświadczył w życiu utraty, audiowizualną ucztę dopełniają wybitne zdjęcia Gregory'ego Oke, operatora kultowego Aftersun. Dajcie się ponieść magii.
Joga dla kręgosłupa – warsztat z Agnieszką Wielobób
Współczesny styl życia stawia przed naszym ciałem ogromne wyzwanie. Wielogodzinne siedzenie przy biurku, praca przed ekranem i brak ruchu prowadzą do powstawania napięć, wywołują dyskomfort i ból, a w dłuższej perspektywie mogą skutkować poważnymi problemami z kręgosłupem. Na szczęście możemy temu skutecznie przeciwdziałać świadomie pracując z ciałem.
Serdecznie zapraszamy na warsztaty jogi „Joga dla kręgosłupa". Nauczysz się na nich, jak prawidłowy oddech przekłada się na właściwą pracę wszystkich mięśni brzucha, która z kolei ustabilizuje miednicę i kręgosłup, ale też wesprze pracę góry tułowia.
Zaczniesz od świadomej pracy z oddechem – obserwacji oddechu, oddechu brzusznego i nauki wydechu. Dzięki temu poruszysz przeponę do pracy, a w niektórych przypadkach przynajmniej ją poczujesz, zauważysz i stworzysz jej przestrzeń, by w przyszłości mogła się swobodnie poruszać.
Ze zrozumieniem mechanizmu wdechu i wydechu (nie będziemy wchodzili w szczegóły, skupimy się tylko na ogólnym zrozumieniu jak oddech „się dzieje”) przejdziesz do pracy z mięśniami brzucha, bez których oddech staje się ciężką pracą. Poznasz funkcje mięśnia poprzecznego, prostego i skośnego brzucha – jak wspierają kręgosłup, gdy dobrze ich używasz, i jak napinać brzuch, by wspierał Twój oddech, zwłaszcza długi wydech podczas trudniejszych asan czy wysiłku.
Świadoma praca mięśniami brzucha to początek drogi do większej stabilizacji kręgosłupa i całego tułowia, do odciążenia stawów podczas praktyki jogi (i nie tylko), a także do swobodniejszego, pełnego energii oddechu.
Dlaczego praca mięśni brzucha jest istotna w jodze?
● Dzięki nim oddychasz.
● Ich odpowiednie napięcie – zwłaszcza gdy opanujesz napięcie mięśnia poprzecznego – stabilizuje kręgosłup, łączy ruch miednicy z kręgosłupem i wpływa na stabilność całego ciała, uwalniając je od zbędnego napięcia.
● W pozycjach angażujących górę ciała – barki i ramiona – wspierają stabilizację łopatek, odciążając górną część klatki piersiowej i szyję.
W drugiej części warsztatu przełożysz teorię i zdobyte umiejętności na praktykę jogi, doświadczając z jednej strony, jak oddech wspiera ciało w rozluźnieniu podczas asany, a z drugiej – jak pomaga wygenerować siłę potrzebną do jej wykonania.
Na warsztaty zabierz ze sobą matę do jogi.
Czas trwania 5 godzin (300 minut)
Podczas warsztatu przewidziana jest 30 minutowa przerwa.
Agnieszka Wielobób – doświadczona nauczycielka jogi i medytacji, autorka książek oraz wykładowczyni akademicka.
Na co dzień prowadzi kursy nauczycielskie, warsztaty jogi, kameralne zajęcia grupowe oraz sesje medytacyjne. Swoją wiedzą dzieli się także ze studentami – wykłada o profilaktyce i terapii jogą na Akademii Górnośląskiej. Jest autorką 4 książek poświęconych tematyce ajurwedy, jogi i medytacji, a także pełni funkcję współprzewodniczącej Centrum Sufizmu Uniwersalnego „Otwarta Droga”.
Prywatnie mieszka w malowniczej Grabowicy w województwie świętokrzyskim razem z mężem Maćkiem, synem Tymonem, psem i dwoma kotami. Wolne chwile najchętniej spędza w drodze, podróżując vanem.
Serdecznie zapraszamy na warsztaty jogi „Joga dla kręgosłupa". Nauczysz się na nich, jak prawidłowy oddech przekłada się na właściwą pracę wszystkich mięśni brzucha, która z kolei ustabilizuje miednicę i kręgosłup, ale też wesprze pracę góry tułowia.
Zaczniesz od świadomej pracy z oddechem – obserwacji oddechu, oddechu brzusznego i nauki wydechu. Dzięki temu poruszysz przeponę do pracy, a w niektórych przypadkach przynajmniej ją poczujesz, zauważysz i stworzysz jej przestrzeń, by w przyszłości mogła się swobodnie poruszać.
Ze zrozumieniem mechanizmu wdechu i wydechu (nie będziemy wchodzili w szczegóły, skupimy się tylko na ogólnym zrozumieniu jak oddech „się dzieje”) przejdziesz do pracy z mięśniami brzucha, bez których oddech staje się ciężką pracą. Poznasz funkcje mięśnia poprzecznego, prostego i skośnego brzucha – jak wspierają kręgosłup, gdy dobrze ich używasz, i jak napinać brzuch, by wspierał Twój oddech, zwłaszcza długi wydech podczas trudniejszych asan czy wysiłku.
Świadoma praca mięśniami brzucha to początek drogi do większej stabilizacji kręgosłupa i całego tułowia, do odciążenia stawów podczas praktyki jogi (i nie tylko), a także do swobodniejszego, pełnego energii oddechu.
Dlaczego praca mięśni brzucha jest istotna w jodze?
● Dzięki nim oddychasz.
● Ich odpowiednie napięcie – zwłaszcza gdy opanujesz napięcie mięśnia poprzecznego – stabilizuje kręgosłup, łączy ruch miednicy z kręgosłupem i wpływa na stabilność całego ciała, uwalniając je od zbędnego napięcia.
● W pozycjach angażujących górę ciała – barki i ramiona – wspierają stabilizację łopatek, odciążając górną część klatki piersiowej i szyję.
W drugiej części warsztatu przełożysz teorię i zdobyte umiejętności na praktykę jogi, doświadczając z jednej strony, jak oddech wspiera ciało w rozluźnieniu podczas asany, a z drugiej – jak pomaga wygenerować siłę potrzebną do jej wykonania.
Na warsztaty zabierz ze sobą matę do jogi.
Czas trwania 5 godzin (300 minut)
Podczas warsztatu przewidziana jest 30 minutowa przerwa.
Agnieszka Wielobób – doświadczona nauczycielka jogi i medytacji, autorka książek oraz wykładowczyni akademicka.
Na co dzień prowadzi kursy nauczycielskie, warsztaty jogi, kameralne zajęcia grupowe oraz sesje medytacyjne. Swoją wiedzą dzieli się także ze studentami – wykłada o profilaktyce i terapii jogą na Akademii Górnośląskiej. Jest autorką 4 książek poświęconych tematyce ajurwedy, jogi i medytacji, a także pełni funkcję współprzewodniczącej Centrum Sufizmu Uniwersalnego „Otwarta Droga”.
Prywatnie mieszka w malowniczej Grabowicy w województwie świętokrzyskim razem z mężem Maćkiem, synem Tymonem, psem i dwoma kotami. Wolne chwile najchętniej spędza w drodze, podróżując vanem.
Kąpiel w dźwiękach - koncert gongów i mis Rimy Sadurskiej
Zapraszamy na niezwykły koncert gongów i mis śpiewających, który poprowadzi Rima Sadurska.
Kąpiel w dźwiękach jest unikalnym doświadczeniem, podczas którego artystka wykorzystuje harmoniczne wibracje gongów i mis śpiewających do wywołania głębokiego stanu relaksu i medytacji.
Prowadząca: Rima Sadurska – mistrzyni naturopatii, artystka.
Od 2017 roku zajmuje się dźwiękiem i sztuką performatywną, prowadzi kąpiele w dźwiękach oraz śpiewa pieśni tradycyjne. Od 2011 roku praktykuje bioenergoterapię i medytację. Ukończyła studia na kierunku Terapie naturalne oraz liczne szkolenia z zakresu dźwiękoterapii, medytacji, uzdrawiania i pracy z głosem. Jest absolwentką Akademii Praktyk Teatralnych w Gardzienicach oraz studiów podyplomowych Instytutu Sztuki PAN. Prowadzi indywidualną praktykę, wspierając procesy osobistej transformacji oraz oprawę artystyczną uroczystości rodzinnych.
Bilety przedsprzedaż 40 zł ulgowy/50 zł normalny
Bilety w dniu wydarzenia 50 zł ulgowy/60 zł normalny
UWAGA: Prosimy o przyniesienia dla siebie maty, koca i poduszki. Kąpiel w dźwiękach jest wydarzeniem przeznaczonym do odbioru na leżąco, w relaksie z zamkniętymi oczami.
Kąpiel w dźwiękach jest unikalnym doświadczeniem, podczas którego artystka wykorzystuje harmoniczne wibracje gongów i mis śpiewających do wywołania głębokiego stanu relaksu i medytacji.
Prowadząca: Rima Sadurska – mistrzyni naturopatii, artystka.
Od 2017 roku zajmuje się dźwiękiem i sztuką performatywną, prowadzi kąpiele w dźwiękach oraz śpiewa pieśni tradycyjne. Od 2011 roku praktykuje bioenergoterapię i medytację. Ukończyła studia na kierunku Terapie naturalne oraz liczne szkolenia z zakresu dźwiękoterapii, medytacji, uzdrawiania i pracy z głosem. Jest absolwentką Akademii Praktyk Teatralnych w Gardzienicach oraz studiów podyplomowych Instytutu Sztuki PAN. Prowadzi indywidualną praktykę, wspierając procesy osobistej transformacji oraz oprawę artystyczną uroczystości rodzinnych.
Bilety przedsprzedaż 40 zł ulgowy/50 zł normalny
Bilety w dniu wydarzenia 50 zł ulgowy/60 zł normalny
UWAGA: Prosimy o przyniesienia dla siebie maty, koca i poduszki. Kąpiel w dźwiękach jest wydarzeniem przeznaczonym do odbioru na leżąco, w relaksie z zamkniętymi oczami.
Kurier Francuski z Liberty, Kansas Evening Sun
Po śmierci Arthura Howitzera Juniora, pochodzącego z Kansas, cenionego redaktora popularnego amerykańskiego magazynu „Kurier Francuski”, z siedzibą w Ennui-sur-Blasé we Francji, zespół redakcyjny zbiera się w celu napisania nekrologu. Wspomnienia o Howitzerze składają się na cztery opowieści: „Reporter na rowerze” opisujący podejrzane dzielnice miasta; „Konkretne arcydzieło” o niepoczytalnym malarzu, jego strażniczce i muzie oraz pazernych marszandach; „Poprawki do manifestu” dokumentujące miłość i śmierć na barykadach podczas buntu studenckiego; oraz „Prywatna jadalnia komisarza” - pełna napięcia historia o narkotykach, porwaniach i wyrafinowanej kuchni.
Lalka
UWAGA: PROJEKCJA 07.10.2026 (ŚRODA) WYŚWIETLANA BĘDZIE W WERSJI Z ROZSZERZONYMI NAPISAMI I AUDIODESKRYPCJĄ - prosimy uwzględnić to przy zakupie biletu
Miłość, która nie zna granic i ambicja, która nie zna ceny. „Lalka” powraca jako wielka filmowa opowieść o pragnieniach, rozczarowaniach i wyborach, które definiują ludzkie życie. Marcin Dorociński, Kamila Urzędowska i Marek Kondrat spotykają się na wielkim ekranie w najbardziej wyczekiwanej premierze roku – epickiej ekranizacji kultowej powieści Bolesława Prusa.
Miłość, która nie zna granic i ambicja, która nie zna ceny. „Lalka” powraca jako wielka filmowa opowieść o pragnieniach, rozczarowaniach i wyborach, które definiują ludzkie życie. Marcin Dorociński, Kamila Urzędowska i Marek Kondrat spotykają się na wielkim ekranie w najbardziej wyczekiwanej premierze roku – epickiej ekranizacji kultowej powieści Bolesława Prusa.
Martwe zło 2
Ash ze swoją dziewczyną Lindą zatrzymują się w opuszczonej leśnej chacie. Tam odnajdują księgę umarłych (Necronomicon) i taśmę z nagranym przemówieniem profesora archeologii, który wypowiada na niej zaklęcie budzące zło uśpione w lesie. Złe moce opętują dziewczynę, a Ash musi walczyć sam o przetrwanie w konwencji horroru połączonego z czarnym humorem.
MÓJ SĄSIAD TOTORO
Sztandarowa produkcja Studia Ghibli, która przypomina, jak cudowny i niezwykły może być świat widziany oczami dziecka. Kiedy siostry Satsuki i Mei przeprowadzają się na wieś, by być bliżej chorej mamy, nie spodziewają się, że ich nowy dom i jego okolica skrywają liczne tajemnice. Wkrótce dziewczynki spotykają magiczne stworzenia, w tym ogromnego i futrzastego ducha lasu o imieniu Totoro. Ten staje się ich przyjacielem, który pomaga im w trudnych chwilach i przewodnikiem po świecie, o jakim nawet nie śniły.
„Mój sąsiad Totoro" Hayao Miyazakiego to niezwykle ciepła opowieść o rodzinie, przyjaźni i cudach, które kryją się tuż za rogiem, czekając na tych, którzy potrafią je dostrzec. Ta pełna uroku animacja wzrusza, bawi i inspiruje, a jej piękna kreska i niepowtarzalny klimat sprawiają, że jest to film, do którego chce się nieustannie wracać.
Film z polskim dubbingiem, dla widzów w każdym wieku
„Mój sąsiad Totoro" Hayao Miyazakiego to niezwykle ciepła opowieść o rodzinie, przyjaźni i cudach, które kryją się tuż za rogiem, czekając na tych, którzy potrafią je dostrzec. Ta pełna uroku animacja wzrusza, bawi i inspiruje, a jej piękna kreska i niepowtarzalny klimat sprawiają, że jest to film, do którego chce się nieustannie wracać.
Film z polskim dubbingiem, dla widzów w każdym wieku
NENE HEROINE
Nene Heroine to polski zespół muzyczny z Gdańska, który wyróżnia się unikalnym brzmieniem, łączącym jazz, rock psychodeliczny, dub i post-rock. Ich muzyka to połączenie analogowych brzmień, improwizacji i komunikatywnych, emocjonalnych melodii, tworząc niepowtarzalny klimat.
Zespół znany jest z energetycznych występów na żywo, które przyciągają szeroką publiczność. Ich uwaga zawsze koncentruje się na „tu i teraz”, co sprawia, że ich muzyka nigdy nie przestaje zaskakiwać, a każdy koncert to niepowtarzalne przeżycie. Nene Heroine to zespół, który nieustannie poszukuje nowych inspiracji i dąży do muzycznej doskonałości, zyskując coraz większe uznanie zarówno w Polsce, jak i za granicą.
Zespół znany jest z energetycznych występów na żywo, które przyciągają szeroką publiczność. Ich uwaga zawsze koncentruje się na „tu i teraz”, co sprawia, że ich muzyka nigdy nie przestaje zaskakiwać, a każdy koncert to niepowtarzalne przeżycie. Nene Heroine to zespół, który nieustannie poszukuje nowych inspiracji i dąży do muzycznej doskonałości, zyskując coraz większe uznanie zarówno w Polsce, jak i za granicą.
Nowe terytoria muzyki. Spółdzielnia Muzyczna gra Ryterskiego
Zapraszamy na wyjątkowy wieczór z polską muzyką współczesną, podczas którego ceniony i nagradzany zespół Spółdzielnia Muzyczna Contemporary Ensemble wykona kompozycje Rafała Ryterskiego.
Program koncertu stanowi fascynującą podróż po pograniczach brzmień akustycznych, elektroniki, multimediów oraz sztuki zaangażowanej
Rafał Ryterski
Kompozytor, aktywista, artysta interdyscyplinarny, kurator. Urodzony w 1992 roku w Gdyni. Synteza różnych gatunków muzycznych jest cechą charakterystyczną jego twórczości, a sam Ryterski nazywa tą praktykę genrebendingiem.
Spółdzielnia Muzyczna Contemporary Ensemble
Spółdzielnia Muzyczna jest jednym z najprężniej działających polskich zespołów, specjalizujących się w wykonawstwie muzyki współczesnej. Muzycy gościli dotychczas na takich festiwalach jak MaerzMusik w Berlinie, Internationale Ferienkurse für Neue Musik w Darmstadcie, Festival MUSICA w Strasburgu, „AFEKT” w Tallinnie, Festiwal Muzyki Współczesnej „Warszawska Jesień”, Sacrum Profanum, Audio Art, Unsound czy Musica Polonica Nova. Z sukcesów warto wymienić przyznanie prestiżowej Ensemble Prize przez Ernst von Siemens Musikstiftung oraz nominacje do nagród Koryfeusz Muzyki Polskiej i Fryderyk 2022 oraz 2025 w kategorii Album Roku Muzyka Współczesna, czy nagrodę Związku Kompozytorów Polskich w dziele promocji polskiej muzyki współczesnej w roku 2025.
W programie:
Birdsongs – multimedialny utwór z projekcją wideo, wykorzystujący motyw ptasich migracji jako metaforę adaptacji oraz zmian we współczesnym świecie.
Disco Bloodbath (Got to be real) – energetyczny kolaż brzmieniowy łączący żywy zespół z elektroniką typu glitch, czerpiący z kultury ballroom/drag oraz świata gier wideo.
Maserholz – wielowarstwowa kompozycja nawiązująca do medycznych technik obrazowania diagnostycznego (CT, MRI, USG) oraz nieregularnych struktur zabliźnionej tkanki drzewnej.
---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Birdsongs (z podtytułem: ścieżka dźwiękowa do dokumentu telewizyjnego) to utwór sceniczny trwający około 30 minut na 8 wykonawców, elektronikę wykonywaną częściowo na żywo, a częściowo z odtwarzania (audio playback), oraz wideo. Utwór jest zainspirowany ptasimi migracjami, które traktowane są tutaj jako metafora adaptacji i koniecznych zmian w życiu człowieka, zarówno w kontekście jednostkowym, jak i w kontekście całej cywilizacji. Inspirację stanowią: Bieguni Olgi Tokarczuk, When the body says no Gabora Maté, Nightjar Cosmo Sheldrake'a oraz piękny dokument The Secret Routes of Birds Migration.
Disco Bloodbath (Got to be real) (na 8 instrumentów i audio playback; czas trwania: 16 minut)
Disco Bloodbath (Got to be real) to utwór zamówiony przez Festiwal Warszawska Jesień, którego prawykonanie odbyło się 26 września 2018 roku w wykonaniu Black Page Orchestra. Jest to 16-minutowy kolaż różnych melodii, harmonii, rytmów, beatów, a nawet piosenek. Jego podtytuł pochodzi z piosenki Cheryl Lynn.
Maserholz (na zespół instrumentalny; czas trwania: 23 minuty; polska premiera!)
Maserholz (eng. burl wood, pol. czeczot) – jest to szczególny rodzaj tkanki drzewnej o nieregularnym, chaotycznym układzie włókien i dużej liczbie uśpionych pąków (czyli struktur zawierających komórki zdolne do tworzenia nowych pędów, gałęzi lub liści). W przekroju tej tkanki tworzą się niezwykłe dekoracyjne wzory przypominające oczka, wiry i fale. Ze względu na swoje walory estetyczne drewno czeczotowe znajduje szerokie zastosowanie we wzornictwie, zwłaszcza w meblarstwie.
Program koncertu stanowi fascynującą podróż po pograniczach brzmień akustycznych, elektroniki, multimediów oraz sztuki zaangażowanej
Rafał Ryterski
Kompozytor, aktywista, artysta interdyscyplinarny, kurator. Urodzony w 1992 roku w Gdyni. Synteza różnych gatunków muzycznych jest cechą charakterystyczną jego twórczości, a sam Ryterski nazywa tą praktykę genrebendingiem.
Spółdzielnia Muzyczna Contemporary Ensemble
Spółdzielnia Muzyczna jest jednym z najprężniej działających polskich zespołów, specjalizujących się w wykonawstwie muzyki współczesnej. Muzycy gościli dotychczas na takich festiwalach jak MaerzMusik w Berlinie, Internationale Ferienkurse für Neue Musik w Darmstadcie, Festival MUSICA w Strasburgu, „AFEKT” w Tallinnie, Festiwal Muzyki Współczesnej „Warszawska Jesień”, Sacrum Profanum, Audio Art, Unsound czy Musica Polonica Nova. Z sukcesów warto wymienić przyznanie prestiżowej Ensemble Prize przez Ernst von Siemens Musikstiftung oraz nominacje do nagród Koryfeusz Muzyki Polskiej i Fryderyk 2022 oraz 2025 w kategorii Album Roku Muzyka Współczesna, czy nagrodę Związku Kompozytorów Polskich w dziele promocji polskiej muzyki współczesnej w roku 2025.
W programie:
Birdsongs – multimedialny utwór z projekcją wideo, wykorzystujący motyw ptasich migracji jako metaforę adaptacji oraz zmian we współczesnym świecie.
Disco Bloodbath (Got to be real) – energetyczny kolaż brzmieniowy łączący żywy zespół z elektroniką typu glitch, czerpiący z kultury ballroom/drag oraz świata gier wideo.
Maserholz – wielowarstwowa kompozycja nawiązująca do medycznych technik obrazowania diagnostycznego (CT, MRI, USG) oraz nieregularnych struktur zabliźnionej tkanki drzewnej.
---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Birdsongs (z podtytułem: ścieżka dźwiękowa do dokumentu telewizyjnego) to utwór sceniczny trwający około 30 minut na 8 wykonawców, elektronikę wykonywaną częściowo na żywo, a częściowo z odtwarzania (audio playback), oraz wideo. Utwór jest zainspirowany ptasimi migracjami, które traktowane są tutaj jako metafora adaptacji i koniecznych zmian w życiu człowieka, zarówno w kontekście jednostkowym, jak i w kontekście całej cywilizacji. Inspirację stanowią: Bieguni Olgi Tokarczuk, When the body says no Gabora Maté, Nightjar Cosmo Sheldrake'a oraz piękny dokument The Secret Routes of Birds Migration.
Disco Bloodbath (Got to be real) (na 8 instrumentów i audio playback; czas trwania: 16 minut)
Disco Bloodbath (Got to be real) to utwór zamówiony przez Festiwal Warszawska Jesień, którego prawykonanie odbyło się 26 września 2018 roku w wykonaniu Black Page Orchestra. Jest to 16-minutowy kolaż różnych melodii, harmonii, rytmów, beatów, a nawet piosenek. Jego podtytuł pochodzi z piosenki Cheryl Lynn.
Maserholz (na zespół instrumentalny; czas trwania: 23 minuty; polska premiera!)
Maserholz (eng. burl wood, pol. czeczot) – jest to szczególny rodzaj tkanki drzewnej o nieregularnym, chaotycznym układzie włókien i dużej liczbie uśpionych pąków (czyli struktur zawierających komórki zdolne do tworzenia nowych pędów, gałęzi lub liści). W przekroju tej tkanki tworzą się niezwykłe dekoracyjne wzory przypominające oczka, wiry i fale. Ze względu na swoje walory estetyczne drewno czeczotowe znajduje szerokie zastosowanie we wzornictwie, zwłaszcza w meblarstwie.
Obcy
Nowa ekranizacja jednej z najwybitniejszych francuskich powieści XX wieku autorstwa Alberta Camusa. François Ozon opowiada historię Meursaulta, skromnego, niepozornego urzędnika, którego codziennej rutyny nie przerywa nawet śmierć matki. Do czasu, gdy pewnego gorącego dnia na plaży dochodzi do tragicznego zdarzenia. Adaptacja Ozona, która miała premierę w Konkursie Głównym festiwalu w Wenecji, to niezwykle aktualna opowieść o poszukiwaniu sensu w świecie, w którym wszelki sens został zagubiony. Oszczędne dialogi i piękne czarno-białe zdjęcia, stanowiące hołd dla klasycznego kina, budują wyjątkową atmosferę filmu.
Oktawia Pączkowska — koncert + spotkanie z artystką
Solowy live-act Oktawii Pączkowskiej — kompozytorki oraz artystki dźwiękowej i multimedialnej, poruszającej się na styku muzyki współczesnej i eksperymentalnej. W swojej twórczości zgłębia zjawisko immersji, łącząc tradycyjną tkankę instrumentalną z przetworzeniami elektronicznymi, kodem komputerowym, performancem, interaktywnymi instalacjami i sztuką wideo.
ORLANDO
W roku 1600 Orlando, młodzieniec z arystokratycznego rodu (Tilda Swinton), zostaje obrzucony klątwą "bycia młodym na wieki" przez oczarowaną jego urodą królową Elżbietę I. 200 lat później zostaje kobietą, której losy śledzimy aż po lata nam wspólczesne. Ubrana w piękne obrazy lekko ironiczna opowieść o poszukiwaniu własnej tożsamości. Film powstał na podstawie powieści Virginii Wolf.
Opis długi:
Oszałamiająca rozmachem, tempem i wizualnym splendorem adaptacja powieści Virginii Woolf – patronki kobiet walczących o „własny pokój” potrzebny do pisania i tworzenia. ORLANDO to największy dotychczasowy sukces komercyjny Potter oraz błyskotliwy film kostiumowy z wybitną, niezapomnianą rolą Tildy Swinton.
„Nie blaknij. Nie więdnij. Nie starzej się.” – mówi młodemu Orlando (Swinton) Elżbieta I w XVI wieku. Bohater bierze sobie te słowa do serca. Wraz z nim – a później, po zmianie płci, z nią – podróżujemy przez 400 lat brytyjskiej historii. Kwestie poszukiwania własnej tożsamości, tak charakterystyczne dla twórczości Potter, otrzymują w ORLANDO postać osadzonej w przeszłości, pikarejskiej opowieści z fantazyjnymi elementami. Niezaprzeczalnie brytyjski, ale też, jak wskazywali komentatorzy, „pan-europejski” w lokacjach film Potter odurza zamaszystą narracją i prowokuje do rozbijania zmurszałych kategorii i granic: genderowych, historycznych i fabularnych.
Opis długi:
Oszałamiająca rozmachem, tempem i wizualnym splendorem adaptacja powieści Virginii Woolf – patronki kobiet walczących o „własny pokój” potrzebny do pisania i tworzenia. ORLANDO to największy dotychczasowy sukces komercyjny Potter oraz błyskotliwy film kostiumowy z wybitną, niezapomnianą rolą Tildy Swinton.
„Nie blaknij. Nie więdnij. Nie starzej się.” – mówi młodemu Orlando (Swinton) Elżbieta I w XVI wieku. Bohater bierze sobie te słowa do serca. Wraz z nim – a później, po zmianie płci, z nią – podróżujemy przez 400 lat brytyjskiej historii. Kwestie poszukiwania własnej tożsamości, tak charakterystyczne dla twórczości Potter, otrzymują w ORLANDO postać osadzonej w przeszłości, pikarejskiej opowieści z fantazyjnymi elementami. Niezaprzeczalnie brytyjski, ale też, jak wskazywali komentatorzy, „pan-europejski” w lokacjach film Potter odurza zamaszystą narracją i prowokuje do rozbijania zmurszałych kategorii i granic: genderowych, historycznych i fabularnych.
ORLANDO - MOJA POLITYCZNA BIOGRAFIA
Pierwszy film Paula B. Preciado, „Orlando – moja polityczna biografia”, jest obrazem szczególnym. Rzadko kiedy pole praktyk filozoficznych pokrywa się z polem aktywizmu w tak koherentny i interesujący sposób. A sam Paul B. Preciado – hiszpański pisarz, filozof, kurator sztuki i aktywista – jest również postacią wyjątkową. Jego aktywność w każdej z twórczych dziedzin wyznacza nowe standardy rozumienia zarówno sztuki, jak i filozofii. Preciado jest też osobą transpłciową, a swoje doświadczenie tranzycji wpisał we wszystkie dziedziny, którymi się zajmuje. Przygląda się mu w sposób krytyczny, reinterpretując aktualne dyskursy dotyczące biowładzy, patriarchalnego kapitalizmu, nekropolityki, feminizmu i teorii queer.
„Orlando – moja polityczna biografia” odwołuje się do książki Orlando Virginii Woolf. Preciado wychodzi z założenia, że wszystko, co stanowi o jego własnej biografii zostało już wcześniej opisane właśnie przez Woolf, w dodatku prawie sto lat temu. Reżyser zabiera więc widzki i widzów w podróż przez meandry współczesnej kultury, dekonstruując jej polityczne utopie, dekolonizując język i poszerzając społeczną reprezentację o osoby wykluczone i marginalizowane. W sensie politycznym jest to film rewolucyjny. Interpretuje pierwowzór Woolf, uwspółcześniając jego przesłanie i budując nowe konteksty: kulturowej widzialności, oporu, emancypacji. Imaginarium wizualne, które proponuje Preciado, jest z jednej strony oszczędne w środkach, bazujące na szczątkowej i symbolicznej scenografii, z drugiej jednak na tyle uniwersalne, że opisuje podstawowe problemy bycia „Orlandem” we współczesnym społeczeństwie. „Orlando - moja polityczna biografia” jest też manifestem wolności, radości i godności, donośnym głosem za prawem do samostanowienia oraz rollercoasterem emocji, troski i czułości, jednoznacznie opowiadającym się za kulturotwórczą siłą sztuki.
„Orlando – moja polityczna biografia" jest pozycją obowiązkową dla wszystkich, którzy potrzebują wsparcia w rozumieniu własnej i cudzej seksualności, przez co stają się politycznymi przeciwnikami patriarchalnej, konserwatywnej władzy. Swoim filmem Preciado przywraca godność, daje nadzieję i jednoznacznie pokazuje, jak potężnymi narzędziami społecznej zmiany stają się sztuka i kultura, kiedy tylko potrafimy właściwie je odczytać.
„Orlando – moja polityczna biografia” odwołuje się do książki Orlando Virginii Woolf. Preciado wychodzi z założenia, że wszystko, co stanowi o jego własnej biografii zostało już wcześniej opisane właśnie przez Woolf, w dodatku prawie sto lat temu. Reżyser zabiera więc widzki i widzów w podróż przez meandry współczesnej kultury, dekonstruując jej polityczne utopie, dekolonizując język i poszerzając społeczną reprezentację o osoby wykluczone i marginalizowane. W sensie politycznym jest to film rewolucyjny. Interpretuje pierwowzór Woolf, uwspółcześniając jego przesłanie i budując nowe konteksty: kulturowej widzialności, oporu, emancypacji. Imaginarium wizualne, które proponuje Preciado, jest z jednej strony oszczędne w środkach, bazujące na szczątkowej i symbolicznej scenografii, z drugiej jednak na tyle uniwersalne, że opisuje podstawowe problemy bycia „Orlandem” we współczesnym społeczeństwie. „Orlando - moja polityczna biografia” jest też manifestem wolności, radości i godności, donośnym głosem za prawem do samostanowienia oraz rollercoasterem emocji, troski i czułości, jednoznacznie opowiadającym się za kulturotwórczą siłą sztuki.
„Orlando – moja polityczna biografia" jest pozycją obowiązkową dla wszystkich, którzy potrzebują wsparcia w rozumieniu własnej i cudzej seksualności, przez co stają się politycznymi przeciwnikami patriarchalnej, konserwatywnej władzy. Swoim filmem Preciado przywraca godność, daje nadzieję i jednoznacznie pokazuje, jak potężnymi narzędziami społecznej zmiany stają się sztuka i kultura, kiedy tylko potrafimy właściwie je odczytać.
OSTATNIE LIŚCIE SEZONU - warsztat tworzenia biżuterii
Tworzenie biżuterii z metalu było kultywowane od zarania dziejów i jest popularne na całym świecie po dziś dzień.
Jedną z technik jest obrabianie metalu na zimno- kucie, piłowanie, wiercenie, łączenie, wytłaczanie, cięcie, wyklepywanie. Podczas warsztatów poznasz krótką historię powstawania biżuterii z metalu, nauczysz się projektować i bezpiecznie posługiwać narzędziami - dłutem, młotkiem, pilnikiem itp.
Jesień niech będzie inspiracją, a kształt liścia nada formę - własnoręcznie wykonasz kolczyki lub wisiorek, krok po kroku poznając tajniki tworzenia prostej biżuterii z metalu.
Gwarantujemy satysfakcję z wykonanej pracy, twórczą i serdeczną atmosferę oraz obcowanie ze sztuką i modą. Zapraszamy również mężczyzn!
Jedną z technik jest obrabianie metalu na zimno- kucie, piłowanie, wiercenie, łączenie, wytłaczanie, cięcie, wyklepywanie. Podczas warsztatów poznasz krótką historię powstawania biżuterii z metalu, nauczysz się projektować i bezpiecznie posługiwać narzędziami - dłutem, młotkiem, pilnikiem itp.
Jesień niech będzie inspiracją, a kształt liścia nada formę - własnoręcznie wykonasz kolczyki lub wisiorek, krok po kroku poznając tajniki tworzenia prostej biżuterii z metalu.
Gwarantujemy satysfakcję z wykonanej pracy, twórczą i serdeczną atmosferę oraz obcowanie ze sztuką i modą. Zapraszamy również mężczyzn!
Pasażer Andrzej Munk
Zrealizowany w oparciu o unikalne materiały archiwalne dokument poświęcony postaci Andrzeja Munka, autora niezapomnianych obrazów „Człowiek na torze”, „Eroica”, „Zezowate szczęście”, „Pasażerka”. Obraz Michała Bielawskiego to autorskie spojrzenie na dorobek artystyczny czołowego twórcy polskiej szkoły filmowej ilustrowane fragmentami filmów, kronikami i zdjęciami z bogatego archiwum bohatera, uzupełnione o impresyjne inscenizacje. Całość spaja narracja z offu, zbudowana z wywiadów udzielonych przez samego Andrzeja Munka oraz jego współpracowników i przyjaciół, która prowadzi nas przez opowieść o jego życiu i twórczości. Ważnym elementem dokumentu są odnalezione w polskich i zagranicznych archiwach nieznane wcześniej materiały filmowe z udziałem reżysera.
Pejzaż w kolorze sepii
„Pejzaż w kolorze sepii” to japońsko-polska produkcja na podstawie głośnej powieści Kazuo Ishiguro, laureata Nagrody Nobla, premierowo pokazana w selekcji oficjalnej festiwalu w Cannes. Film w reżyserii Keiego Ishikawy jest pełną napięcia i niedopowiedzeń opowieścią o rodzinnych sekretach, pułapkach pamięci i kruchej więzi między matką a córką.
Niki, dwudziestopięcioletnia pisarka wychowana w Wielkiej Brytanii, odwiedza na angielskiej prowincji swoją matkę Etsuko. Pretekstem jest sprzedaż rodzinnego domu, ale za pozornie zwyczajnym spotkaniem kryje się potrzeba zadania pytań, które przez lata pozostawały niewypowiedziane. Niki wie niewiele o japońskiej przeszłości matki, o powojennym Nagasaki, z którego Etsuko wyjechała do Wielkiej Brytanii, ani o okolicznościach, w jakich wraz z nią opuściła Japonię jej starsza córka Keiko. Wyznania Etsuko pełne są luk, uników i przemilczeń; każde wspomnienie może być zarówno tropem prowadzącym do prawdy, jak i zasłoną chroniącą przed bolesną pamięcią.
Kei Ishikawa przenosi na ekran charakterystyczny dla Ishiguro świat ulotnych wspomnień, emocji ukrytych pod powierzchnią i przeszłości, która nigdy nie daje się opowiedzieć do końca. Atmosferę narastającego napięcia i tajemnicy budują stylowe, hipnotyzujące zdjęcia Piotra Niemyjskiego oraz muzyka Pawła Mykietyna, kompozytora znanego z filmów „IO” i „Essential Killing”. Za produkcję filmu odpowiada Mariusz Włodarski, producent takich tytułów jak „Dziewczyna z igłą”, „Sweat” czy „Brzydka siostra”.
Niki, dwudziestopięcioletnia pisarka wychowana w Wielkiej Brytanii, odwiedza na angielskiej prowincji swoją matkę Etsuko. Pretekstem jest sprzedaż rodzinnego domu, ale za pozornie zwyczajnym spotkaniem kryje się potrzeba zadania pytań, które przez lata pozostawały niewypowiedziane. Niki wie niewiele o japońskiej przeszłości matki, o powojennym Nagasaki, z którego Etsuko wyjechała do Wielkiej Brytanii, ani o okolicznościach, w jakich wraz z nią opuściła Japonię jej starsza córka Keiko. Wyznania Etsuko pełne są luk, uników i przemilczeń; każde wspomnienie może być zarówno tropem prowadzącym do prawdy, jak i zasłoną chroniącą przed bolesną pamięcią.
Kei Ishikawa przenosi na ekran charakterystyczny dla Ishiguro świat ulotnych wspomnień, emocji ukrytych pod powierzchnią i przeszłości, która nigdy nie daje się opowiedzieć do końca. Atmosferę narastającego napięcia i tajemnicy budują stylowe, hipnotyzujące zdjęcia Piotra Niemyjskiego oraz muzyka Pawła Mykietyna, kompozytora znanego z filmów „IO” i „Essential Killing”. Za produkcję filmu odpowiada Mariusz Włodarski, producent takich tytułów jak „Dziewczyna z igłą”, „Sweat” czy „Brzydka siostra”.
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej DUMA
POMYSŁY NA ZMYSŁY - więcej niż warsztaty
Są takie momenty, kiedy dziecko mówi coś ważnego… ale nie zawsze słowami.
Czasem robi to poprzez ruch, zabawę, dotyk, chaos albo ciszę.
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej dla dzieci to przestrzeń, w której uczymy się to zauważać i rozumieć
Zapraszamy Was na cykl spotkań, podczas których:
● wspieramy rozwój emocjonalny dziecka
● wzmacniamy relację dziecko–rodzic
● uczymy się być razem, uważnie i bez pośpiechu
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać i tworzyć, bo właśnie tak dzieci najlepiej poznają świat i siebie. A przy okazji… my, dorośli, też możemy się czegoś nauczyć.
Każde spotkanie to inna emocja i inna droga do jej zrozumienia:
Duma - wzmacniamy wiarę w siebie
Prowadzenie: Dominika Serafin
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
Są takie momenty, kiedy dziecko mówi coś ważnego… ale nie zawsze słowami.
Czasem robi to poprzez ruch, zabawę, dotyk, chaos albo ciszę.
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej dla dzieci to przestrzeń, w której uczymy się to zauważać i rozumieć
Zapraszamy Was na cykl spotkań, podczas których:
● wspieramy rozwój emocjonalny dziecka
● wzmacniamy relację dziecko–rodzic
● uczymy się być razem, uważnie i bez pośpiechu
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać i tworzyć, bo właśnie tak dzieci najlepiej poznają świat i siebie. A przy okazji… my, dorośli, też możemy się czegoś nauczyć.
Każde spotkanie to inna emocja i inna droga do jej zrozumienia:
Duma - wzmacniamy wiarę w siebie
Prowadzenie: Dominika Serafin
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej RADOŚĆ
Zapraszamy na cykl warsztatów, wspierających rozwój dziecka a także wzmacniające więź rodzicielską, opartą na tworzeniu głębokiej więzi emocjonalnej, szacunku i wzajemnego zrozumienia.
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać, przelewać, tworzyć prawdziwe małe dzieła sztuki i wykonywać inne niezbędne do rozwoju czynności. Zadbamy o każdy zmysł z osobna i wszystkie razem, poprawimy koncentrację i spostrzegawczość.
To okazja do świetnej zabawy, a przede wszystkim możliwości wsparcia umiejętności dziecka.
Każde spotkanie skupia się wokół innego tematu, związanego z określoną emocją a także różnych produktów.
Warsztaty mają na celu:
- odkrywanie zasobów, umiejętności i predyspozycji dziecka
- nazywanie emocji, pomoc w regulacji emocji
- wspomaganie uważnego słuchania, widzenia i zapamiętywania
- umacnianie poczucia własnej wartości, pewności siebie i doceniania swojej unikalności
Spotkanie 4 – Radość - uczestnicy będą odkrywać, co wywołuje w nich radość, uczyć się jak ją dostrzegać i wyrażać oraz jak pozytywne emocje wpływają na ich samopoczucie i relacje z innymi.
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać, przelewać, tworzyć prawdziwe małe dzieła sztuki i wykonywać inne niezbędne do rozwoju czynności. Zadbamy o każdy zmysł z osobna i wszystkie razem, poprawimy koncentrację i spostrzegawczość.
To okazja do świetnej zabawy, a przede wszystkim możliwości wsparcia umiejętności dziecka.
Każde spotkanie skupia się wokół innego tematu, związanego z określoną emocją a także różnych produktów.
Warsztaty mają na celu:
- odkrywanie zasobów, umiejętności i predyspozycji dziecka
- nazywanie emocji, pomoc w regulacji emocji
- wspomaganie uważnego słuchania, widzenia i zapamiętywania
- umacnianie poczucia własnej wartości, pewności siebie i doceniania swojej unikalności
Spotkanie 4 – Radość - uczestnicy będą odkrywać, co wywołuje w nich radość, uczyć się jak ją dostrzegać i wyrażać oraz jak pozytywne emocje wpływają na ich samopoczucie i relacje z innymi.
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej UFNOŚĆ
POMYSŁY NA ZMYSŁY - więcej niż warsztaty
Są takie momenty, kiedy dziecko mówi coś ważnego… ale nie zawsze słowami.
Czasem robi to poprzez ruch, zabawę, dotyk, chaos albo ciszę.
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej dla dzieci to przestrzeń, w której uczymy się to zauważać i rozumieć
Zapraszamy Was na cykl spotkań, podczas których:
● wspieramy rozwój emocjonalny dziecka
● wzmacniamy relację dziecko–rodzic
● uczymy się być razem, uważnie i bez pośpiechu
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać i tworzyć, bo właśnie tak dzieci najlepiej poznają świat i siebie. A przy okazji… my, dorośli, też możemy się czegoś nauczyć
Każde spotkanie to inna emocja i inna droga do jej zrozumienia:
Ufność - budujemy poczucie bezpieczeństwa
Prowadzenie: Dominika Serafin
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
Są takie momenty, kiedy dziecko mówi coś ważnego… ale nie zawsze słowami.
Czasem robi to poprzez ruch, zabawę, dotyk, chaos albo ciszę.
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej dla dzieci to przestrzeń, w której uczymy się to zauważać i rozumieć
Zapraszamy Was na cykl spotkań, podczas których:
● wspieramy rozwój emocjonalny dziecka
● wzmacniamy relację dziecko–rodzic
● uczymy się być razem, uważnie i bez pośpiechu
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać i tworzyć, bo właśnie tak dzieci najlepiej poznają świat i siebie. A przy okazji… my, dorośli, też możemy się czegoś nauczyć
Każde spotkanie to inna emocja i inna droga do jej zrozumienia:
Ufność - budujemy poczucie bezpieczeństwa
Prowadzenie: Dominika Serafin
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
POMYSŁY NA ZMYSŁY - warsztaty kreatywności sensorycznej ZŁOŚĆ
Zapraszamy na cykl warsztatów, wspierających rozwój dziecka a także wzmacniające więź rodzicielską, opartą na tworzeniu głębokiej więzi emocjonalnej, szacunku i wzajemnego zrozumienia.
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać, przelewać, tworzyć prawdziwe małe dzieła sztuki i wykonywać inne niezbędne do rozwoju czynności. Zadbamy o każdy zmysł z osobna i wszystkie razem, poprawimy koncentrację i spostrzegawczość.
To okazja do świetnej zabawy, a przede wszystkim możliwości wsparcia umiejętności dziecka.
Każde spotkanie skupia się wokół innego tematu, związanego z określoną emocją a także różnych produktów.
Warsztaty mają na celu:
- odkrywanie zasobów, umiejętności i predyspozycji dziecka
- nazywanie emocji, pomoc w regulacji emocji
- wspomaganie uważnego słuchania, widzenia i zapamiętywania
- umacnianie poczucia własnej wartości, pewności siebie i doceniania swojej unikalności
Spotkanie 3 – Złość: Podczas warsztatu uczestnicy poznają sygnały pojawiającej się złości, nauczą się rozumieć jej przyczyny oraz poznają sposoby wyrażania jej w bezpieczny i konstruktywny sposób.
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
Będziemy się brudzić, przesypywać, zanurzać, poruszać, przelewać, tworzyć prawdziwe małe dzieła sztuki i wykonywać inne niezbędne do rozwoju czynności. Zadbamy o każdy zmysł z osobna i wszystkie razem, poprawimy koncentrację i spostrzegawczość.
To okazja do świetnej zabawy, a przede wszystkim możliwości wsparcia umiejętności dziecka.
Każde spotkanie skupia się wokół innego tematu, związanego z określoną emocją a także różnych produktów.
Warsztaty mają na celu:
- odkrywanie zasobów, umiejętności i predyspozycji dziecka
- nazywanie emocji, pomoc w regulacji emocji
- wspomaganie uważnego słuchania, widzenia i zapamiętywania
- umacnianie poczucia własnej wartości, pewności siebie i doceniania swojej unikalności
Spotkanie 3 – Złość: Podczas warsztatu uczestnicy poznają sygnały pojawiającej się złości, nauczą się rozumieć jej przyczyny oraz poznają sposoby wyrażania jej w bezpieczny i konstruktywny sposób.
Czas trwania: 60’
Kategoria wiekowa: 4-8 lat
Rezerwat słów - warsztaty kreatywnego pisania
Rezerwat słów” to cykl czterech spotkań, podczas których dzieci będą rozwijać wyobraźnię, poznawać tajniki budowania opowieści i odkrywać radość z tworzenia własnych historii.
Pierwsze spotkanie rozpoczniemy od literackiej gry terenowej w przestrzeni Centrum Kultury. Uczestnicy wyruszą na poszukiwanie śladów opowieści. Rozwiązując zagadki, odkrywając wskazówki i podejmując kreatywne wyzwania, będą zbierać kolejne składniki potrzebne do stworzenia historii. Poznają bohaterów, miejsca, emocje i wydarzenia, a na koniec połączą zebrane tropy, by odkryć, jak z pojedynczych elementów może powstać opowieść.
Podczas kolejnych spotkań dzieci będą rozwijać własne pomysły i krok po kroku budować swoje historie. Stworzą bohaterów i świat, w którym będą rozgrywać się ich przygody, wymyślą wydarzenia, konflikty i emocje, a następnie przełożą swoje pomysły na tekst. Nie zabraknie również pracy z obrazem – uczestnicy samodzielnie zaprojektują i wykonają ilustracje towarzyszące ich opowieściom.
Finałem cyklu będzie papierowa publikacja zawierająca stworzone przez dzieci historie i ilustracje. Książka stanie się materialnym śladem wspólnej pracy, a przede wszystkim – prawdziwym wydawniczym debiutem młodych autorów.
Zwieńczeniem projektu będzie spotkanie autorskie w Księgarni Dosłowna, podczas którego dzieci wystąpią w roli pisarek i pisarzy. Zaprezentują swoje historie i ilustracje, opowiedzą o procesie ich powstawania oraz podzielą się z publicznością radością z wydania własnej książki.
„Rezerwat słów” to nie tylko warsztaty kreatywnego pisania, ale twórcza wyprawa – od pierwszej zagadki i pomysłu, przez słowo i obraz, aż po własną książkę i spotkanie z czytelnikami.
Czas trwania: 60’
Daty i godziny: 17, 24 listopada oraz 1, 8 grudnia 2026 godz. 17:00
Kategoria wiekowa: 8 - 12 lat
Pierwsze spotkanie rozpoczniemy od literackiej gry terenowej w przestrzeni Centrum Kultury. Uczestnicy wyruszą na poszukiwanie śladów opowieści. Rozwiązując zagadki, odkrywając wskazówki i podejmując kreatywne wyzwania, będą zbierać kolejne składniki potrzebne do stworzenia historii. Poznają bohaterów, miejsca, emocje i wydarzenia, a na koniec połączą zebrane tropy, by odkryć, jak z pojedynczych elementów może powstać opowieść.
Podczas kolejnych spotkań dzieci będą rozwijać własne pomysły i krok po kroku budować swoje historie. Stworzą bohaterów i świat, w którym będą rozgrywać się ich przygody, wymyślą wydarzenia, konflikty i emocje, a następnie przełożą swoje pomysły na tekst. Nie zabraknie również pracy z obrazem – uczestnicy samodzielnie zaprojektują i wykonają ilustracje towarzyszące ich opowieściom.
Finałem cyklu będzie papierowa publikacja zawierająca stworzone przez dzieci historie i ilustracje. Książka stanie się materialnym śladem wspólnej pracy, a przede wszystkim – prawdziwym wydawniczym debiutem młodych autorów.
Zwieńczeniem projektu będzie spotkanie autorskie w Księgarni Dosłowna, podczas którego dzieci wystąpią w roli pisarek i pisarzy. Zaprezentują swoje historie i ilustracje, opowiedzą o procesie ich powstawania oraz podzielą się z publicznością radością z wydania własnej książki.
„Rezerwat słów” to nie tylko warsztaty kreatywnego pisania, ale twórcza wyprawa – od pierwszej zagadki i pomysłu, przez słowo i obraz, aż po własną książkę i spotkanie z czytelnikami.
Czas trwania: 60’
Daty i godziny: 17, 24 listopada oraz 1, 8 grudnia 2026 godz. 17:00
Kategoria wiekowa: 8 - 12 lat
Ręczna robota - warsztat konstruowania i pracy z drewnem
W listopadowym cyklu Ręcznej Roboty zajmiemy się budową schronienia dla ptaków. Podczas czterech spotkań pod okiem ekipy Rezerwatu Dzikich Dzieci nauczycie się obsługi podstawowych narzędzi stolarskich i wcielicie się w rolę prawdziwego majsterkowicza. Efektem naszych prac będą budki, domki i karmniki, które możecie zabrać na swój balkon lub do ogrodu. Możecie też umieścić je w Rezerwacie, podczas spaceru na ostatnim spotkaniu z cyklu.
Warsztaty są okazją do poznania podstaw obróbki drewna, łączenia różnych materiałów, a także do rozwoju kreatywności i myślenia projektowego. To szkoła cierpliwości i możliwość czerpania satysfakcji z wykonania czegoś praktycznego - dobrze się przy tym bawiąc.
prowadzenie: Michał Głos
Czas trwania: 60’
Daty i godziny: 5, 12, 19 i 26 listopada godz. 17:00
Kategoria wiekowa: 7+
Warsztaty są okazją do poznania podstaw obróbki drewna, łączenia różnych materiałów, a także do rozwoju kreatywności i myślenia projektowego. To szkoła cierpliwości i możliwość czerpania satysfakcji z wykonania czegoś praktycznego - dobrze się przy tym bawiąc.
prowadzenie: Michał Głos
Czas trwania: 60’
Daty i godziny: 5, 12, 19 i 26 listopada godz. 17:00
Kategoria wiekowa: 7+
W tym kraju nie ma dobrych mężczyzn
Film Shahrbanoo Sadat – jedna z najważniejszych współczesnych afgańskich twórczyń – otworzył ostatnią edycję MFF w Berlinie. „W tym kraju nie ma dobrych mężczyzn” w sposób dowcipny i odważny łamie stereotypy, ukazując afgańskie kobiety nie jako ofiary, lecz jako silne, działające jednostki.
Kabul, tuż przed historycznym zwrotem akcji w 2021 roku. Naru (w tej roli sama reżyserka, Shahrbanoo Sadat) to 30-letnia, niezależna operatorka kamery w najważniejszej stacji telewizyjnej w mieście. Zmaga się z presją patriarchalnego społeczeństwa, uwięziona w nieszczęśliwym małżeństwie, z którego nie może odejść z obawy przed utratą opieki nad synem.
Jej życiowe credo jest proste: „w Afganistanie nie ma dobrych mężczyzn”.
Wszystko zmienia się, gdy Naru zostaje przeniesiona do redakcji newsowej i zaczyna współpracę z Qodratem – doświadczonym, żonatym reporterem, który jest od niej dwa razy starszy. Ich zawodowa relacja, pełna napięć i niedomówień, powoli przeradza się w coś znacznie głębszego, zmuszając Naru do weryfikacji jej dotychczasowych przekonań o męskim świecie.
Dorota Monkiewicz - absolwentka Historii UMCS i Filozofii teoretycznej KUL, edukatorka filozoficzna i redaktorka działu edukacji filozoficznej w czasopiśmie „Filozofuj!”. Współautorka książki Filozofuj z dziećmi i młodzieżą tom II 2021 r. Od 2022 roku związana z współtworzeniem przestrzeni kulturalnej zwanej Rezerwatem Dzikich Dzieci. Na co dzień pracuje w Centrum Kultury w Lublinie, gdzie jest odpowiedzialna m.in. za edukację filmową.
Kabul, tuż przed historycznym zwrotem akcji w 2021 roku. Naru (w tej roli sama reżyserka, Shahrbanoo Sadat) to 30-letnia, niezależna operatorka kamery w najważniejszej stacji telewizyjnej w mieście. Zmaga się z presją patriarchalnego społeczeństwa, uwięziona w nieszczęśliwym małżeństwie, z którego nie może odejść z obawy przed utratą opieki nad synem.
Jej życiowe credo jest proste: „w Afganistanie nie ma dobrych mężczyzn”.
Wszystko zmienia się, gdy Naru zostaje przeniesiona do redakcji newsowej i zaczyna współpracę z Qodratem – doświadczonym, żonatym reporterem, który jest od niej dwa razy starszy. Ich zawodowa relacja, pełna napięć i niedomówień, powoli przeradza się w coś znacznie głębszego, zmuszając Naru do weryfikacji jej dotychczasowych przekonań o męskim świecie.
Dorota Monkiewicz - absolwentka Historii UMCS i Filozofii teoretycznej KUL, edukatorka filozoficzna i redaktorka działu edukacji filozoficznej w czasopiśmie „Filozofuj!”. Współautorka książki Filozofuj z dziećmi i młodzieżą tom II 2021 r. Od 2022 roku związana z współtworzeniem przestrzeni kulturalnej zwanej Rezerwatem Dzikich Dzieci. Na co dzień pracuje w Centrum Kultury w Lublinie, gdzie jest odpowiedzialna m.in. za edukację filmową.